Ishmael Cormack: « Ammil »

27 avril 2020

Avec un titre d’album aussi sibyllin qu’Ammil on est en droit de s’interroger sur ce qui va taquiner nos oreilles. Apparemment lié à la chimie, ce premier album d’Ishmael Cormack est une pure louche calmante à laquelle il fera bon de s’abreuver en temps troubleset troublés.

Oui, cet album est « calme ». Mais les drones électro-acoustiques sont tout autre chose. Il rappelle la poésie de Paul Ferrini, et où il dit « il faut percer là où est la douleur », comme s’il s’agissait d’une sorte d’encapsulation de l’émerveillement et de la libération. Et là où l’ouverture est légère et plaintive, le second morceau « Bending Snow » intensifie l’emprise brouillaée du macromouvement dans les glissements harmoniques solubles qui génèrent et régénèrent sur l’ensemble du morceau.

Il y a beaucoup d’espace pur dans ce disque, comme si l’esprit avait été sevré plusieurs fois d’un hymne liminal, une sorte de virus étrange que nous appelons la vie. Bien sûr, parler de poison, c’est comme danser sur l’architecture avec l’avant-garde journalistique, du moins ce que la plupart des gens du niveau de base considèrent comme de bonnes œuvres d’art ou des messages compréhensibles. Et Cormack, avec cette musique, peint cette idée très clairement dans la tête de l’auditeur.

On dirait qu’il a trouvé le temps de se débarrasser des problèmes du passé et, pour ne pas dire plus, de se reposer dans la paix du présent. Avec des gens qui meurent tout le temps et une bizarrerie de castration généralisée des médias ces derniers temps, où la technologie prend le pas sur l’humanité et où le racisme est en réalité de la xénophobie et du sectarisme, l’ouverture et la gentillesse de cette carte sonore sont faciles et invitantes à suivre. C’est aussi un point de départ parfait pour un artiste qui vaut la peine qu’on le valide.

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Other Lives: « For Their Love »

27 avril 2020

Ce qu’il y a de meilleur de l’art entre dans votre tête, vous transportant dans un autre lieu et un autre temps. C’est vrai pour les films, les photographies, les peintures et bien sûr la musique. C’est ce que Other Lives s’est toujours efforcé de faire. Sur ce point, le groupe de l’Oklahoma a sorti son premier album en cinq ans (et le quatrième au total) depuis ses débuts en 2009, il réussit généralement bien. 

Après avoir jeté un coup d’œil à ce qui compose Other Lives, vous saurez qu’il ne s’agit pas d’un groupe de chanteurs/compositeurs ordinaire. Des instruments improbables tels que les cloches tubulaires, les timbales, la clarinette basse, le saxophone baryton, le vibraphone et l’harmonium, ainsi que les cordes et les cors de chambre, se mêlent à la gamme habituelle guitare/basse/claviers, promettant, et finalement livrant, un indie-folk rock cinématographique, rêveur, luxuriant et souvent hypnotique. 

Entre les cordes qui entrent dans les cinq premières secondes de « Sounds of Violence », l’orchestration sinistre et les voix qui s’infiltrent dans « Who’s Gonna Love Us » et l’arrangement audacieux et radical d’Ennio Morricone avec des chœurs féminins fantomatiques et sans paroles qui poussent « All Eyes-For Their Love » sur le territoire de la bande originale d’un film d’art imaginaire, l’ambitieux Other Lives pousse une variété d’enveloppes musicales.  

La créativité, le talent et l’audace du frontman/fondateur/chanteur/auteur-compositeur Jesse Tabish, qui sonne un peu comme un David Byrne moins hyperventilé, sont au cœur des dix chansons. Même si l’album ne dure que 37 minutes, le folk-rock majestueux, parfois grandiose, le fait paraître plus long. Chaque morceau est tellement bourré d’instruments aux couches complexes, de paroles intéressantes bien que généralement obtuses, de structures de chansons inhabituelles (l’exotique « Dead Language » comporte deux couplets, un pont et pas de refrain) et de subtilités sonores vibrantes et souvent complexes que vous devrez rejouer chacune d’entre elles pour en absorber tout l’impact inventif. 

Il est clair que Other Lives ne fait pas de la musique destinée à être écoutée en arrière-plan. L’intention est beaucoup plus sérieuse et bien, intellectuelle, mais pas de manière prétentieuse. Des concepts d’amour et de perte comme ceux de « We Wait » : « La mort m’est venue si souvent à l’esprit dans un sommeil. Nous rêvions d’un hiver que vous ne verrez pas… Vous êtes… toujours dans mon esprit » (Death has come around my mind so often in a sleep. We were dreaming about a winter you won‘t see…You are… always on my mind”) peuvent sembler un cliché. Mais combinée avec les convolutions sonores et lyriques inspirées, ainsi qu’avec le désir ardent de Tabish et sa voix un peu froide, cette musique vise quelque chose de plus essentiel et de plus lourd. 

On peut dire que sa portée dépasse parfois son entendement. Mais avec le captivant For Their Love, il utilise tous les outils musicaux et de production de son arsenal artistique pour élargir l’approche de son groupe et en faire un album aussi convaincant et transformateur que tous ceux que vous connaissez de la musique contemporaine.

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Brendan Benson: « Dear Life »

26 avril 2020

Il est juste de dire que le bonheur domestique ne fait pas le plus séduisant des sujets musicaux – ce qui est ironique car, en gros, c’est la seule chose que nous avons tous en commun.

Depuis qu’il a formé The Raconteurs avec les Jacks White et Lawrence, et Patrick Keeler (la section rythmique des Greenhornes), Brendan Benson s’est fait l’avocat des petits plaisirs que permet la vie tranquille. Dans une interview accordée en 2009, il a vanté les vertus de la tonte de l’herbe (« aussi satisfaisant qu’écrire une chanson. Plus, parfois. »), et ses trois albums solo de cette période ont tous, dans une mesure plus ou moins grande, mis en évidence cette satisfaction. Il en va de même pour Dear Life, et bien que son septième album solo soit vendu comme un nouveau départ sonique, il est en fait ldu « business as usual ».

C’est ce qui ressort d’un simple coup d’œil à la liste des titres : « Richest Man Alive » (« J’ai deux beaux bébés et une sacrée belle femme »- ‘I got two beautiful babies and one hell of a good-looking wife’- ) se déroule bien et évite ainsi d’être trop mièvre, tandis que « I’m In Love est répétitif » sur le plan lyrique dans ses 90 secondes mais comporte des accords capricieux qui contredisent la teneur du sujet.

Il peut sembler évident de faire référence aux Raconteurs, mais comme ils ont été en grande partie responsables du crossover de Benson, cela est également valable. Dear Life est également un bon indicateur de qui fait quoi : « Half A Boy (Half A Man) » présente une guitare familière avec un grand refrain de jour, adapté à la radio, bien qu’avec un rythme plus léger. Mais on peut pratiquement entendre Jack White aux chœurs, et l’album dans son ensemble démontre qu’il est la force dominante de ce groupe.

Les percussions et les cuivres du groupe sur « Baby’s Eyes », qui est en pleine liberté, rappellent également l’instinct du super groupe de se lancer sans honte den un echo des Travelling Wilbury. Le morceau-titre comporte également des cuivres lourds, mais cela ne fait qu’ajouter une acclamation trompeuse à un récit sur la lutte contre la dépression, l’une des rares références au côté sombre de la vie « normale ».

Parmi les nouveaux sons qui sont promus, seuls quatre titres s’écartent de la formule éprouvée du rock aguicheur de Benson. Le premier morceau, « I Can If You Want Me To », propose un BPM accru via l’électronique, mais revient rapidement à la typographie avec un refrain explosif à la guitare qui ne comprend que la ligne de titre. « Good To Be Alive » ressemble à la récente production de Beck, car sa voix s’accorde automatiquement, mais conserve la mélodie familière à l’envers qu’il affectionne tant. « I Quit » mélange de nouveaux grooves avec un son acoustique traditionnel, et enfin le plus proche « Who’s Gonna Love You » possède des beats et des effets rapides et aussi un sample de ce que sont, vraisemblablement, ses enfants.

Quelque part, on peut dire bravo à un album qui fait avancer les choses, mais le meilleur morceau de l’album est aussi le plus simple : « Freak Out » fait exactement ce qui est écrit sur la boîte, un rocker rapide comme un morceau de la série des Nuggets avec un solo de guitare qui fait mouche et l’occasion de se lâcher dans le studio.

Selon les standards de Brendan Benson, il s’agit d’un album moderniste, qui se caractérise par sa brièveté et son caractère enjoué ; tout en lui permettant de s’épancher il devient un album fun à écouter.

***1/2


Hazel English: « Wake UP ! »

26 avril 2020

Wake UP ! est une déception de la pire espèce. Ce n’est pas un album horrible, certainement pas, il n’est même pas mauvais, mais il aurait pu et dû être tellement plus. Un premier album d’un artiste ide la mouvance dream-pop avec des voix semi-monotones ? On ne peut qu’adhéreri ! Pourtant, là où des musiciens tels que Fazerdaze et, dans une moindre mesure, Hatchie ont réussi à réaliser des albums mémorables, le premier L.P. d’Hazel English est agréable et poli à souhait. Si tout semble plutôt agréable à l’oreille, il y a un grave manque de substance ou des moments accrocheurs pour faire un excellent disque.

Le premier morceau, « Born Like », met instantanément en évidence les forces et les faiblesses de Wake UP ! Il n’y a pas une seule mélodie distincte ou mémorable dans les couplets de la chanson, alors que le refrain est plutôt charmant. Malgré cela, tout comme l’ensemble de l’album, la chanson est légèrement au-dessus de la médiocrité par le contraste souligné entre les couplets sans vie et le refrain. Alors que ce dernier est mis en évidence par la différence de qualité drastique, le fait que les refrains soient imprégnés de réverbération contribue également à élever la dynamique de la chanson, l’empêchant d’échouer complètement… et l’aidant à se rétracter en territoire inoffensif.

La plupart des autres chansons suivent le même chemin, la chanson titre étant une aberration et une évidence. « Wake UP ! , en effet,  ne se contente pas d’être une « belle » chanson, car elle est plus énergique et le refrain est plus joyeux. Malheureusement, c’est la seule composition de ce genre sur l’album.

Malgré ce titre remarquable, Hazel English atteint rarement un tel niveau d’excellence sur Wake UP ! Bien sûr, « Combat » et « Five and Dime » sont un peu plus lents et plus jazzy, mais on ne le remarquerait pas si on les écoutait de manière inappliquée , alors que c’est ce pour quoi le disque semble avoir été conçu. « Combat » vise à un son plus éthéré et n’y parvient qu’à un degré minimal, car la chanson ne parvient pas à exploiter l’atmosphère et à en faire quelque chose d’intéressant. Une fois de plus, cela empêche le disque d’être engageant. Il est dommage que English semble vouloir autant se limiter et se restreindre : de la même manière, « Milk and Honey » sonne constamment comme si il était sur le point d’exploser vers quelque chose de plus prenant mais il ne le fait pas et cet aspect négligeable est terriblement frustrant.

En fin de compte, Wake UP ! n’est en aucun cas un mauvais album, et il est tout à fait capable de servir ses objectifs. C’est un opus conçu pour une écoute occasionnelle tout en faisant autre chose : il peut fonctionner comme une musique de fond parfaitement acceptable. C’est dommage, mais les subtiles touches de brillance qui parsèment ce disque laissent entendre qu’Hazel English est capable de bien plus et d‘exploiter cette créativité limitée dans le cadre de projets futurs.

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Lucinda Williams: « Good Souls Better Angels »

26 avril 2020

Le stoïcisme est peut-être le prix de la singularité. Lucinda Williams, éminemment difficile à classer, est la rare artiste grand public qui conserve sa crédibilité dans la rue, tant en country qu’en rock. Mais s’imposer a nécessité une campagne éreintante. Dans les années 1970 et 1980, cette artiste originaire de Louisiane a parcouru le Texas et Los Angeles, se frottant à des « lowlifes » luminescents et les immortalisant en chansons. Au fil du temps, elle a accumulé un grand nombre d’adeptes et a reçu trois Grammy Awards. Au fil du temps, elle est devenue aussi fiable et confortable qu’un vieux pull qui gratte et qui est en quelque sorte meilleur que les autres dans le tiroir.

Moins confortable est le sujet du dernier album de Williams, Good Souls Better Angels, qui aborde des sujets sombres avec des paroles et des sons inhabituellement agressifs. C’est son 14ème album studio, et son premier album de nouvelles chansons depuis 2016, le hantant The Ghosts of Highway 20.

Les diables, la malchance et l’échec en sont les motifs. Le thème de la lutte contre les forces démoniaques anime l’intrigue. Le réalisme de Williams nous rappelle que, même lorsque les combats cessent, la paix est souvent un objectif irréalisable. Longtemps fascinée par les possibilités offertes par la poésie, elle puise dans une veine particulièrement râpeuse et provocante sur Good Souls Better Angels.

L’exemple le plus frappant, « Wakin’ Up », ne ressemble à rien d’autre dans son répertoire.  Elle se déchaîne en récitant une litanie de résistances et de dysfonctionnements : « Il m’a donné un coup de poing/ Je l’ai raté…/ Il m’a tiré les cheveux/ Et puis il m’a pissé dessus/ Je jure qu’il veut ensuite m’embrasser. » (He threw a punch/ Somehow I missed it…/ He pulled my hair/ And then he piss on me/ Next thing I swear he wants to kiss on me.) Des hurlements de guitare désorganisés illustrent le chaos et Williams va jusqu’à justifier la non-coopération. Dans le choeur déchirant, elle se secoue, se disant rapidement à elle-même » »Je me réveille/ D’un mauvais rêve/ Ça m’a secouée/ C’était une mauvaise scène/ Ça m’a foutue en l’air. » (I’m wakin’ up/ From a bad dream/ It shook me up/ It was a bad scene/ It fucked me up.) Le guitariste Stuart Mathis y diffuse des riffs façon Neil Young époque Sleeps With Angels sur un grondement rythmique menaçant.

Sur Good Souls Better Angels, Williams est soutenu par le groupe de blues rock Buick 6. Mathis riffs sur une guitare négligée inspirée par Hendrix, et jette des pistes de guitare contradictoires sur la production. Ses accords de blues impétueux et son jeu libre et expressif s’opposent aux rythmes statiques du batteur Butch Norton et aux motifs de basse de David Sutton. Cet arrangement donne une sensation de live énergisante et les solos de guitare crépiants s’opposent aux rythmes brutaux et au chant dur de Williams. 

« Pray The Devil Back To Hell » est un morceau similaire à « Wakin’ Up », mais dans une perspective plus négative. Mathis peaufine son installation et explore un territoire plus spacieux. Le violon électrique griffé offre une rare variation sur la palette sonore de base fournie par le groupe. Williams affronte les démons de gauche et de droite, et pas seulement les démons internes. Le « single » « Man Without A Soul », critique implicite de Donald Trump, qui fait l’objet d’une critique implicite, prophétise la chute de la figure de proue controversée. « Tu te caches derrière ton mur de mensonges/ Mais ça s’écroule » (You hide behind your wall of lies/ But it’s coming down), crache-t-elle, le broyant sous sa botte métaphorique comme un mégot de cigarette qu’elle aurait jeté par terre. Des changements d’accords rassurants y dissimuleront temporairement son vitriol.

Good Souls Better Angels délivre un rock brut et rugueux, et c’est rafraîchissant à entendre. Il serait cependant fallacieux de qualifier l’album de retour à la forme, car Williams n’a jamais sonné aussi noueux sur disque. Des guitares fracassées et la valeur de production du garage-rock fournissent une toile de fond gutturale pour ses paroles, hurlées et marmonnées à la manière étonnamment punk.

Sur le shuffle agité du Texas blues « Bad News Blues », Williams transforme un mauvais moment en bon moment avec des rimes directes et une construction parallèle intelligente. « Mauvaises nouvelles dans la rue / Mauvaises nouvelles dans ma voiture / Mauvaises nouvelles sous mes pieds / Mauvaises nouvelles au bar » (Bad news on the street/ Bad news in my car/ Bad news under my feet/ Bad news at the bar), gémit-elle, l’air assiégé mais sobre. Sa râpe grinçante atterrit de manière impressionnante entre Iggy Pop et Kim Gordon, tandis que les paroles et la musique puisent leur force dans un blues tapageur. Sur le dur « Big Rotator », la rime sert une fois de plus de véhicule aux idées de Williams. Elle fait tourner une série de tangentes verbales qui se fondent comme une pelote de laine autour des thèmes du bien et du mal.

Néanmoins, comme beaucoup d’artistes classiques qui ravivent le feu après quelques albums de chansons relativement conventionnelles, Williams tempère parfois l’enfer. Deux ou trois numéros apaisants et mélodieux la font changer de vitesse.  Bien que presque fade dans son euphémisme, « Good Souls », plus proche, sert d’épilogue réconfortant pour les auditeurs confiants qui ne sont pas effrayés par les difficultés.

« Shadows and Doubts » combine cette tension plus douce avec sa ligne de basse incisive sur l’album. Williams commence la chanson sans accompagnement. Buick 6 la dépasse progressivement par de subtiles embellissements, et la chanson se transforme en un gage de solidarité encore doux mais plein de sang. Rêveusement, Williams chante : « Bon sang, ce sont les jours bleus sombres/ C’est vrai/ Et il y a tant de façons de vous écraser. » (Hell, these are the dark blue days/ That much is true/ And there’s so many ways to crush you) Mais ici, elle n’est pas à l’attaque. Elle poursuit avec une note d’optimisme tenace : « Vous avez vos ombres/ Et vous avez vos doutes/ Et vous avez vos batailles/ Mais vous vous battez pour vous en sortir. » (You’ve got your shadows/ And you’ve got your doubts/ And you’ve got your battles/ But you fight your way out) Ceci sonnera un peu comme une déclaration de mission et d’intention pour l’ensemble de l’album.

Le disque sert à rappeler ce qui fait du nom de Williams une marque reconnue dans le domaine de l’écriture de chansons de qualité. Son individualité et sa combativité continuent à briller au plus profond de sa carrière. Son phare poétique lutte contre les ténèbres ; il ne gagne pas toujours, mais il incite les auditeurs à se battre pour leur meilleure nature. Good Souls Better Angels est, dans ses meilleurs moments, une écoute fascinante pour les fans du côté plus branché du rock roots et de l’Americana.

****1/2


Elder: « Omens »

26 avril 2020

N’essayez surtout pas de parler de la psychédélia lourde au 21e siècle sans mentionner Elder. Issu de l’underground stoner doom, le quatuor de Boston a utilisé des arrangements progressifs et des textures trippantes pour produire certains des meilleurs albums de la dernière décennie. Alors que les fans opposent le Lore de 2015à Reflections of a Floating World paru en 2017, le groupe est à nouveau en piste avec son cinquième album. Après une décennie et demie d’arrangements gonflés et de technicité croissante, Omens adopte une approche plus réservée. Les mélodies désespérées d’Elder, les riffs croustillants et la facilité à tout déchiquter avec le bon goût qui caractérise le combo se transforment en paysages sonores pensifs, en jams spacieuses et en chants accessibles. Les puristes du doom-metal pourront crier au « sold out », même un élitiste endurci ne pourra pas écarter la chansontitre. Les arpèges de clavier fleurant les années 70 sont accompagnés d’une guitare floue et harmonisée, mais le son plus léger de la six cordes de Michael Risberg prend immédiatement le dessus. Cette sonorité et les synthés chatoyants dégagent une atmosphère classique de prog-rock, tandis que le chant de Nick DiSalvo rappelle le post-hardcore de la vieille école.

Des musardages discrets aux solos époustouflants, le travail de guitare n’en est pas moins impressionnant. Le batteur Georg Edert change toujours de signature temporelle sur un dixième de dollar, maintenant une chimie serrée avec le bassiste Jack Donovan. Ce qui distingue vraiment Omens, c’est l’effort d’Elder pour laisser les passages respirer, plutôt que de les encombrer de riffs géniaux.

Si les deux derniers albums d’Elder comportaient pléthore de riffs à la minute, Omens s’occupe davantage de jams lents aux climax saisissants. Les touches de carillon de Risberg percent les riffs harmonieux du début de « In Procession », réalisant l’équilibre caractéristique du groupe entre polyrythmies techniques, groove collant et harmonie euphonique.

La dynamique passe sans heurt de la fusion feutrée aux refrains électrisants, mais la section centrale montre l’incroyable croissance d’Elder en tant qu’arrangeur. Les guitares et les touches de clavier commencent à superposer des motifs distincts, mais imbriqués, tandis que la section rythmique ajoute avec tact des remplissages plus bombassiers et des hits syncopés.

Le fait que DiSalvo puisse encore entremêler des accroches passionnées dans tout cela fait essentiellement de lui la version doom metal du multi-instrumentiste Mike Kinsella. Là où les chansons du passé agrémentaient la lourdeur écrasante d’idées exploratrices, ces nouveaux morceaux font de ces aventures sonores le cœur de l’écriture des chansons. Le plus grand risque était de laisser le claviériste s’occuper de plus de pistes. Beaucoup de metalheads crieront à l’injustice, mais cela renforce la qualité mélodique d’arrangements plus éthérés.

Les quatre minutes de « Halcyon » croisent ainsi les points de vue respectifs de This Will Destroy You et de Talk Talk sur le post-rock. Le rythme modeste, les « guitar licks » dansants et le grondement de basse pulsant s’enfoncent dans un bain sonore magnifique, au point que le passage suivant donne l’impression de se réveiller d’un rêve.

Les riffs de stoner élégiaques offriront également une récompense à couper le souffle. Les mélodies de synthétiseur délicieusement ringardes et les changements de rythmes math-rock rappellent peut-être The Mars Volta, mais le timbre de guitare flou et la progression plus lente font de ce titre l’un des morceaux les plus pessimistes du disque.

Le rythme propulsif, les accords brillants et le chant criard de « Embers » s’éloignent le plus du format d’Elder. Dans ce que l’on pourrait décrire comme Jawbreaker prenant du LSD avec King Crimson, le groupe fournit certains de ses breaks instrumentaux les plus hypnotiques et un chant contagieux. Le solo de clavier envoûtant est assez intense, mais le groupe prend quatre minutes de plus pour développer des mélodies époustouflantes et des progressions d’accords radicales. Ce qui lui manque en termes de lourdeur ordurière, Elder le compense largement par une puissance émotionnelle pure et simple.

« One Light Retreating » termine intelligemment le disque en entremêlant des instruments plus engagés et plus fluides à des riffs de doom qui font trembler la terre. Des drones s’écrasent sur des modulations en mouvement constant, réalisant un équilibre entre l’ancienne et la nouvelle approche du groupe. La construction de l’ambiance synthétique au riff central n’est rien de moins qu’absorbante, ce qui donne une crédibilité finale au sens du mélodisme, de l’atmosphère et de la musique rock qui fait vibrer les os d’Elder.

Il n’est pas facile de s’écarter du chemin avec succès, mais l’indéniable alchimie d’Elder mène le groupe à travers son album le moins « métal » à ce jour. En se débarrassant de ses racines punitives, le groupe apporte une nouvelle dimension à son atout le plus précieux : la musicalité. Omens devrait, sans aucuns doutes, mettre Elder dans toute conversation sur la musique rock qui compte pour cette nouvelle décennie.

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AWOLNATION: « Angel Miners and Lightning Riders »

26 avril 2020

Bien que le dernier album d’AWOLNATION n’ait pas tardé à sortir, beaucoup de choses ont changé pour Aaron Bruno et son équipe, choses qui donnent ici naissance à Angel Miners and Lightning Riders. Cela fait un certain temps que le tube alt-rock « Sail » n’a pas fait son apparition, mais Bruno ne montre aucun signe de ralentissement sur le quatrième album du groupe. Moultes chansons diversifiée et inspirées par des moments profondément personnels, AWOLNATION est de retour et met son âme à nu.

Une chose sur laquelle AWOLNATION n’a jamais reculé, c’est la création de musique que Bruno et ses compagnons de route, actuellement le batteur Isaac Carpenter, le guitariste Zach Irons, le claviériste Daniel Saslow et le bassiste Michael Goldman, veulent écouter. C’est encore une fois le cas sur Angel Miners and Lightning Riders, car le groupe possède un certain nombre de titres qui explorent stylistiquement les multiples sons qui peuvent s’intégrer dans un seul morceau d’une manière que d’autres n’auraient pas envisagée.

Par exemple, le complexe « Mayday !!! Fiesta Fever » mélange les hurlements de la grosse caisse avec les trompettes et le falsetto Bee-Gee’s-esque fourni par nul autre qu’Alex Ebert d’Edward Sharpe and the Magnetic Zeros pendant le pont. Une autre chanson expérimentera evec les attentes comme « Battered, Black and Blue (Hole In My Heart) », qui s’ouvre sur un blues rock à la AC/DC avec des accords mineurs sombres et des voix criardes. Mais à chaque refrain, elle passe rapidement à la synth-pop, dans la veine de l’anglais moderne, avec des voix chuchotées et des accords majeurs éclatants.

Aucune des deux chansons ne s’inscrit dans une boîte à genre unique, et ces changements ne semblent pas naturels. Pourtant, aucune d’entre elles ne semble déplacée ou placée au hasard sur cet album. D’une certaine manière, les différents styles s’entremêlent de telle sorte qu’un morceau cohérent s’assemble, qu’il réponde ou non aux attentes.

Bruno de AWOLNATION profite également de chaque occasion pour utiliser ses expériences personnelles sur ses compositions.  « Slam (Angel Miners) », d’une durée d’environ cinq minutes, est une ode aux pressions qui accompagnent la célébrité et les attentes. La chanson entière a une atmosphère légèrement obsédante avec des chants aériens qui font écho. « Toujours quelqu’un qui veille » (Always someone watching), répète-t-il encore et encore, la pression augmentant jusqu’à la dernière répétition, où les paroles deviennent « Toujours quelqu’un qui veille sur vous » (Always someone watching over you), ce qui, vu le contexte, est moins que réconfortant.

« California Halo Blue » puisera, lui, directement son inspiration dans les détails de la façon dont son studio et sa maison ont brûlé lors de l’incendie de Woolsey à Malibu en 2018, alors que AWOLNATION était en tournée. Bruno utilise les appels téléphoniques avec sa femme, les sentiments de choc et les liens spirituels pour discuter de la tragédie de l’incendie dévastateur.

Angel Miners and Lightning Riders comporte des chansons qui, à première vue, semblent totalement opposées mais qui sont thématiquement parallèles les unes aux autres. L’ouverture, « The Best », qui est aussi le « single » principal, est une chanson facile qui parle du désir d’atteindre le sommet de la réussite, quelles que soient les circonstances, et de la peur que le meilleur ne soit jamais assez bon. Le morceau suivant, « I’m A Wreck », revient sur cette pression et explique comment cette pression peut ruiner quelqu’un. Pour exprimer cela, le son change à mi-parcours, passant de lent, calme et obsédant à une explosion d’émotion incontrôlable Les deux chansons se complètent en abordant le cycle précaire de la poursuite de rêves qui peuvent faire plus de mal que de bien et amorcer la volonté de s’en sortir à nouveau.

AWOLNATION fait beaucoup de place à ces dix chansons. Utilisant à la fois la bravoure et l’expérimentation, Bruno a conçu un album qui touche non seulement les luttes pour la santé mentale mais aussi l’expérience humaine au sens large.

***1/2


The Used: « Heartwork »

26 avril 2020

Avec des paroles infernales, des refrains entraînants et des ballades mémorables, Heartwork est le deuxième album studio de The Used après The Canyon en 2017. Il intègre également des éléments de musiciens reconnus, dont le chanteur Jason Aalon Butler de Fever 333, le chanteur Caleb Shomo de Beartooth et Travis Barker et Mark Hoppus de Blink 182.

S’ouvrant sur la ballade colossale « Paradise Lost, a poem by John Milton », cette fanfaronnade punk fait démarrer Heartwork par des riffs volants et une énergie tourbillonnante. S’élançant dans de subtiles tendances de heavy rock, « Blow Me » est asséné par un invité spécial, Jason Aalon Butler. Avec des cris d’enfer et des riffs militants, le disque n’hésite pas à nous mettre dans l’ambiance sur les deux premiers morceaux, alors que les musiciens triturent leurs instruments dans l’anarchie la plus totale. 

Mystique, « Bloody Nose » sera plus sombre alors que le frontman Bert McCracken met en boucle des paroles contagieuses : « J’ai été sur la route, mais je vais trop vite, dégagez la route, je cherche un endroit pour m’écraser et brûler, dites-moi, est-ce que je mérite ce qui arrive ? » ‘ I’ve been on the road, but I’m going way too fast, clear the road, I’m looking for a place to crash and burn, tell me, do I deserve what’s coming ?)

L’émulsion atmosphérique de My Cocoon » est courte mais efficace ; d’un son doux, cet intervalle d’une minute fait la transition entre le climat précédent de désordre émotionnel et leur single électro-pop « Cathedral Bell ». Ce morceau sonne beaucoup plus mainstream que le reste de l’album, mais il ne semble pas déplacé par ses carillons angéliques qui se fraient un passage parmi les chuchotements de McCracken. 

La chanson titre voit, parait-il, son origine dans la magie et son et interlude de paroles es, ) cet égard, glacial, prolongé et rémanant. «The Lottery », avec le chanteur de Beartooth, Caleb Shomo, est un gouffre tourbillonnant de chaos et cela ne s’arrête pas là, les paroles progressives de Shomo, en plus du chant de McCracken, sont assez percutantes. Il est sombre dès le premier coup de guitare et se démarque facilement. 

L’avant-dernier morceau, « Darkness Bleeds », est assez difficile à suivre, mais c’est un voyage joyeux. Il se termine avec le très sincère « To Feel Something » » et conclut Heartwork par un adieu émouvant, alors que le frontman McCracken plaide : « Je veux juste ressentir quelque chose, n’importe quoi est mieux que cela ». (I just wanna feel something, anything is better than this) De retour après trois ans, Heartwork salue le retour d’un John Feldman qui nous dispense, sur cet album, une part indéniable de magie punk.

***1/2

 


Gerry Cinnamon: « The Bonny »

25 avril 2020

Le nouvel album de Gerry Cinnamon est finalement sorti après que l’artiste ait publié un nouveau « single », »Head in the Couds », quelques jours avant un The Bonny qui s’était fait longtemps attendre. Le disques omprend 12 titres dont six sont déjà connus ; il ne nous reste donc six hymnes inédits à découvrir.

Le premier nouvel air est une chanson intitulée « Outsiders » un titre du Gerry Cinnamon auquel on s’attend, à avoir une composition rapide et puissante  Il est ensuite suivi de « Roll the Credits », qmorceau qui nous permet de véritablement entendre à la voix de l’artiste et où l’harmonica et la voix de Gerrys Glasgow s‘harmonisent merveilleusement.

« Maythem » »figure également sur l’album. On le reconnaîtra aisément parce qu’il figure sur la set-list de nombreux auteurs-compositeurs au fil des ans. La version enregistrée rend définitivement justice à cette chanson. Un autre morceau rapide et vibrant avec des paroles brutalement honnêtes.

On reconnaîtra peut-être également « War Song Soldie » », l’une des premières chansons de Gerry Cinnamon. Elle a été diffusée sur les ondes pendant plusieurs années. Une fois de plus, on y retrouvera le son familier de l’Écossais qui sera bien accueilli par ses fans déjà nombreux.

« Six String Gun » est également un inédit. Il s’agit d’une chanson courte, mais étonnante qui montrera à quel point la voix de l’artiste s’est améliorée au fil des ans soutenant aisément cette affirmation face au défi de la durée.

L’album s’achève sur une autre chanson courte mais régulière intitulée « Every Mans Truth » qui montre une fois de plus à quel point Gerry Cinnamon a progressé. Une écoute légère et facile qui fait parfaitement le tour de l’album. The Bonny est une autre magnifique production de Gerry Cinnamon, à savoir un album qui suit brillamment les traces de Erratic Cinematic.

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Carpet Merchant: « Knitwear Field Recordings »

24 avril 2020

Knitwear Field Recordings de Carpet Merchant est un projet créé en hommage ou en successeur de Arcade Field Recordings d’Oliver Payne. Alors que ce dernier portait sur les enregistrements (et remixes) des arcades de jeux vidéo de Los Angeles, Knitwear Field Recordings applique la même approche à l’atelier de tricot du père du créateur, en documentant le processus de fabrication. Les morceaux portent des titres tels que « Preparing Programs », « Tacking », « Cutting », « Linking » et « Working as a Unit » et ce dernier titre fonctionne exactement ce que tous ces morceaux font.

« Flat Knit From the Pas » sonne comme quelque chose où l’on verrait les gens agitent des bâtons lumineux et tapent du pied. ; et en 21 secondes seulement, on aimerait que ce morceau (comme beaucoup d’autres) dure plus longtemps. « Flat Knit Medley » (un des deux titres à pleine longueur sur 3:36) sonne comme une boucle de synthétiseur cassée accompagnée d’un enregistrement ASMR défectueux. Nous savons que les sons proviennent en fait d’une machine dans un atelier, et c’est bien là le problème. Un synthétiseur est une machine. Un ordinateur est une machine. L’artiste décide quels sons de cette machine doivent contribuer à sa musique.

C’est incontestablement « industriel » dans tous les sens du terme. Et c’est sans aucun doute de la musique. Il y a du rythme, du bourdonnement, des notes, des harmoniques, et même des accords et des mélodies si vous voulez les trouver. Chaque ventilateur qui ronronne, chaque appareil qui clique ou qui bip, contribue à un monde sonore vraiment enveloppant. Vous pouvez imaginer l’atelier de tricot tout autant que vous pouvez relier les pièces à des artistes comme Autechre. Ce qui ajoute une qualité étrange à l’expérience est la présence de voix humaines en arrière-plan sur de nombreux enregistrements. Ces voix calmes et naturelles (mais le plus souvent distantes et inintelligibles) servent de contrepoids à la qualité abrasive des machines et ajoutent une chaleur et une humanité si souvent (intentionnellement) absentes de la musique « dure » que ce projet subvertit.

Ce n’est pas un projet que tout le monde appréciera. Il n’est pas « facil » » à écouter. Il n’y aura pas de « hits » issus de cet album. Mais, sa nature même – conforme aux philosophies de la musique électroacoustique et de l’art conceptuel – fait qu’il vaut la peine que vous preniez le temps (15 minutes au total) de l’explorer.

En fin de compte, vous pouvez décider vous-même de ce projet. En l’écoutant, vous ferez l’expérience de quelque chose de vraiment unique – peut-être différent et peut-être étonnamment similaire à la musique qui vous passionne normalement.

***1/2