Nadine Shah: « Kitchen Sink »

Pour son quatrième album, Nadine Shah s’engage dans la politique de genre des arrangements interpersonnels, en gardant son regard fixé sur les contraintes de temps de la maturation de la féminité. Kitchen Sink est un album imprégné de l’expérience de l’étranger, remplissant le grand livre de chansons de la culture pop avec les histoires manquantes de diverses autres perspectives, des personnages dont la vie ne s’est pas déroulée comme imaginée, attendue ou socialement prescrite. « L’album est avant tout une question de choix », dit Shah, « pour respecter le choix de chacun sur la façon dont il vit sa vie ».

C’est Shah qui trouve son rythme, s’amusant à faire de la subversion domestique avec humour. C’est le genre d’album qu’elle a longtemps voulu faire, lorsqu’elle n’était pas poussée vers une déclaration sociale à grande échelle, comme sur son album Holiday Destination, nominé pour le prix Mercury.

Shah se soucie de défier et de jouer avec les stéréotypes ancrés qui travaillent sous la surface pour renforcer les inégalités concernant l’expérience féminine contemporaine, les entraves de la tradition et leur mélange délicat – en particulier ceux qui sont innocemment intériorisés par la musique pop. Kitchen Sink accomplit superbement sa marche sur la corde raide entre les contradictions, en posant les questions nécessaires tout en s’amusant.

L’album préféré de Shah, Naked de Talking Heads, a certes poussé les sonorités de Kitchen Sink vers sa déclaration la plus provocante sur le plan stylistique et la plus aventureuse sur le plan sonore à ce jour. L’esprit jovial déprimant de Bryne se déverse dans le nouveau groove bizarre de Shah, qui se cachait auparavant sous la surface chatoyante de « Radio 6 », avec les éléments avant-gardistes et populaires maintenant combinés avec le plus de succès. Son mélange unique de styles, noir post-punk blues ou base rock roots, se révèle plus que jamais comme des tropes canoniques complètement déconstruits par son imagination musicale fascinante et particulière, révélant en son cœur une intention artistique sans équivoque. Shah s’avère magistrale dans l’articulation du frisson artistique, donnant substance et gravité à l’atmosphère hypnotique sublime, suspendue, enveloppant des rythmes épanouis.

Sur Kitchen Sink, l’innovation percussive est en vedette avec la voix impressionnante de Shah, qui apparaît simultanément fondue et cristallisée. Ce sentiment d’émotion dramatique, alimenté par un désir irrésistible, infléchit l’expression de Shah (ce qui ne manque pas de susciter des comparaisons avec PJ Harvey). Mais le sérieux émotionnel solennel des premières œuvres de Shah est ici tempéré par un plus grand enjouement vocal et thématique poussé de façon créative à sa performance la plus assurée sur le plan artistique.

« Ladies For Babies (Goats For Love »), emprunte son titre à une peinture de son frère enfant, qui représente un homme avec une chèvre pour amant. Shah s’enfonce ici dans la psyché collective de la culture pop et dans son juke-box des années 90, le morceau étant une réaction directe à « All That She Wants » de Ace Of Base. Mais Shah prend les créateurs de succès du reggae suédois dans leur sens le plus littéral – bien qu’avec un habile renversement des genres, se moquant d’un homme qui cherche une femme pour un utérus de trophée.

Subvertissant les trophées sexistes des chansons pop par une tournure de phrase inattendue et bestiale, « Ladies For Babies (Goats For Love) » secoue le psychisme pour qu’il acquiesce à son contenu dans un moment d’attente sonore exceptionnel, quoi ? Dans le mélange le plus savamment tordu de disparités sonores, des coups de guitare serrés brillent sur le fond d’éléments de percussion innovants, d’une atmosphère énigmatique et du discours taquin et pince-sans-rire de Shah, explosant vocalement sur le refrain audacieux au moment le plus férocement excitant. L’esprit féminin indépendant que Shah façonne ici est tout à fait irrésistible, possédant une sorte d’aura de cheval noir, sans cesse dépouillée par les éclairs staccato d’une femme effrayante et confiante qui s’épanouit pleinement dans son propre pouvoir.

La chanson titre de l’album est une chanson thème pour l’outsider qui a du pouvoir, évitant les « secousses du rideau » qui ne voient qu’ « un visage étrange dont ils ne peuvent pas retracer l’héritage» (a strange face whose heritage they cannot trace). Cette nordique d’origine pakistano-norvégienne est hyper consciente et exprime toutes les facettes de son identité, chantant avec son fort accent su Nord-Est de l’Angleterre et faisant des allusions à ses racines sud-asiatiques.

« Trad » s’efface brillamment au son strident de la guitare, une mélodie aux accents orientaux s’impose d’urgence, anxieusement corrodée par un psychédélisme évidé rappelant les artistes de Sacred Bones, Exploded View, jusqu’à ce qu’elle se mette en marche sur une section rythmique étonnamment rebondissante. L’alto de Shah, qui donne à réfléchir, fait rapidement place à cette accroche, en découpant et en déversant les tripes de l’album, son point central (et, apparemment, l’étincelle créative initiale) : « Rase-moi les jambes, congèle mes œufs, auras-tu envie de moi quand je serai vieux ? » (« Shave my legs, freeze my eggs, will you want me when I am old?)

La métaphore culturelle surdimensionnée de l’horloge biologique continue d’alimenter une grande partie du sexisme scientifique, bien qu’elle soit basée sur des données de fécondité dépassées et très discutables. La fausse ontologie de l’horloge biologique défend des valeurs traditionnelles, souvent diffusées involontairement par des parents bien intentionnés. Malgré de nombreux processus rythmiques internes, il n’existe pas d’horloge mythique ancrée dans une quelconque réalité biologique. L’expérience temporelle n’est pas un processus sensoriel.

En fin de compte, personne n’est invulnérable au temps, mais seule la valeur d’une femme s’est vue attribuer cette date d’expiration abrupte, la suprématie de la jeunesse réduisant la femme mature à un utérus de temps qui passe. Elle érode les relations amoureuses, opposant les désirs et le prétendu câblage des hommes et des femmes les uns contre les autres, sous une fausse division.

En déconstruisant la tradition, le Shah fait attention à ne pas jeter le bébé avec l’eau du bain proverbial. Elle affronte sans relâche les moulins à vent des attentes de la société à l’égard d’une femme dans le cadre du sexisme systémique quotidien. Mais lorsqu’elle chante avec nostalgie « Emmène-moi à la cérémonie, fais-moi un mariage saint » (take me to the ceremony, make me holy matrimony), c’est un désir sincère de préserver un contrat intime fondé sur un sentiment profond et l’intégrité. Ce sont juste les vœux qui doivent être réécrits. La libération extérieure doit maintenant être remplacée par la révolution interne à l’union, un recadrage progressif, en sauvant une expérience humaine digne des griffes de modes traditionnels contraignants et dépassés.

Et c’est précisément l’esprit féminin pleinement émancipé qui prend le plus à cœur la question de la redéfinition des relations qui prend corps dans ce Kitchen Sink au titre révélateur.

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