Littlemen: « It’s A Beautiful Thing »

26 mars 2020

Littlemen est un collectif d’americana britannique basé dans le Wiltshire qui interprète les chansons variées et stimulantes du pilier du groupe, Nick Allen.  It’s A Beautiful Thing est le deuxième album du groupe et fait suite à Long Road Home, sorti en 2016.

Depuis ce premier opus, le combo a subi un remaniement complet de son personnel.  Le line-up actuel est le suivant : Nick Allen au chant, rejoint par Rob Brian à la batterie et aux percussions, Guy Townley aux guitares et Tyler Spicer à la basse.  Sur It’s a Beautiful Thing, le noyau du groupe est largement complété par de nombreux autres musiciens, notamment Craig Crofton, qui joue d’un saxophone magnifique sur la première piste de l’album, Girl With the Red Blouse ; Jo Nye aux chœurs et Keith Holmes, qui apporte une contribution exceptionnelle à la guitare et à l’orgue sur « Front Page News », le titre-phare du disque.

It’s A Beautiful Thing est un album intéressant.  Il est divertissant, parfois stimulant, et s’appuie sur un certain nombre d’influences clairement détectables, dont Tom Petty, Warren Zevon, Gram Parsons et Bruce Springsteen.  Le thème est l’americana et le son est typiquement piloté par des guitares rythmiques qui fournissent une base solide pour quelques sublimes ornements de pédales d’acier et quelques solos de guitare solo qui s’envolent. L’aspect le plus remarquable des chansons est le choix des paroles de Nick Allen et la variété des sujets abordés. 

Il est probablement utile d’expliquer, à ce stade, qu’il y a quelques années, Allen a été impliqué dans un horrible accident de moto qui l’a laissé en fauteuil roulant et l’impact de sa situation à la fois sur lui-même et sur ses proches. Il est le sujet de deux des chansons les plus poignantes de l’album, « Walking » et « Obstacles ». 

L’album comprend également des morceaux qui traitent de sujets aussi divers que la relation interrompue par l’érection du mur de Berlin (« Feel The Hea »t), le premier amour (« Girl With the Red Blouse »), l’amour perdu (« Moving On »), l’objectivation féminine (« Front Page News) » et la relation entre les chats et leurs compagnons humains (« Cat Song »).

Parmi les morceaux les plus marquants de l’album, citons le titre « Walking », on retiendra un « Je prie pour que Dieu me prenne si jamais tu remarches », (I pray that God could take me if you ever walk again ) que Allen attribue à une phrase utilisée par sa mère à la suite de son accident et qui touchera certainement une corde sensible chez n’importe quel parent. Pour la première fois, une valse en deux temps qui rappelle fortement « The Old Country Waltz » de Neil Young, « Feel The Heat », qui met en scène un joli bouzouki joué par Guy Townley, et Twist of Fate, la chanson la plus ouvertement acoustique de l’album, avec un magnifique accompagnement au violon et au violoncelle de Beth Porter et la voix de Allenqui craque à la manière d’un Gram Parsons lorsqu’il atteint les plus hautes notes. 

« Front Page News », aborde donc le sujet nécessaire et très actuel de l’objectivation féminine par les médi).  Sur ce morceau, le groupe est rejoint par Jo Nye, Keith Holmes et Jamie Thyer pour offrir un son de groupe complet.  Sur le plan des paroles et des instruments, il sonne comme un morceau perdu d’une collection classique de Warren Zevon.

« Cat Song » mérite aussi d’être reconnue comme étant peut-être la chanson la plus étrange de l’album.  Le morceau commence par un ronronnement et un riff de basse qui simule les mouvements d’un chat qui rôde. Les observations faites dans les paroles résonneront fortement chez tous les amoureux des chats (comme ils l’ont fait avec moi) mais les riffs lourds qui accompagnent la chanson peuvent sembler un peu incongrus.  Cette chanson est peut-être une riposte féline à « Be Careful There’s A Baby In The House » de Loudon Wainwright, autre référence qu’on ne peut que saluer.

***1/2


Empty Country: « Empty Country »

25 mars 2020

En dix ans, le groupe new-yorkais Cymbals Eat Guitars est passé d’un groupe qui adorait les caves de l’underground à un combo de rock qui attire les foules avec des arrangements de plus en plus léchés. Ils ont trouvé un public parmi le public des Pixies et de Modest Mouse, et lorsque cette scène s’est éteinte, ils ont continué à évoluer et ont fini dans les bras du revival emo. Aujourd’hui, l’auteur-compositeur-interprète Joseph D’Agostino est allé de l’avant, après la séparation du groupe en 2017, à la recherche d’une nouvelle revitalisation avec son projet solo Empty Country.

Empty Country est un disque engageant, merveilleusement arrangé et gratifiant. D’Agostino donne sa propre interprétation de l’Americana qui se sent à la fois nouvelle et ancienne. Bien qu’il ait été réalisé avec une approche de retour aux sources, avec l’aide d’un petit nombre de personnes proches de lui – le disque met en vedette sa femme et sa belle-sœur aux chœurs et plusieurs amis et voisins qui forment son groupe – il en ressort avec un sentiment de pleine réalisation et même plus. Aucun détail n’est épargné, et presque chaque section est composée et arrangée de façon experte pour rendre les chansons aussi séduisantes et immersives que possible. Le groupe a quelque chose en commun avec l’envoûtant A Sailor’s Guide to Earth de Sturgill Simpson, tant dans son approche musicale que dans sa perspective lyrique.

Après la rumination sur la mort qu’a été le disque Lose de Cymbals Eat Guitars, acclamé en 2014, et le sursaut de vie qui lui a succédé, Pretty Years, D’Agostino cherche maintenant des sources d’espoir au milieu d’une peur permanente de la perte.

Certaines de ces sources sont très personnelles. « Ultrasounds » par exemple a cle caractère rauque et flou de la fin des années 90, tandis que D’Agostino s’inquiète pendant l’attente effrayante des résultats médicaux de sa femme ; « Nous essayons de dormir / Nous tournons / Une ombre sur l’échographie. » La berceuse façon boîte à musique « Chance » vous enveloppe lentement dans un orchestre luxuriant, vous y tient confortablement, puis vous chante dans une heureuse stupeur ; la chanson est un hommage à son beau-père, Robert « Chance » Browne, le dessinateur de la bande dessinée Hi and Lois.

Entre-temps, D’Agostino s’est également lancé dans la fiction, ce qui a donné naissance à des chansons plus surréalistes et parfois idiosyncrasiques. « Marian » est un spectacle tentaculaire sur un mineur de Virginie occidentale qui, en 1966, se saoule et prédit sa propre mort en parlant à sa femme endormie. « Becca » est un air folk-rock tout simple, presque enjoué, sur une femme qui trompe les gens pour les rendre aveugles en regardant directement une éclipse solaire.

Les mots de D’Agostino sont si complexes et si enchevêtrés dans les détails que les histoires sont obscurcies ; c’est plutôt comme si vous feuilletiez un album photo sans notes de bas de page – on ne vous raconte pas l’histoire, mais vous ressentez l’impression qu’elle vous laisse. Les chansons peuvent être sombres et dissonantes, et elles peuvent être lumineuses et pleines d’espoir. C’est un disque qui parle de tomber amoureux, de trouver une joie pure dans la parentalité et de s’inquiéter pour ceux qu’on aime. C’est un disque tendre et parfois destructeur, car D’Agostino trouve du réconfort dans les choses qui sont bonnes dans la vie, s’en prend à ses peurs et répète ce cycle jusqu’à ce que son ennemi soit, pour l’instant, vaincu.

***1/2


The Wild!: « Still Believe In Rock And Roll »

25 mars 2020

Au cours des cinquante dernières années, le monde semble avoir redécouvert son intérêt pour le rock en annonçant un certain nombre de champions nostalgiques qui commencent à inaugurer une nouvelle ère du rock ‘n’ roll. Certains, cependant, n’ont pas eu besoin d’une phase moderne pour raviver une telle étincelle, comme The Wild !, un combo de Vancouver sur leur album Still Believe In Rock And Roll.

Commençant à plein régime, le rock inspiré de Bon Scot sur « Bad News », The Wild ! donne le ton à Still Believe In Rock And Roll avec un morceau des années 70, tranchant et implacable, qui adoucit le fil du rasoir grâce à des chansons accrocheuses. C’est un trait constant sur la plupart, sinon la totalité, des morceaux du disque, mais le ton bluesy et classique du rock thrash avec AC/DC et Motörhead est particulièrement apparent sur « High Speed », « King Of This Town » et « Goin To Hell » ».

Sur cet album, a fait plus que prouver sa valeur en tant que groupe de rock et redonne crédibilité au titre dont il a affublé ce disque. En effet, tout au long de la liste des morceaux, une poignée de chansons se détachent et se démarquent. La première est la chanson titre rauque comme elle se doit ; un hard rocker qui est à la fois un classique du rock et un moderne, comme le montre le contraste entre les vibrations du couplet implacable et le refrain mélodique. Immédiatement après se trouve le « single » principal, « Playing With Fire », un morceau sorti tout droit des années 70. Le dernier titre, « Gasoline », qui clôt l’album et constitue la seule ballade, permet au groupe d’écrire ses chansons en utilisant un brûleur lent qui se construit organiquement au cours de ses six minutes d’exécution.

Si AC/DC et Buckcherry avaient un enfant, le bâtard serait The Wild ! Still Believe In Rock And Roll est le résultat d’un travail acharné qui a propulsé le groupe depuis sa création et démontre qu’un disque de hard rock moderne en 2020 peut être à la fois nostalgique et unique. Le plus impressionnant est que The Wild ! Livre ici un album qui capture l’octane élevé et l’énergie brute de leur set live et a canalisé cette vibration directement dans les veines de 10 morceaux originaux percutants. D’avant en arrière du temps, Still Believe In Rock And Roll est une sacrée chevauchée, qui devrait à terme cimenter la place de The Wild ! dans la nouvelle vague du rock classique.

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Waxahatchee: « Saint Cloud »

24 mars 2020

« Je ne suis pas sombre », a a dit un jour Lucinda Williams, « je raconte juste une histoire ». L’une des choses qui font de William – l’un des grands conteurs de country, d’Americana et de musique rock – une si intéressante personne est sa capacité à créer des détails qui s’incrustent dans votre cerveau. Elle s’adresse à une « épave » dans des « chaussures lourdes » et, à partir d’un seul détail, le personnage commence à prendre forme. Waxahatchee, le projet de l’auteure-compositrice-interprète Katie Crutchfield, nommé d’après un ruisseau de l’Alabama près de la maison de son enfance, s’est toujours distinguée par des paroles et des instruments de fin d’histoire qui allient clarté et bruit et qui accentuent l’écriture de Crutchfield. Mais sur Saint Cloud, le cinquième L.P. de Waxahatchee, dans lequel elle se débarrasse du bruit de ses racines punk et s’appuie sur ses influences country et Americana, la comparaison avec des grands noms comme Lucinda Williams semble plus appropriée que jamais.

On pourrait continuer à lancer des comparaisons – Bob Dylan, Joni Mitchell, des artistes contemporains comme Hurray for the Riff Raff et Hiss Golden Messenger – établissant une sorte de lignée d’auteurs-compositeurs-interprètes dans laquelle Waxahatchee s’inscrit, mais la façon la plus appropriée de caractériser cet excellent nouveau disque de Waxahatchee est peut-être dans le contexte de sa propre discographie. Sur des albums antérieurs comme Cerulean Salt et Ivy Tripp, les écrits de Crutchfield cataloguaient l’agitation et l’insouciance de la jeunesse – Crutchfield a vait déclaré que le titre d’Ivy Tripp était censé évoquer une sorte de « manque de direction ». Sa suite de 2017, Out in the Storm, a dépeint les bouleversements et les retombées d’une relation sérieuse, pleine de distorsions et d’incertitudes.

La ligne de conduite de la musique de Waxahatchee a toujours été l’honnêteté, même et surtout quand elle est douloureuse. Saint Cloud reste fidèle à cette tendance ; cependant, alors que l’incertitude et le doute étaient autrefois une source d’anxiété et de turbulence, cette fois-ci, il y a une paix à trouver dans le fait de ne pas savoir. Saint Cloud est un document d’autocontrôle et, en fin de compte, de pardon, faisant preuve de beaucoup de sagesse durement acquise. Le premier « single » de l’album, « Fire », que Crutchfield a qualifié de « chanson d’amour à soi-même », illustre le processus douloureux et triomphant d’être honnête avec soi-même. « Si je pouvais t’aimer inconditionnellement », chante Crutchfield, « je pourrais aplanir les bords du ciel le plus sombre. (If I could love you unconditionally, I could iron out the edges of the darkest sky.) Se connaître soi-même, mais aussi s’accepter soi-même, ses erreurs et tout le reste, est le genre de sagesse dont cet album est l’exemple.

Cette sagesse se retrouve dans les chansons d’amour plus traditionnelles de cet album. Crutchfield a qualifié la chanson « Can’t Do Much » de chanson d’amour avec une dose de réalité. Ailleurs sur l’album, elle chante « Je suis en guerre avec moi-même / Cela n’a rien à voir avec toi » (I’m in a war with myself / It’s got nothing to do with you), une phrase emblématique du réalisme psychologique qui traverse le disque. Plus tard, sur l’émouvant avant-dernier titre « Ruby Fall » », elle met les choses au point : « Le véritable amour ne suit pas une ligne droite / Il vous brise le cou, il vous construit un délicat sanctuaire » (Real love don’t follow a straight line / It breaks your neck, it builds you a delicate shrine). Même ligne par ligne, le portrait de l’amour – qu’il s’agisse de l’amour de soi ou de l’amour d’une autre personne – est toujours multidimensionnel.

Tout cela est sous-tendu par une marque de country/américana qui, bien qu’elle soit encore influencée dans une certaine mesure par le mélange de folk DIY, de rock et de punk de ses précédents albums, se distingue de ses travaux antérieurs. Les guitares, au lieu d’être déformées comme c’était souvent le cas auparavant, ressortent avec une clarté étonnante, bouclant comme dans une sorte de danse. Cette fois-ci, le backing band de Crutchfield comprend des membres d’un large éventail de groupes indie/folk/Americana, de Bonny Doon à Hiss Golden Messenger en passant par Kevin Morby et Bonny Light Horseman. Ce nouveau son, quelque peu dépouillé, mais qui se perd dans le temps, et parfois étonnamment jubilatoire, convient parfaitement à l’honnêteté et à la la sagesse de l’acceptation qui définit le risque.

A propos de Saint Cloud, Crutchfield a déclaré : « Je pense que tous mes disques sont turbulents et émotionnels, mais celui-ci a l’air d’avoir une petite dose d’illumination. Il est un peu plus calme et moins téméraire ». Saint Cloud rend justice à la tempête émotionnelle tout en ayant la possibilité de voir au-dessus et au-delà, nous donnant un portrait de sérénité tempéré par la tourmente.

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Mapache: « From Liberty Street »

24 mars 2020

From Liberty Street, le dernier album du duo de country californien Mapache permet d’écouter 14 chansons bien conçues et interprétées avec goût dans un genre où, indépendamment des grands espaces dans lequel il propspère et qu’il professe, sait aussi révéler une part d’intimité.

Ce nouvel opus n’est pas tant une progression ou une évolution du style que Mapache a dévoilé lors de ses débuts en 2017, mais une continuation de celui-ci. Le morceau d’ouverture « Life on Fire » est un morceau de country-folk, sa mélodie et les harmonies de Sam Blasucci et de Clay Finch capturent le sentiment et le son de The Grateful Dead autour de American Beauty.

Mapache s’installe dans un groove confortable sur l’ensemble de l’album qui rassemble des morceaux du son de Bakersfield des années 50, des chansons country, du folk mexicain et des chansons de feu de camp, une musique qui semble juste destinée à être jouée et écoutée par des gens itinérants qui se promènent autour d’un feu la nuit. Cette ambiance est parfaitement illustrée par la reprise du boléro mexicain « Me Voy Pa’l Pueblo ». Son arrangement simple et sans fioritures est magnifique, les voix sont excellentes et l’ensemble de la performance fait référence à ses origines culturelles.

Un sentiment de chaleur omniprésent se dégage de From Liberty Street. Que ce soit sur une chanson comme la « Cactus Flower », ou sur la ballade country classique « I Just Steal Away and Pray » »qui clôt le LP, Mapache présente ses chansons avec sérieux et compassion.

Et en ces temps où la distance sociale est une nécessité et où notre vie acquiert unenouvelle normalité, nous pourrions tous avoir besoin d’un peu plus de chaleur, de sérieux et de compassion.

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Honey Cutt: « Coasting »

24 mars 2020

Honey Cutt est le projet de l’auteure-compositrice-interprète Kaley Honeycutt, originaire de Boston et de Floride. Pendant qu’elle se faisait les dents en jouant en Nouvelle-Angleterre, elle a sorti quelques EPs sous le nom de Baby ! et, avec un changement de nom, le premier album de son projet : Coasting

Si vous aimez que votre indie soit servi avec une grande dose de guitares cliquetantes et d’instrumentaux chatoyants, alors Coasting pourrait être sur votre table de chevet. Mais ne vous laissez pas distraire. Caché juste sous cette surface brillante et chatoyante se trouve le cœur émotionnel et personnel du disque. C’est le stratagème classique que les auteurs de chansons pop/rock utilisent depuis des années. Accrochez-les avec les sons brillants et frappez-les ensuite avec une solide dose de réalité dans les paroles. 

L’éducation de Kaley Honeycutt en Floride est une grande influence sur l’album, et pas seulement sur le son surf rock du disque. Enfant, Kaley et sa famille ont quitté la Caroline du Nord pour s’installer en Floride afin de s’occuper d’une grand-mère malade. La maison de location qu’ils avaient payée s’est révélée être une escroquerie. La famille est donc arrivée en Floride sans argent, sans maison et sans factures médicales à payer. Comme vous pouvez vous en douter, ce fut une enfance itinérante, avec des déménagements fréquents dans le centre de la Floride, tout en économisant pour un nouvel endroit. Cela lui a certainement inculqué une volonté implacable de créer et d’exécuter son art, des sous-sols moites et moites aux petits bars et au-delà.

Cela a également influencé son écriture de chansons. » Suburban Dream », avec sa langue bien ancrée st piquante s’attaque à son désespoir dene pouvour s’évader. Le titre « Coastin » évoque la détermination de la jeune femme à rester intacte mentalement, malgré la pression de la pauvreté et tout ce qu’elle entraîne. Comme le décrit Honeycutt, le morceau consiste à « essayer de tenir le coup et d’être fort pour ma famille » C’est une piste puissante, brillante, audacieuse et chatoyante, mais tout cela sera servi avec ce subtil courant sous-jacent de deuil qui se cache en dessous et un chant phrasé exemplaire.

L’ouverture de l’album, « Vacation », est un autre point fort. À première vue, ce morceau est l’antidote parfait au blues de l’automne et de l’hiver. C’est une véritable pop jam d’été. Mais, une fois encore, si on écoute le titre d’un peu plus près, il se révèlera être une critique de la culture de ces gentils garçons bien sous tous rapports. C’est pointu, tranchant et tellement bon. Ces gentils garçons et la riche scène des écoles d’art qu’ils ont souvent tendance à fréquenter reviennent également sous les feux d’une qutre critique dans « Fashion School ». 

« All I Have » est tranquillement dévastateur, avec le chant de Honeycutt qui donne vraiment au morceau son côté émotionnel. La douceur est, en effet, un autre sujet de prédilection chez elle.

Pourtant, Honeycutt est en bonne compagnie et elle n’a pas son pareil faire exploser un disjoncteur au bon moment. « Love Me, Still » sera le meilleur moyen de s’en approcher grâce à son potentiel de se transormer en morceau imparabke sur scène.

Avec son extérieur ensoleillé et vif, son réalisme lyrique et sa vulnérabilité, Coasting est un début solide. Honey Cutt ne se trompe pas vraiment de pied sur les dix titres de l’album. Il est intelligent, chatoyant et présente une superbe performance vocale. Venez pour les vibrations ensoleillées du surf rock, mais restez pour le lyrisme honnête et mordant.

***1/2


Ultraísta: « Sister »

23 mars 2020

Après une longue attente le supergroupe indie Ultraísta lance son deuxième opus, Sister. Il est difficile de croire que 8 ans se sont écoulés depuis la sortie du premier album éponyme jusqu’à ce que vous considériez qui peuple la collaboration, le producteur/musicien Nigel Godrich de la renommée Radiohead, et de nombreux autres projets, le percussionniste Joey Waronker, Beck, REM, Atoms for Peace, etc et la vocaliste/journaliste Laura Bettinson, de Femme et Lau. Chacun d’entre eux est extrêmement prolifique, avec une énergie apparemment surhumaine qui fait qu’avec eux, une fission nucléaire semble, en comparaison, manquer de réalisme. On a souvent songé que la première sortie d’Ultraísta serait leur seule mais le très espéré Sister fournit une autre dose d’electronica exaltante et saine, focalisée sur le laser, mais permet également à Ultraísta d’ajouter de nouvelles dimensions à leur son.

Pour enregistrer Sister, le trio utilisera des sessions d’improvisation sporadiques afin de créer ses neuf nouveaux morceaux. Chaque membre s’efforçait intentionnellement de porter des chapeaux différents et de sortir de sa zone de confort pour essayer quelque chose en dehors de son travail quotidien. Le trio a réussi à combiner de nombreux fils sonores : afrobeat, electronica post-moderne, cordes évocatrices et basse entraînante pour créer un album iconoclaste tout en conservant les motifs sonores uniques établis lors de leur première sortie. Godrich a, à ce propos, décrit la complexité de l’assemblage de Sister comme une tentative de construire une navette spatiale à partir d’allumettes.

L’intensité des sessions d’enregistrement a exigé que le trio fasse des pauses après chaque partie afin d’avoir la volonté de continuer. L’objectif principal du combo était de réaliser un album qui soit plus qu’une simple œuvre d’art, mais un concept d’album libre, accessible mais aussi sophistiqué. Tout au long du disque, on retrouve ainsi le savoir-faire de chaque interprète, le chant de Bettinson devenant plus clair et occupant le centre de chaque morceau.

La première piste est le « single » « Tin King », une chanson chargée d’une énergie incommensurable qui la rend si attachante. Bettinson a complètement habité l’ambiance postmoderne de la sélection avec sa voix et en affichant juste assez d’énergie pour accompagner le confort de sa voix. Les paroles attaquent la cupidité et le comportement de voyeur égocentrique. Lorsqu’on l’examine de près, le morceau est intrinsèquement contre-intuitif et pourtant totalement addictif. « Harmony » est plus sinueux avec une atmosphère plus rêveuse. Les percussions sont à couper le souffle et la sensation harmonique du morceau est en accord avec son titre. « Anybody » remet en question ce que nous considérons comme la beauté et le culte des icônes. L’instrumentation sophistiquée comprend des violons qui ajoutent un nouvel élément à la palette sonore d’Ultraísta.

« Save it Til Later » est un chant du flambeau mis à jour pour le 21ème siècle. Le morceau est un mariage de la fraîcheur glaciaire une electronica mariée à la chaleur de la voix de Bettinson. Ce morceaun, ainsi que « Anybody » contient les éléments plus personnels dans les textes par rapport aux débuts du trio. « Ordinary Boy » est une vitrine de l’excellence percussive de Waronker sur ce morceau effervescent et nerveux et l‘impressionnante « Mariell » » passe à un minimalisme ensoleillé tout en apportant une sagesse bien nécessaire dans les paroles, : « Survivre n’est pas vivre… attention à la nostalgie » (Surviving is not living… beware of nostalgia) . Bettinson utilise des voix éthérées, ce qui est tout à fait approprié pour cet autre impressionnant morceau.

Le tempo et le rythme de l’enregistrement sont d’une brillance palpable. La production habile de Godrich se manifeste par le fait qu’il semble savoir exactement quand accélérer et quand relâcher. Cette capacité rare devient de plus en plus évidente au fur et à mesure que l’album avance. « Water in My Veins » prend des basses funk, de l’electronica entièrement actualisée, évoque Caribou, et ajoute le grain de la ville pour produire une alchimie musicale. Cette vibe frénétique est ensuite mise en contraste avec la sensation organique et simple d’un « Bumblebees » qui fascine par son chant hypnotique et sa production propre. Sister se terminera par « The Moon and Mercury », où un délicat synthétiseur relie le terrestre à l’éternité de l’interstellaire, créant une fin obsédante à un album remarquable.

La genèse de Sister a pris beaucoup de temps, mais cela vaut vraiment la peine d’attendre. Cette nouvelle version est l’aboutissement des compétences que chaque membre du trio a acquises au cours des 12 dernières années. Il y a un fil conducteur commun à l’ensemble de l’enregistrement qui est la marque de fabrique dUltraísta. Chaque morceau est distinctif et maintient l’attention de l’auditeur. Si vous n’avez jamais écouté de l’lectronica sérieusement, une chance de le faire y est offerte tant cet opus est une excellente porte d’entrée vers ce genre. Ajoutons que, chaque membre d’Ultraísta apportant quelque chose à l’enregistrement, la collaboration en sort renforcée et elle crée pour le trio quelque chose de multidimensionnel et digne de reconnaissance.

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Basia Bulat: « Are You In Love? »

23 mars 2020

L’auteure-compositrice-interprète canadienne a créé un album qui est apaisant et calme, mais jamais de manière à dissimuler ses messages d’amour et de chagrin, de découverte et d’acceptation de soi. Basia explique qu’elle avait peur de certaines de ses paroles et de ce qu’elle voulait écrire, mais en sortant de sa zone de confort, elle et Meg Remy ont écrit des paroles poétiques et relatables.

Certaines parties de Are You In Love ? ont été enregistrées et écrites dans le désert de Mojave. Jim James a aidé à soutenir l’écriture des chansons de Bulat, en lui disant de faire confiance à son instinct. Cela a bien fonctionné, et avec le soutien de son mari, le multi-instrumentiste Andrew Woods, ce splendide opus e a été réalisé.

Mais ce n’était pas aussi facile qu’il n’y paraît. Lorsque Bulat est revenue du désert à Montréal au milieu de l’année 2008, le disque n’était pas terminé, et elle a fait une pause dans ses chansons. Il a fallu neuf mois de plus avant qu’elle ne les reprenne. Basia Bulat dit d’ailleurs qu’elle luttait entre le maintien de l’unité et le lâcher prise chose que l’on ici ou là. Mais, une fois que Basia Bulat a repris le travail sur son album – en le mixant et en le remixant à Los Angeles, elle a finalement réussi à monter un disque conséquent de 13 titres.

On remarquera la chanson-titre, captivante et propre à nous faire oublier le monde pendant un bon moment. « No Control » est l’un des ctitres les plus accessible savec des paroles qui parlent d’un amour qui n’est plus, de la colère d’être rejetée et de la réalisation que l’amour ne peut pas être contrôlé.

« Light Years » se penchera, lui, sur le passé et le fait d’être loin de l’endroit où l’on veut être. « Vous serez toujours aimé, peu importe jusqu’où vous irez » (You will still be loved, no matter how far you go), chante Basia en nous racontant une histoire que nous avons tous vécue à un moment de notre vie. Il y a toujours un endroit sûr où revenir, » »peu importe jusqu’où vous êtes allés ». » Love is at the End of the World » clôt l’album. Il sonne comme un hymne à l’espoir. Il conclut le voyage entrepris et partagé avec Basia Bulat en écoutant « Are You In Love ? »

Si on aime les paroles fortes et une voix féminine qui peut transmettre des émotions de perte et de désir, d’amour et de joie, alors ce disque est pour vous ; il n’est donc pas interdit à chacun d’y prêter oreille.

***1/2


Jan Wagner: « Kapitel »

23 mars 2020

Comme sortie de nulle part, une étoile est apparue au firmament musical fin 2018, qui a eu un rayonnement immense. Avec Numbers, le Berlinois Jan Wagner a livré un premier album qui a donné de nouvelles facettes et de nouvelles impulsions au domaine de la musique ambient. Les éloges étaient grands, mais le Berlinois ne s’est pas reposé sur ses lauriers, bien au contraire et son successeur, Kapitel, prolonge sans faille les débuts. Cette question n’est pas posée ici, à savoir si le nouveau travail sera en mesure de le faire ou non. Il s’agit plutôt de savoir si Kapitel peut surpasser le début déjà parfait. Doit-elle même le faire ? Le deuxième album rend davantage justice au titre de l’album – c’est le deuxième chapitre d’un opus qui est presque intemporel.

Jan Wagner vit à Berlin, il est pianiste, producteur et ingénieur du son. Il joue du piano depuis l’âge de 5 ans. Il est fasciné par la musique qui se cache sous la surface. À l’automne 2018, il a posé un véritable jalon avec l’album Nummern et est ainsi devenu une référence musicale dans le domaine de l’ambient dans la mesure où il maintenait dans ses productions un niveau émotionnel exorbitant avec des essences pures mélancolie coulent à chaque octave et à chaque mélodie. Il explique ainsi sa démarche : « Les domaines musicaux de la musique d’ambiance et de la musique néoclassique ont longtemps formé une symbiose, et sur les « chiffres », on apprend à les aimer et à les apprécier. » Le tout trouve maintenant sa continuation avec le nouvel album, où la peinture expressionniste a été explicitement appliquée une fois de plus.

Si vous avez été un grand ami des chiffres et que vous essayez d’évaluer objectivement l’ensemble du nouvel album, cette pensée est détruite en quelques secondes. Comme au début, cette magie de l’esthétique sonore et de la mélancolie vous envahit immédiatement, là où vous devez lutter avec les mots. On a l’impression d’avoir à nouveau un album de l’année à l’oreille ou du moins un ,qui apparaîtra sûrement dans les différents temps forts de l’année à la fin de l’année 2020. Comme d’habitude, Jan Wagner instrumentalise ses pièces au piano, construit des façades chaleureuses et romantiques d’électronique charmante et sensible autour de la trame sonore. Les murs modernes sont entrelacés avec des structures classiques qui vous font tomber immédiatement amoureux d’eux. Grâce à sa compréhension de la musique, le Berlinois a également l’empathie et le sentiment pour lesquels il doit mettre l’accent sur les tons, les séquences ou les passages en termes de tempo et de volume, afin qu’ils pénètrent le cœur de l’auditeur sans effort.

En général, Kapitel est un peu plus dynamique, mais les textures sont toujours très accrocheuses comme le prédécesseur. La symbiose parfaite entre les paysages sonores électroniques et le toucher classique du piano est sans faille et pleine de beauté. Une structure sonore homogène, qui rompt avec les schémas habituels de la poésie ambiante et romantique sous forme acoustique, est littéralement célébrée sur l’album dans certains morceaux. Un pilier de l’album est le degré de simplicité, chaque chanson reflète un fragment de l’âme du compositeur. Calme, sensible et réfléchi sont les mots clés, répandant une aura de paix et de silence acoustique.

Une fois de plus, ce sont de véritables perles dans le genre, que Jan Wagner a réalisées sur des chapitres. « Kapitel 30 » répand la chair de poule avec le « sprechgesang », un chant déclamé, filigrane de sa collègue Rosa Anschütz. Le monde des émotions est tout simplement chamboulé et mis à l’envers, c’est là que le degré de mélancolie atteint son paroxysme. L’atmosphérique « Kapitel 28″ »déploie sur l’auditeur des paysages sonores électroniques qui captivent avec fougue. « Kapitel1 » » est une expérience sonore méditative sur fond de piano et de synthétiseur marginal. C’est aussi un point qui fait que le deuxième album vous met dans la peau si intensément. Les compositions sensuelles et gracieuses en tenue néo-classique. Mise en scène avec des collages très émotionnels au piano, des timbres pleins de nostalgie et de mélancolie, qui s’enfoncent profondément dans le cœur, grâce à des structures accrocheuses.

Kapitel est vraiment une digne continuation du premier album Nummern. Il offre plus de nuances de la musique classique moderne sans quitter les niveaux sphériques. Au total, l’œuvre contient 8 titres différents, qui peuvent être placés dans l’art intemporel. Le nouvel album est une autre apparition représentative dans le genre de l’ambiance du compositeur Jan Wagner. Les fans d’ambient onirique seront certainement pas déçus par ce nouvel album.

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Moaning: « Uneasy Laughter »

23 mars 2020

La deuxième sortie du groupe Moaning, basé à Los Angeles, s’appuie sur leurs impressionnants débuts en 2018, empruntant le carburant de leurs années en mode DIY pour présenter une exploration plus approfondie d’éclats de verre musicaux à travers un support qui serait à base de peinture à l’huile.

La sténographie parfaite de Sean Solomon, Pascal Stevenson et Andrew MacKelvie est le fruit d’une décennie de collaboration. La voix triste de Solomon transmet une qualité levante, un sérieux poignant au milieu d’une espièglerie sous-jacente.

Portant des références attrayantes de haut en bas de la thémarique pop-rock – un peu Broadcast, un peu New Order – leur sens du romantisme rétro est vivifiant, plutôt qu’abrutissant. « Ego » présentera une impressionnante ouverture au synthé, et il y aura une pâleur de type Nirvana sur « Make it Stop » – un cousin de l’endeuillé « Stranger », qui nous emmène par l’Atlantique à Joy Division, puis ensuite « Running » qui, lui, nous transporte ailleurs, en un lieu où les guitares sont urgentes et où elles tournent en rond pour un effet qui ne les rend que plus désirables, reflétant ainsi un sentiment d’anxiété qui parcourt le disque comme un courant électrique chargé en continu.

« Connect the Dots » est un shoegaze minimaliste et chatoyant, et le disque change constamment de vitesse, illustrant une sensibilité expansive en plein essor. » Fall in Love » est profondément immersif, tout en restant discret, « Coincidence or Fat »e échappe à ces contraintes pour offrir une joie frénétique et sans entraves, et « What Separates Us » sonne comme une face B des Smiths, tout en montrant un désespoir auquel on pourrait se relier avec des guitares qui l’accompagnent. « Say Something » a commencé sa vie comme une chanson folk, mais elle se transmutera en un appel électronique à l’action, tourbillonnant et inquiétant, qui retient le message et affinera l’œuvre.

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