Lumen Drones: « Umbra »

28 mars 2020

Le violon Hardanger est un instrument qui n’a pas seulement une valeur musicale, sa valeur historique est peut-être encore plus grande. C’est pourquoi c’est un honneur extraordinaire pour les musiciens norvégiens de pouvoir en jouer. L’un de ces violonistes est Nils Økland. Et avec son groupe Lumen Drones, il sort ici son nouvel opus Umbra.

Le combo est composé du guitariste Per Steinar Lie et du batteur Ørjen Haaland. Il n’y a donc pas de vocalistes dans ce trio. Le jazz expérimental était déjà impressionnant sur leur premier album il y a cinq an, Umbra montre que le trio est toujours extrêmement bien accordé. Là où le violon est central, le guitariste Per Steinar Lie est capable de poser, comme base, les bonnes notes subtiles de la progression des accords. Cela donne au batteur suffisamment d’espace pour jouer et marquer son territoire. « Glor » montre ainsi qu’un percussionniste n’a pas seulement besoin d’indiquer le rythme et que, c’est comme s’il était, bel exemple d’interaction, le complément mais aussi l’adversaire du violon.

Les neuf compositions d’Umbra montrent que Lumen Drones n’aborde pas sa musique de manière monotone. « Drones » » qui, avec ses six minutes, est l’un des morceaux les plus longs de ce joueur de disque, parvient presque à se balancer de façon sombre, tandis que « Umbra » semble danser de façon frivole entre deux chutes de gouttes. Avalanche en la mineur » met la musique sous un jour presque menaçant. Dès le premier décompte, il est clair qu’il se passe quelque chose. L’auditeur ne s’en empare pas, mais il en sera fasciné. C’est du Lumen Drones au sommet.

L’expérience s’est poursuivie, une expérience dans laquelle l’auditeur est complètement enveloppé. Avec Lumen Drones, les voix ne sont pas nécessaires pour retenir l’attention de l’auditeur ; le jeu instrumental entre les musiciens fait en sorte que l’ensemble mérite d’avoir un instrument aussi emblématique en son cœur.

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Matt Elliott: « Farewell To All We Know »

28 mars 2020

L’œuvre solo que Matt Elliott, publiée sous son propre nom, est aux antipodes de sa production au sein de Third Eye Foundation. Il officie en solo depuis un certain temps déjà : The Calm Before, sorti il y a quatre ans, était en effet, son septième effort sous son nom propre. Farewell To All We Know n’est pas la tempête à laquelle son précédent album, The Calm Before, a fait allusion, mais ce n’est pas non plus une affaire entièrement douce. Il y a des courants profonds et perturbés dansce présent opus, un album qui laisse filter un certain climat de découragement souvent difficile à définir mais dont l’ambience prête à la mélancolie.

La chanson titre, qui arrive après un bref morceau instrumental d’introduction, est représentative de l’ensemble de l’album : une guitare acoustique clairsemée est le principal accompagnement de la voix grondante d’Elliott, un drone semblable à celui de Leonard Cohen. Il chante bas et marmonne ses paroles, mais il y a quelque chose d’attirant dans cette inintelligibilité bourru. Souvent, les voix sont émises en souffles monosyllabiques, décomposant les mots en sons simples, à ce stade ils deviennent moins une signification linguistique que la transmission d’un sentiment, d’une humeur, d’une émotion.

Le flamenco privilégie et sous-estime la couleur du piano dans l’orientation instrumentale de l’album, lui donnant une teinte presque continentale. Le style doux et vaguement romantique – mais sombre – des compositions est charmant, calme mais avec un contre-courant de courants sombres et profonds.

« Can’t Find Undo » est sombre, brutal, et apporte une ambiance grondante en prélude aux mélodies presque enfantines de « Aboulia », et « Crisis Apparition » titres à l’échelle, facile à entendre mais qui traîne profondément dans l’âme.

Farewell To All We Know est un album lugubre et parfois lent au point de sonner traînant voire laborieux dans l’effort, mais on sent que c’est l’intention : ceci n’est pas un album pop. Ni un album de rock. Farewell To All We Know est sombre et poignant, mais aussi charmant et agréable d’une manière sombre, très sombre dans son approche folk.

***1/2


« La Dissipation des Nuages »: Interview de Waxahatchee

28 mars 2020

Sobre et et ayant pris une longue période de repos pour se recalibrer, c’est avec un esprit clair et une perspective nouvelle que Waxahatchee revient avec son nouvel album, un Saint Cloud nimbé de musique country.

Cela fait un peu plus de dix-huit mois que Katie Crutchfield a joué pour la dernière fois à Londres à guichets fermés. Juste avant de monter sur scène, elle avait appelé son manager et son petit ami, avec le même message aux deux : elle ne se sentait pas capable de continuer. « J’avais fait le tour de la terre « , dit-elle de cette époque, aujourd’hui. Elle s’est ressaisie et a réussi à refaire des spectacles en se rendant compte qu’il fallait donner quelque chose d’elle : « J’étais vraiment au début de mon sevrage ; je venais d’arrêter de boire un mois plus tôt », se souvient-elle. « Je savais que si j’allais prendre cela au sérieux – si j’allais donner la priorité à ma santé – je devais rentrer chez moi pendant un certain temps, rassembler mes forces et trouver les outils dont j’avais besoin pour que les choses fonctionnent à nouveau ».

Lorsqu’elle reprendra bientôt la route sous le nom de Waxahatchee, la chanteuse aura passé quatorze mois sans tournées – sa plus longue période depuis l’âge de seize ans. Aujourd’hui âgée de 30 ans, ce n’est que depuis un an qu’elle a eu le temps et l’espace de réfléchir à une décennie tumultueuse qui a commencé par l’écriture et l’enregistrement de American Weekend en 2012 chez ses parents en Alabama et s’est terminée par un maelström de critiques élogieuses pour Out in the Storm (2017), un disque qui est un hurlement de colère face aux dégats auparavant créés et qui, après réflexion, lui a permis de fixer un préavis sur la façon dont dix années de travail acharné l’avaient conduite au bord du gouffre.

« J’ai adoré faire Out in the Storm, c’était tellement viscéral et cela me semblait tellement nécessaire. Je savais simplement que ce n’était pas un son durable », explique Crutchfield . Au lieu de cela, sur Saint Cloud, son nouvel album, beau et très populaire, elle a fait un revirement complet, la fureur qui grillait auparavant cédant la place à un doux frémissement contemplatif. Les luttes contre la dépendance et la codépendance qui ont défini le dernier album de Waxahatchee restent au cœur de son écriture mais, cette fois-ci, elle embrasse ses cicatrices, et se remet lucidement du traumatisme personnel qu’elle a mis à nu il y a trois ans. C’est un album étourdissant, chaleureux et magnifiquement mélodieux – un éloge au pouvoir du prendre soin de soi.

« J’ai toujours aimé Lucinda Williams, Linda Ronstadt et Emmylou Harris », poursuit-elle en évoquant la sainte trinité de l’Americana dont l’influence pèse lourdement sur le disque. « Venant du Sud et grandissant sur la musique country, cela a été vraiment formateur pour moi, mais quand je regarde mes premiers disques maintenant, je me battais tout le temps avec mes propres tendances. J’étais un punk qui aimait la musique indie, et je m’empêchais de chanter d’une certaine façon ou de me pencher sur certaines mélodies, même si c’était ce qui me venait naturellement. Maintenant, je suis plus âgée, plus mûre, et je me sens plus sûre de mes intérêts et de mes influences. Je me suis rendu compte que j’avais supprimé ces instincts dans le passé parce que je n’étais pas certaine qu’ils soient cool ou qu’ils me conviennent. Mais ils me conviennent vraiment désormais. ».

Une partie cruciale du retour à la maison pour prendre du temps pour le chanteur était de savoir où se trouvait réellement la maison. Après des années passées sur la côte est, d’abord à Brooklyn puis à Philadelphie, elle s’est installée à Kansas City, MO, avec son petit ami et collègue musicien Kevin Morby ; « Fire » décrit un trajet lent depuis sa ville natale de Birmingham, Alabama en passant par Memphis. Ce sentiment d’appartenance est profondément ancré dans Saint Cloud, un album qui porte le nom de la ville natale de son père en Floride et qui a été enregistré en grande partie au Texas, mais qui, au sens figuré, s’arrête aussi à New York, au Tennessee et à Barcelone.

On a aussi l’impression que le nouvel état de la chanteuse– qui est restée sobre depuis la mi-2018 – a levé un peu du brouillard qui l’entourait auparavant. « Une grande partie de cet album est consacrée à la guérison et à la douceur envers moi-même. Je pense que j’ai trouvé un moyen de continuer à faire mon autocritique, mais d’une manière qui est aimante pour moi », acquiesce-t-elle. « Cela a été un processus délicat – la sobriété est une chose précaire – mais j’ai vraiment l’impression d’avoir fait le travail sur moi-même pendant le temps libre. J’ai beaucoup souffert dans ces histoires, c’est pourquoi j’ai parlé plus ouvertement de la dépendance : elle est à la base de l’album, et on ne peut pas vraiment parler des chansons sans parler de ce que la guérison a signifié pour moi ».

Avec un retour imminent aux tournées à grande échelle, et une nouvelle programmation live promettant de réinventer le catalogue de Waxahatchee, elle est optimiste quant à sa sérénité retrouvée qui se transférera en douceur sur la route. « J’ai l’impression que la conversation autour de la sobriété entre les musiciens est différente maintenant, même par rapport à ce qu’elle était il y a quelques années, honnêtement », explique-t-elle. « Vous savez, nous sommes en 2020 ; beaucoup de gens traversent ce que j’ai vécu, et j’ai tellement d’amis qui ne participent plus à la folie qui accompagne les tournées. Les temps ont changé, et j’ai changé aussi. J’ai beaucoup grandi, ma vie est différente. J’ai maintenant toutes les pièces pour le genre de vie que je veux mener – j’ai juste besoin de les mettre en place ».


Dana Gavanski: « Yesterday Is Gone »

28 mars 2020

Le premier album de l’auteure-compositrice serbo-canadienne Dana Gavanski, Yesterday is Gone, a commencé à prendre forme sur le bureau de sa chambre à Toronto, une ville nouvelle pour elle. Elle n’était pas encore sortie d’une rupture depuis longtemps et, avec des racines qui n’étaient pas encore plantées dans le sol de sa maison inconnue, elle a pu mettre en place les heures qui lui étaient données pour élaborer son premier album. Ce n’est qu’en y injectant une telle routine et une telle rigueur qu’elle a compris que le manque de fiabilité de la créativité, était induit par des horaires et des créneaux rigides. C’est un phénomène qu’elle explore dans « Catch », un moment d’épiphanie où elle reconnaît la qualité de la créativité, comment elle glisse et se glisse entre vos doigts : « You have to be able to let things happen, to accept losing control . (Il faut être capable de laisser les choses se faire, d’accepter de perdre le contrôle).

Il n’est pas étonnant que le disque qui en résulte intègre à la fois le contrôle pour lequel elle a fait le choix initial et l’exploration qui a suivi. Ses chansons possèdent toutes un rythme lent et une basse qui ressemble à celle de Patsy Cline, mais elles s’écartent toutes de leur trajectoire, leurs particularités les définissant à chaque écoute. « Trouble » est d’abord centré sur des guitares dirge trempées dans de l’huile noire, mais à la fin, Gavanski se lance dans le prog-rock ; des synthés qui tournent et une fusion instrumentale plus large vous aident à vous imaginer une vue sans fin. « Everything That Bleeds » contient des éléments de desert-rock où Gavanski et ses acolytes galopent dans le désert, au don de cuivres se déchirant et se désorientant sur des tambours dudit galop.  « Other Than » commence peut-être à peine, mais, dans la brume, un chœur kaléidoscopique vous invite à vous déchausser un instant et à vous laisser aller. Gavanski a toujours été passionnée par son héritage serbe et elle s’y est plongée à l’automne 2018, en écoutant de façon obsessionnelle de la Kafana et de la musique de café très énergique ; .par exemple la façon dont elle utilise les « ahs » et les « oh » » de ses camarades de groupe pour encadrer ses chansons.

Pendant ces mois passés à renouer avec son héritage serbe, Gavanski a pris des cours de chant pour apprendre à chanter avec la résonance qui définit la chanson serbe traditionnelle. Sa voix est agréablement décalée, son excentricité innée la démarquant du peloton. Ses paroles ont aussi un côté étrange, « Yesterday is Gone » voit son processus de rupture et se reconnaît d’une manière que seul Gavanski peut comprendre. Ellese montrera experte dans la rédaction de courtes déclarations qui laissent des questions en suspens, « Everything is also nothing » (Tout est également rien), déclare-t-elle sur « Small Favour », « How can I be good instead of bad? » (Comment puis-je être bonne au lieu d’être mauvaise), s’interroge-t-elle de manière ambiguë. Si une chose ressort clairement de Yesterday is Gone, c’est qu’il y a rarement une résolution, que les questions ont rarement une réponse directe, que l’indécision et l’ignorance sont un pilier de l’expérience humaine. Une fois que nous acceptons que la croissance vers le haut et vers l’intérieur peut reprendre. 

Contrairement à cela, Gavanski termine Yesterday is Gone par une conclusion claire. «  Memories of winter / long stalls in the park / now the birds sing summer / as our love fades in the dark » (Souvenirs d’hiver / longues stalles dans le parc / maintenant les oiseaux chantent l’été / alors que notre amour s’efface dans l’obscurité) chante-t-elle sur la plage de clôture clairsemée. Elle a tellement travaillé sur les restes laissés par sa relation passée qu’elle peut maintenant la défaire, flottant dans les airs au gré des saisons. Gavanski envisage son avenir avec délectation. On peut en faire de même.. 

***1/2


Sorry: « 925 »

28 mars 2020

Venu du Nord de Londres, Sorry est un duo féminin composé de Asha Lorenz et Louis O’Bryen et dont 925 est le premier album. Ses membres ont travaillé avec le coproducteur James Dring pour créer une variété de chansons dream-pop lynchiennes inspirées par Tony Bennett et Aphex Twin.

En parlant de David Lynch, l’ouverture de l’album « Right Round the Clock » ressemble à un morceau de la partition de Twin Peaks avec des bribes de cuivres, des moments jazzy, une voix double et éthérée et des phrases de type « She rolls around with an entourage, she’s all dolled up like a movie star » (Elle se roule avec un entourage, elle est toute habillée comme une star de cinéma). Ensuite, passage à un son qui se situe quelque part entre Ian Dury et Dry Cleaning alors que le groupe parle de « fuck me eyes » et discute de mettre une fille dans un film personnel pour tenter de la rendre réelle. « In Unison » a des tons plus mystiques et des paroles plus sombres : «  They fall asleep and drop like flies and it makes me cry; ‘One day we’re here and one day we die »(Ils s’endorment et tombent comme des mouches et ça me fait pleurer : Un jour nous sommes ici et un jour nous mourons). « Snakes » sera plus séduisant et sombre, dans un style similaire à celui de Nadine Shah – et là encore, il contient des paroles qui ouvrent les yeux sur une référence à des baisers et lau sexe en pleine confusion : « I never thought about you in your underwear because I didn’t really care what was under there ». ( Je n’ai jamais pensé à toi en sous-vêtements parce que je ne me souciais pas vraiment de ce qu’il y avait là-dessous).

« Starstruck » s’ouvrira sur des riffs de guitare à la manière des Stones et des vibrations britpop, tandis que le morceau central de l’album « Rosie », arborera un ton conversationnel qui s’échauffe rapidement (« I love you, Rosie », « I need you, Rosie », « Fuck you, Rosie ») et « Perfect » se transformera, lui, en un hymne indie à l’américaine avec des éléments de Sleater-Kinney et de Pavement – mais avec plus de jeu vocal : «  t’s your choice, you know where the door is… You know I adore you’; ‘I’m perfect… You’re not worth it » (C’est ton choix, tu sais où est la porte… Tu sais que je t’adore ; « Je suis parfaite… Tu n’en vaux pas la peine).

Il y aura, également, des vibrations de chamber-pop cinématographique sur les inflexions vocales de « As the Sun Sets », tandis que « Wolf » délivrera un son pop anxiogène avec une basse apocalyptique et que « Rock ‘n’ Roll Star » donnera un peu comme du Nina Simone d’avant-garde, alors que le groupe parle d’une expérience avec une « rock ‘n’ roll star délaissée » : «  We fucked all night, stayed up late, felt my assets fall away ». (On a baisé toute la nuit, on a veillé tard, on a senti mes atouts s’effondrer). « Heather » ressemblera aux Carpenters qui jouent des chansons de Moldy Peaches, tandis que les guitares sse montreront enflammées par le grungey et déformées par « More » : « Give me something to look at » ; « Don’t give me too much, just give me enough » (Donne-moi quelque chose à regarder, Ne me donne pas trop, donne-moi juste assez).

Le groupe se transforme ensuite en twee indie-pop sur l’avant-dernier « Ode to Boy » at une phrase emblématique du tandem : « This is an ode for you, my boy. This is an ode for joy because there’s no joy «  (C’est une ode pour toi, mon garçon. C’est une ode à la joie parce qu’il n’y a pas de joie) et que le disque se terminera par « Lies (Refix) » – une chanson intense et expérimentalement sombre avec des paroles façon courant de conscience : « Life feels like it’s just based on the weather and I make lies like we should be together » (La vie semble être basée sur le temps et je fais des mensonges comme si nous devions être ensemble).

On ne sera donc pas déçu (sorry) si on prend le « risque » de rencontrer les demoiselles à l’heure sans doute indiquée sur ce 925.

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Jochen Tiberius Koch: « Astoria »

27 mars 2020

Astoria est le deuxième album concept en autant d’années de Jochen Tiberius Koch, dont le dernier album était une réflexion sur Walden et le nouveau sujet en est l’hôtel Astoria, autrefois un joyau de l’architecture et de l’hospitalité de Leipzig. Tout en retraçant l’histoire de l’hôtel, Koch le transforme en une parabole historique et sociale, se terminant sur une note d’incertitude qui reflète l’époque actuelle.

L’album est mi-vocal et mi-instrumental, mais comme beaucoup de paroles sont en allemand, il faudra des notes de pochette ou un traducteur pour en comprendre la nuance. L’ouverture parlée ouvre la scène avecun refrain leitmotiv : « si les murs pouvaient parler », présentant l’hôtel comme le personnage principal. Ensuite, le récit progresse à travers la destruction de l’hôtel par les raids aériens en 1943 jusqu’à la reconstruction d’après-guerre, l’utilisation par le gouvernement, la privatisation et enfin la désaffectation.

Il y a un léger décalage entre le ton de la musique, qui tend vers la beauté, et les mots, qui sont las du monde et mélancoliques. Même dans le premier morceau, le piano joue une mélodie édifiante, soutenue par des cordes de soutien. En revanche, » »Uplifting Monument » commence à la manière d’une marche, dans un contexte militariste, rappelant Wagner. « Uplifting » peut signifier « soulever » ou « construire » plutôt que « stimuler l’esprit ». La fierté d’une nation s’affiche, comme en témoigne la finale de « Sunrising ».

Quand apparaît la langue anglaise : « suitcase, suitcase, the elevator goes up and down, opens and closes », on grimpe un peu ~ bien que ce soit annoncé comme « indie pop / electronica / modern composition ». Le chant se dissipe rapidement, révélant une piste rythmée qui n’avait pas besoin d’une exposition aussi simple. L’instrumentation de Koch est sa force, bien que l’on s’imagine des aspirations théâtrales, voire des rêves de Top 40 (« The Ballare », qui comprend des chants doux et des cloches de traîneau, et le mémorable Epilog »).

Comme album se voulant accessible, c’est avant tout un disque très inhabituel. Ironiquement, la musique semble en dire plus lorsque les chanteurs ~ aussi merveilleux qu’ils soient ~ font un pas en arrière pour laisser couler la mélancolie. « The Lobby Boys » recrée un sentiment d’émerveillement et d’hospitalité sans un seul mot. Le décalage électronique est une agréable surprise, une collision de cultures. La Schmalkalden Philharmony (dirigée par Knut Masur) est en pleine forme, bien que l’on puisse sentir la main de Koch dans les ajouts modernes. « 33/45 » se dirige dans une direction encore plus électronique, en suivant le son d’une sirène de raid aérien et les mots « les murs se brisent ». Nous nous souvenons d’autres murs qui ont été brisés, les plus évidents étant le mur de Pink Floyd et le mur de Berlin. Le morceau se termine par un mot parlé et une horloge, une combinaison à la fois familière et théâtrale.

Une fois de plus, alors que nous pensons à trop de mots, nous arrivons à la pièce maîtresse de l’album, « After the War ». Le titre semble un peu trop optimiste pour son sujet, mais la combinaison de tambours et de cuivres en direct provoque un climat triomphal inattendu. À partir de ce moment, l’album aborde l’ère moderne avec un mélange d’inquiétude et de résignation. Aujourd’hui, l’hôtel est inutilisé. Il a vu tant de choses, il a tant à offrir. L’instrumental « Declin » » reflète parfaitement son titre, ouvrant la voie au magnifique « Lost Place ». Près de vingt minutes s’écoulent avant que le dernier chanteur n’apparaisse.

« C’est parce qu’on ne supporte pas peut-être » chante Fraullein Laura, mais une traduction plus précise pourrait être « incertitudes ». Le monde se fragmente à nouveau ; la beauté est ignorée ; l’avenir n’est pas clair. L’Astoria a traversé une de ces périodes ; survivra-t-elle à une autre, ou deviendra-t-elle une parabole que les gens ne tentent plus de déchiffrer ? Questions qui, au-dela de la parabole, s’adressent à nous tous.

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Horse Lords: « The Common Task »

27 mars 2020

Ce quatuor de Baltimore a toujours produit de longs morceaux où la répétition est prégnante mais aussi nuancée et où la croissance, toute microcosmique qu’elle est, distillait largement les idées minimalistes et d’avant-garde. Si l’on vous présentait une liste de leurs influences, même lointaines, vous pourriez anticiper quelque chose d’académique ou de minutieusement calculé. Mais ce n’est pas le cas ; les enregistrements parlent d’eux-mêmes, mais vivent, espèrent qu’il y a assez de place pour déplacer votre corps bientôt convoqué. C’est une forme d’hypnose sauvage mais contrôlée.

La précision et l’intention plus large du groupe, aussi vague soit-elle, sont restées aiguisées depuis le premier jour. À chaque sortie, ils ont développé un modèle simple de grooves minimaux et de légères manipulations de tempo et de dynamique, qui s’articulent librement autour de l’instrumentation de base de leur premier album : le violoncelliste Owen Gardner martèle sa guitare accordée à la volée avec des styles proches des guitares Taureg et d’Henry Flynt ; Max Eilbacher emboîte une série de grooves de basse ; Andrew Bernstein fournit une série de sons de saxophone, hachés ou longs et étendus, saignant une vingtaine d’harmoniques ; et le percussionniste Sam Haberman garde tout intact et fait pivoter les trajectoires sous-jacentes avec une précision de scalpel.

Après leur premier album, intitulé Hidden Cities or Interventions, ils ont travaillé sur d’autres éléments, notamment le travail inventif de Max au synthé et les techniques audacieuses d’Andrew au saxophone, qui se reflètent dans chacune de leurs productions en collaboration et en solo qui mènent à d’autres mondes. Et sur Mixtape IV, une sortie d’album moins formelle, ils ont collaboré avec Abdu Ali et ont honoré le titre « Stay on It » de Julius Eastman.

expanding how large that pocket seems.

Cela aboutit à The Common Task , sans doute leur travail le plus expérimental et le plus politique à ce jour. Les deux premiers morceaux, « Fanfare for Effective Freedom » et « Against Gravity », interpelleront tous les fans qui se sont déjà démenés avec la marque de abrique de Horse Lords. Malgré cela, le nombre d’années cumulées a renforcé l’anticipation qu’on peut espérer du groupe quant aux mouvements des uns et des autres. « The Radiant City » reflète de cette manière les sonorités de saxophone de « Against Gravit » », en commençant par une ligne de cornemuse épaisse qui fait surface et réapparaît de temps en temps avec une guitare déformée, un saxophone exacerbé et des synthés qui imitent ladite cornemuse. L’interaction est une extension de l’art des Horse Lords qui consiste à répartir chaque particule de son pour jouer avec les différences de granularité.

« People’s Park » montre alors un équilibre et une transition entre ces morceaux précédents et ce qui va suivre avec les 18 minutes de  » »ntegral Accident ». Étant le morceau le plus dynamique de Horse Lords, la pulsation générale de « People’s Park » est initiée par un loop qui passe par-dessus et tape sur d’autres éléments pour se joindre eu basculement de sa cadence tout en se développant en un groove grave cosumé par une électronique grésillante et colorée et se transforme en un marécage de ces mêmes sons. Occupant la seconde moitié de l’album, « Integral Acciden » » expose probablement le fonctionnement interne de l’approche de composition des Horse Lords plus que tout autre morceau de leur catalogue. Il commence comme un morceau tiré d’une session du Groupe de Recherches Musicales, avec un enregistrement en plein air, les sons contrastés d’un seul chanteur, un son de violon régulier, et la manipulation d’un synthétiseur sur tout le spectre ; et il se transforme ensuite lentement en une force de roulement qui analyse continuellement les éléments tout en étirant son élan plutôt qu’en l‘obérant.

The Horse Lords construisent et relâchent la tension tout aussi habilement qu’auparavant sur The Common Task, le plus souvent dans des fenêtres plus courtes. Leur noyau de près de dix ans fait pivoter les idées rythmiques et tonales de manière athlétique, et leur capacité à tirer des éléments de n’importe où et de n’importe quel endroit est apparemment plus fluide à chaque enregistrement. Avec The Common Task, The Horse Lords restent simultanément dans leur propre niche tout an la débaucahnt à des éléments extérieurs, élargissant ainsi la taille de ladite niche.

***1/2


The Goners: « Good Mourning »

26 mars 2020

En bref, The Goners sont l’un des groupes de garage-rock les plus cools et les plus drus q’il a été donné d’entendre depuis de nombreuses années. Si on fait abstraction de Uncle Acid and the Deadbeats. Le groupe suédois est composé d’anciens membres de la royauté du stoner rock Salem’s Pot et de membres d’Yvonne. La puissante combinaison de musiciens ressemble à un groupe de garage/punk rock expérimenté (et énervé) de la fin des années 70.

En se penchant sur ce premier opus intitulé Good Mourning, il est clair que le groupe a bien préparé le terrain pour le ton, le feeling et le groove avec des guitares lourdes, une production low-fi et une batterie absolument punchante. L’approche bricolage du groupe est évidente et on dirait que ces gars ont fait le tour du quartier plusieurs fois. Un album avec ce genre d’autorité est rare dans le monde de la musique d’aujourd’hui et tous les yeux devraient être tournés vers eux dans un avenir proche.

Le morceau d’ouverture intitulé « Are You Gone Yet » est clairement l’un des principaux titres de l’album. De la’interprététion de tueur au solo de guitare qui déchire l’oreille en passant par le rythme punk féroce, ce morceau personnifie vraiment le groupe comme une unité sonore. « High Low and Never in Between » offre des sonorités et des sensations très sombres, proches de celles des films d’horreur. Le morceau est chargé de sombres changements d’accords mineurs et d’un ensemble de paroles macabres sur le meurtre et « World of Decay » offre un swing sinistre et des paroles obsédantes entourées de guitares boueuses qui clôturent parfaitement les premières pistes.

Au fur et à mesure que l’on s’enfonce dans l’album, « Down and Out » prend un virage stylistique au bout de trois minutes avec un interlude éclectique à la manière du Moyen-Orient, emmenant le public dans un trip acide avant de reprendre l’anarchie sonore totale des cymbales crash lavées et des couches infinies de solos de guitare pour un crescendo final sérieux.

Vers la fin de l’album, un morceau écrasant intitulé « You Better Run » remet l’album en quatrième vitesse avec un riff punk lourd suivi d’un interlude à la mi-temps à la Black Sabbath après le premier chorus. Pour conclure cet incroyable premier album, un morceau très sombre intitulé « Dead in the Saddle (Dead Moon) » s’ouvre sur le son d’un vent hurlant et d’un riff de guitare féroce tiré directement du livre de riffs psychobilly.

Si vous êtes fan des Matadors et recherchez de nouvelles vibrations garage/indie/punk, ne cherchez pas plus loin avec ce Good Mourning incroyable et palpitant

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Catholic Action: « Celebrated by Strangers »

26 mars 2020

Il serait juste de dire que Celebrated By Strangers, le deuxième album de ce combo de Glasgow, a eu une gestation complexe, les sessions d’enregistrement du disque remontant au moins à 2017. Lors de la promotion de leur premier album In Memory Of, le chanteur et guitariste Chris McCrory avait déclaré qu’il voulait que le suivant « change ce que signifie être dans un groupe de guitares » et qu’il mette en vedette Kevin Shields de My Bloody Valentine à la six cordes. Ce n’est pas le cas sur ce disque ; en effet, le plus grand changement ici n’est pas sonore mais la décision du frontman de faire face à l’injustice et de se laisser aller.

Musicalement, Catholic Action est toujours profondément redevable au son de rockers classiques comme Status Quo, The Cars et T. Rex. L’intro bruyante de « Grange Hell » fait place à deux minutes de power-pop nerveuse et à plusieurs morceaux comportant des solos de guitare dignes den’importe quel poseur.

Bien que les paroles soient loin de leurs débuts, pesque tous les titres comportent une argumentation politique. Le premier « single », « One of Us » est un mélange bruyant de riife estinés aux masses et d’interprétations comportant un message de classe, McCrory se proclamant « le fils de l’aide sociale d’un fils de l’aide sociale ». C’est un morceau que le chanteur décrit comme « écrit en réponse directe à ce que je vois se produire au Royaume-Uni – un pays ravagé par la pauvreté et un tissu social en désintégration composé de personnes de plus en plus isolées et intoxiquées ».

Ailleurs, de l’indie disco dynamique de « People Don’t Protest Enough » à « Four Guitars (For Scottish Independence) », McCrory voit l’état du monde et décide qu’il en a assez. Alors qu’il y a un débat à mener pour savoir si le rock rétro est le moyen le plus progressiste ou le plus convaincant pour faire passer ce message, son engagement et son zèle sont impressionnants.

Il n’a pas non plus oublié comment écrire une mélodie. « Another Name For Loneliness » a une voix en descente et une ligne de clavier qui menacera de se résoudre en une chanson de David Bowie à tout moment, tandis que « Sign Here » sera une ballade explosive qui semble s’attaquer à l’exploitation dans l’industrie de la musique.

On a parfois l’impression que c’est une étrange fusion entre le médium et le message, mais c’est ce que Catholic Action parvient à insuffler quand il s’agit de mêler zèle révolutionnaire à un format de plus en plus figé.

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Magic Sword: « Endless »

26 mars 2020

Chacune des sorties de Magic Sword est accompagnée d’une bande dessinée. Après un LP et deux EP, voici le dernier volet de la saga des protecteurs de l’épée magique – The Keeper (claviers), The Seer (guitare) et The Weaver (batterie).

Il faut dire que les bandes dessinées elles-mêmes sont absolument époustouflantes. Shay Plummer a réalisé un monde entièrement formé avec des illustrations toujours belles et détaillées. Les dialogues serrent les murs du cliché de la fantaisie assez fort, mais cela est vite pardonné et même compris lorsqu’il est associé à la musique de Magic Sword.

Pris isolément, Endless pourrait être considéré comme un monde sans beaucoup de nouvelles idées. Il fait penser à la bande originale de Queens pour Flash Gordon, avec des allusions à Daft Punk et John Carpenter. Pourtant, pour ce qui manque d’originalité, il fait plus que compenser par un pur plaisir et, pour rendre justice à ce trio, il faut simplement prendre en compte l’ensemble.

Toutefois, bien que la lecture de la bande dessinée ne fasse pas perdre de temps, elle permet d’avoir un aperçu de l’univers de Magic Sword. Considérons ceci comme la B.O. de nos propres contes de l’épée magique.

Endless réalise ce que le combo envisage de faire. Magic Sword a créé un monde amusant et fantaisiste qui jette des ponts entre les formes. Elle célèbre sans complexe ses influences et, surtout, elle namène le sourire à nos lèvres.

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