Interview de Hilary Woods: « Une Tempête Parfaite »

Hilary Woods explique que, en dehors de chez elle, dans l’ouest de l’Irlande, c’est la tempête. De fortes pluies tombent et des vents violents soufflent à l’extérieur, ce qui distrait bruyamment d’une conversation par ailleurs agréable. C’est suffisant, selon elle, pour interrompre le fil de ses pensées et cela semble étrangement approprié au genre de musique folk gothique aux accents industriels que Hilary Woods crée. En 2018, elle a sorti son premier album solo, Colt, plus de dix ans après l’éclatement de son groupe précédent, JJ72. Cet album, bien que sombre, existait dans un domaine plus vaste, incorporant des traces de darkwave et de dream pop dans des chansons folkloriques. Sa suite, Birthmarks, porte à un degré plus élevé la terreur viscérale de ses textures épineuses. Il semble apocalyptique d’autant que les circonstances dans lesquelles il a été écrit étaient tout sauf idéales.

Pendant les deux ans qu’a duré la rédaction de Birthmarks, Woods était enceinte. Et parallèlement à cette phase de sa vie et de sa carrière, elle a commencé à explorer un concept qu’elle décrit comme la « naissance du soi », une sorte de processus participatif de réalisation de soi. Aujourd’hui, à la fin de la trentaine, avec deux enfants et une vie qui concilie famille et activités artistiques, Woods se trouve dans une situation bien différente de celle qu’elle connaissait lorsqu’elle était adolescente et qu’elle partait en tournée pour la première fois. Et elle a pris son temps pour l’explorer.

« Des choses surgissent en vous, et des rêves, que vous voulez articuler, faire et créer », dit-elle. « Le processus qui consiste à voyager dans ces choses et à trouver un but et un sens à sa vie, je suppose que cela a un coût parfois, pour celui qui le fait. C’était les sentiments qui se trouvaient derrière le disque, et en termes de création d’une vie pour soi-même et de ce que l’on veut faire, et de persévérance pour vivre une vie créative ».

Sur Birthmarks, Woods a collaboré avec l’artiste de bruit norvégien Lasse Marhaug, dont les textures menaçantes et intenses donnent un contrepoint plus poignant à son écriture sinistrement mélodique. L’album est, pour le dire simplement, orageux. L’influence de Marhaug est souvent subtile – beaucoup de ces chansons sont aériennes et spectrales, plus des allusions à quelque chose de menaçant qu’une menace pure et simple. Mais le plus souvent, le bruit remonte à la surface, colorant parfois une chanson plus intensément, comme dans le premier « single » de l’album, « Tongues of Wild Boar », ou le drone de jazz industriel apporté par le saxophone distorsif et disruptif de « Mud and Stones ».

Cet élégant équilibre entre la dureté et les sons plus délicats, comme la guitare ou le violoncelle ou les propres pistes vocales obscurcies de Woods, le distingue de son prédécesseur. Ce n’était pas, au départ, un effort conscient pour réconcilier les deux extrêmes. Mais à mesure que Woods et Marhaug en sont venus à construire les éléments de l’album, certains sons s’emboîtent tout simplement sans effort.

« En entrant dans ce disque, je savais qu’il y aurait des éléments contrastés, mais je n’allais pas essayer de les contenir tous dans un son particulier », dit-elle. « J’ai simplement senti qu’il y avait d’autres fils sur le disque qui lui donnaient une continuité et le maintenaient ensemble. Je n’ai pas hésité à aller vers les deux extrêmes. Cela ressemble plus à un voyage, d’une certaine manière ».

En décrivant l’esthétique qui l’a attirée, Woods se réfère spécifiquement à l’art visuel, en particulier celui du peintre Francis Bacon et de la photographe Francesca Woodman, qui a éclairé sa propre direction artistique. « Moi-même et Lasse avons tous deux parlé de l’art visuel dans le processus d’enregistrement, des textures que nous aimions tous deux dans la photographie japonaise d’après-guerre et presque de ce gros grain dense et brumeux », dit-elle. » »Dans ce genre d’art visuel, on peut presque l’entendre – c’est très bruyant. »

Même si la « naissance de soi » que Woods décrit l’a amenée à l’un de ses ensembles musicaux les plus intenses et chaotiques à ce jour, elle se trouve attirée par un style de vie moins frénétique et moins rapide. Ayant fait une tournée mondiale à 20 ans, puis étant devenue mère peu après la fin du groupe, son retour à la musique n’a pas été immédiat. Elle s’est retrouvée à faire des enregistrements chez elle – pas chez elle, en particulier, mais dans un immeuble abandonné – et a trouvé un rythme et une flexibilité qui lui ont permis de faire de la musique à nouveau, non seulement de manière attrayante mais aussi pratique.

Pour ajouter à cette méthode plus pratique de faire de la musique, Woods ne se lance plus dans de grandes tournées. Ce qui, selon elle, est bien mieux pour la vie qu’elle mène actuellement. « Je ne pense pas être faite pour faire beaucoup de tournées », dit-elle. « J’aime choisir les dates, et la qualité plutôt que la quantité. La priorité est donc de sentir que je fais avancer ma propre vie créative à la maison ».

Woods a changé, comme tout le monde en 20 ans, mais le paysage commercial de la musique a également évolué depuis qu’elle a commencé à sortir de la musique à la fin des années 90. Elle n’était pas totalement à l’aise avec cela à l’époque, mais c’était avant que l’industrie ne devienne plus turbulente et que le fond ne s’écroule – les médias physiques étant remplacés par le streaming, la consolidation des entreprises et un modèle commercial déterminé par algorithme. Cela peut sembler sombre, mais Woods s’accroche à quelque chose de précieux au milieu de tout cela : la liberté.

« Le groupe dans lequel j’étais adolescente avait l’impression que nous faisions partie de l’industrie musicale, mais ça n’a pas commencé comme ça », dit-elle. « Nous n’étions que trois enfants dans un garage, mais on pouvait sentir les rouages de l’industrie. Aujourd’hui, je fais de la musique, mais je ne me sens pas poussée par qui que ce soit. C’est juste mon expérience personnelle. Je ne m’intéresse pas vraiment à l’aspect industriel des choses, parce que plus je lis à ce sujet, plus c’est déprimant ».

Aussi profondément qu’Hilary Woods est encline à plonger dans les aspects les plus sinistres du son ou à dépeindre une percée personnelle comme quelque chose de poignant, il y a une positivité et une générosité qui sont au cœur de tout ce qu’elle fait. Ce sont des explorations personnelles, et parfois des expériences intenses, mais en fin de compte, c’est un cadeau. En tant que musicienne et artiste, et en tant que personne qui a passé une grande partie de sa vie à se nourrir de cet art, Woods veut simplement rendre la pareille. « Il s’agit simplement de relayer des sentiments sous une forme ou une autre », dit-elle. « Je rends ce que l’art m’a donné. »

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