Interview de Corky Laing : « Né pour Cogner »

Drumming legend Corky Laing performed at the Bay Street Theater on Saturday, May 18th, 2013

Pour certains, le Rock-n-Roll est le sang qui coule dans leurs veines et constitue la bouée de sauvetage qui les maintient en vie. Pour le légendaire batteur Corky Laing, le Rock-n-Roll fait partie de son identité depuis son plus jeune âge, ce qui l’a conduit à devenir célèbre en tant que batteur de longue date de Mountain. Il a travaillé avec une tonne d’artistes, dont Jack Bruce de Cream, Ian Hunter, Mick Ronson, et bien d’autres encore, et il a toute une vie d’expérience et d’histoires à raconter.

À ce propos, il a récemment publié un livre très personnel intitulé Letters to Sarah. Compilation de lettres qu’il a écrites à sa mère pendant des années de tournée, ce livre est très différent de ce que d’autres musiciens de rock ont publié et est un livre à lire absolument. Poursuivant sa tournée, et ayant récemment sorti son nouvel album Toledo Sessions, Laing s’est assis pour discuter de son voyage imprévisible et passionnant dans le monde de la musique.

Vous avez été impliqué dans la musique professionnellement pendant plus de cinq décennies, et vous avez obtenu un grand succès avec Mountain, ainsi que de nombreuses autres collaborations. Tout d’abord, dites-nous brièvement, comment décririez-vous votre carrière dans la musique ?

La chance – le mot magique. Ce n’est pas seulement ma carrière : pour réussir dans notre domaine, il faut avoir beaucoup de chance. Et puis, bien sûr, il faut être préparé. Quoi que vous fassiez, vous allez recevoir des coups, avoir des antécédents, être à 10 000 heures, puis la chance arrive. Je crois que le timing est essentiel. Je dirais qu’il faut faire beaucoup de choses et avoir de la chance.

J’ai eu de la chance : je suis en bonne santé, cela fait plus de cinq décennies que je suis un professionnel, mais je ne le sens pas. Je ne ressens pas de cicatrices, je sais qu’il y a beaucoup de gens qui sont des personnages bien équilibrés, et ils ont la même taille de puce sur les deux épaules, mais je n’y crois pas. Je pense que c’est un endroit dans la vie où si vous avez la chance de gagner votre vie, d’avoir un toit au-dessus de votre tête, d’avoir de bons amis et des fans et, avec un peu de chance, un bon répertoire, pour moi c’est à peu près tout !

Et vous pouvez faire ce que vous aimez en suivant votre passion.

Exactement. Je ne peux pas dire que j’ai planifié tout ça. J’aimerais être audacieux et vaniteux, mais non, c’est spontané. Ce sont toutes les choses qui vont avec qui donnent un enchantement et du mystère. Je ne voudrais jamais détruire le mystère de ce que nous ne connaissons pas.

Vous avez collaboré avec beaucoup de personnes uniques en leur genre dans le domaine de la musique au fil des ans. Chacun a quelque chose de différent à offrir et à enseigner, quelles ont été vos expériences ?

C’est une bonne question. J’aime collaborer parce qu’en tant que batteur, en général, vous êtes toujours en train de communiquer – vous êtes toujours en train de toucher et de sentir ce qui se trouve dans le récipient de quelqu’un d’autre et comment il s’y prend.

Il fut un temps et une époque où beaucoup de gens interagissaient ; je ne parle pas des réseaux sociaux et des ordinateurs, je parle de la rencontre en personne, quand vous vous réunissez, prenez une bière, ou vous vous réunissez et parlez. Beaucoup de choses se sont transformées en rencontres délibérées. Tout a commencé avec mon bassiste George Gardos dans mon premier groupe Energy – nous avons écrit des chansons qui sont devenues des titres phares de Mountain comme « For Yasgur’s Farm » et « Sitting on a Rainbow ».

Il faut être en contact avec les gens. En tant que batteur, dès les premiers jours de l’homme des cavernes, vous frappiez sur des tambours pour communiquer avec une tribu de l’autre côté de l’océan ou quoi que ce soit d’autre ; vous frappez des tambours et vous communiquez. D’ailleurs, une grande partie de mon écriture vient de la batterie ; ma musicalité se limite à la batterie et à un peu de guitare. Une grande partie de mon travail se fait dans le domaine des paroles. Au fil des ans, que ce soit Meatloaf, Ian Hunter ou John Sebastian, j’ai eu la chance de croiser des gens à un moment où ils voulaient un collaborateur. Il y a de grands écrivains qui n’en ont pas besoin et je respecte totalement cela.

Quand j’arrive dans différentes situations, les gens me disent : « Qu’est-ce que tu veux que ce soit ? Que voulez-vous dire ? » Je pense que ce que vous voulez dire est très important. Dans mon cas, j’aime raconter des histoires en paroles. Quand j’étais à Nantucket, j’avais de bons amis écrivains – le Benchley qui a écrit Jaws (1975), Frank Conroy, lauréat d’un prix littéraire – alors on traînait ensemble. Vous parlez de l’écriture, de la courbe et de l’histoire ; je suis tombé dans le panneau. Je suppose que j’ai eu la chance d’entrer en contact avec des gens différents, comme « Easy Money » avec Ian Hunter.

Ces écrivains que j’ai rencontrés ont écrit des romans, donc ce serait amusant pour eux de venir jouer du piano et de dire : « Pourquoi ne pas prendre un roman et le mettre dans une chanson ? » Frank Conroy était formidable de cette façon. Avec Leslie West, il n’y avait pas trop d’histoires, il voulait aller droit au but, s’envoyer en l’air, se saouler, et se lancer dans la décadence du Rock-n-Roll. Je ne veux pas inclure Jack Bruce là-dedans, il était beaucoup plus ésotérique. Pete Brown, qui a écrit avec Jack, était brillant à ce sujet. Je tombe là-dedans parce que j’aime le faire et que je me sens à l’aise. Quand vous démarrez dans une histoire, c’est un dialogue. Je ne sais pas si je peux en dire plus sur les collaborations, elles sont aussi bonnes que les personnes avec qui vous travaillez. Si vous vous mettez en contact avec les bonnes personnes, ça marche.

Vous enlevez quelque chose à tous ceux avec qui vous travaillez – que ce soit positif ou négatif – et vous l’appliquez ensuite à tout ce sur quoi vous travaillez ensuite.

Oui, c’est bien dit. C’est ce qui est intéressant : toutes les personnes avec lesquelles j’ai écrit, il y a quelque chose qui en ressort tout le temps. Je me suis assis avec Gregg Allman, nous avions tous les deux un buzz, nous parlions de choses différentes, mais rien n’est jamais sorti de la chanson, sauf la première partie des paroles. Gregg est un écrivain brillant, mais les gens ont une idée précise de ce qu’ils veulent dire et de la façon dont ils veulent le dire. La façon dont ils veulent le dire a beaucoup à voir avec la piste musicale de base. Dans mon cas, je suis toujours allé à la batterie pour ce qui est du phrasé entre la grosse caisse, la caisse claire et entre le manège.

Il s’agit essentiellement de faire correspondre la substance de la musique aux paroles. Si c’est une chanson sombre, c’est une chanson sombre. Certains écrivains écrivent un titre joyeux pour une chanson sombre. Paul Simon fait cela tout le temps. Il y a une dynamique qui, je pense, fonctionne – vous pouvez avoir un rythme lent, le garder très sinistre, et ensuite parler des plus belles choses du monde sur ce rythme. C’est très intéressant à tous les niveaux. Tout a déjà été dit, toutes les chansons ont été écrites. La seule différence est ce que la personnalité apporte à ces chansons lorsqu’elles sont enregistrées. C’est ce qui est vraiment amusant et intéressant, chaque génération a son propre thème sur sa vie.

C’est très vrai et c’est ce qui rend la musique très intéressante. Vous avez mentionné votre groupe Energy. Vous avez quitté Energy pour rejoindre Mountain, qui a eu beaucoup de succès. Comment s’est passé votre participation à Mountain ?

C’était un processus d’apprentissage. Bizarrement, j’ai récemment déménagé à Toronto et mon fils a trouvé des cassettes du groupe Energy qui ont 50 ou 60 ans. Nous avons perdu la trace de ces bandes, nous les avons juste trouvées, mon pote George les a transférées d’un quart de pouce. Le groupe était au milieu de la tournée, c’était un groupe de pop. Les chansons que j’écrivais avec Energy étaient des chansons pop très élaborées. Je n’étais pas habitué à jouer du heavy et la seule chose qui me convenait, c’est que personne n’était très doué pour la batterie à cette époque, à la fin des années 60. La basse électrique est apparue dans les années 60, ce qui a permis au batteur de commencer à jouer du heavy sans s’inquiéter de la disparition de la stand-up bass. C’est ce qui a donné naissance au Rock, qui a rendu le batteur agressif – vous pouviez jouer fort et ce que vous vouliez.

Au fil des ans, l’entrée à Mountain a été une expérience d’apprentissage. Nous n’avons pas eu de micro important pendant les deux dernières décennies. Je devais jouer et couper à travers ces énormes amplis et tout ce que j’avais, c’était quelques micros. Pour couper, j’avais ces timbales et j’utilisais beaucoup ma cloche de vache parce qu’elles étaient en métal et qu’elles coupaient beaucoup des chansons que nous commencions à écrire. C’était un processus d’apprentissage qui m’a obligé à battre physiquement ces tambours pour pouvoir être littéralement entendu. Puis, bien sûr, il m’a fallu des morceaux, que j’espérais originaux, qui se résumaient littéralement à une intro à la cloche de vache dans « Mississippi Queen » ». J’imagine qu’à ce stade, j’ai le privilège d’être appelé le roi de la « cloche de vache » ; bien sûr, depuis lors, la cloche de vache a été présente dans de nombreuses chansons.

L’aventure de la montagne, l’escalade de cette montagne, c’était génial. C’est comme quand les États-Unis se sont posés sur la lune : J’ai atterri sur le trône dans la montagne. Deux moments très propices, c’était des choses très importantes, j’aimerais les considérer comme un espace et un autre espace. J’étais dans l’espace à Mountain, c’est là qu’était le plaisir. Felix Pappalardi était adorable parce qu’il m’a permis de jouer à peu près tout ce que je voulais dans beaucoup de ces chansons, même s’il était chef d’orchestre. Il savait ce qu’il voulait de la musique, mais il m’a dit : « Corky, dis-moi ce que tu ressens à propos de ça. » C’est un véritable honneur d’avoir cette possibilité, sans piste de clic !

Je n’ai pas eu à suivre quoi que ce soit. J’ai pu vraiment apprécier et exécuter certains des partenaires. Mountain a été le début de tout ça et bizarrement, en Europe, même aujourd’hui, on me considère comme un batteur de Heavy Metal. Je ne pense pas que je l’ai jamais été, mais j’ai eu de longues discussions avec Bill Ward de Black Sabbath qui m’a dit : « Tu ne comprends pas, tu jouais si fort. » J’ai répondu: « Je n’avais pas le choix ! J’avais Felix et Leslie à 11 ans à chaque spectacle ». Dieu merci, quand vous êtes mis au défi, c’est là que ça marche.

Quid de votre nouveau livre Letters to Sarah qui est sorti le jour de la fête des mères en 2019 ? Ce livre a été inspiré par les lettres que vous avez écrites à votre mère pendant trois décennies. Qu’est-ce qui vous a amené à écrire ce livre ?

C’est une bonne question. Je travaillais avec un professeur en Finlande, Tuija Takala. Elle m’a dit entre autres, en consultant mon Wikipédia, « Il n’y a rien de vraiment intéressant sur vous ici, je peux peut-être vous aider à l’améliorer ? » Nous avons donc discuté de quelques idées de mémoires, mais entre vous et moi, tout le monde écrivait des mémoires, alors j’ai dit que je ne savais pas. J’ai rangé toutes les affaires de ma mère quand elle est décédée, et elle a trouvé une boîte de 150 à 200 lettres que j’avais écrites à ma mère et qu’elle a gardées à mon insu. Tuija Takala les a trouvées et m’a dit : « Attends une seconde, ces lettres décrivent 30 à 40 ans d’écriture sur la route ».

Tout au long de ma carrière, j’écrivais beaucoup à ma mère parce que je me sentais seul sur la route. Je vous le dis, quand vous jouez dans un trou à rats ou au Carnegie Hall, quand vous rentrez à l’hôtel, c’est en gros juste vous et votre conscience. Tuija a dit : « Et si nous travaillions les lettres comme une horloge temporelle sur les 30 à 40 ans où vous écrivez à votre mère, où et comment vous vous êtes sentie ? Je veux enrichir cette lettre avec des pensées supplémentaires et une rétrospective ». Tuija a été brillante ! Elle est professeur à l’université d’Helsinki. Elle était très intéressée par la vie que j’avais, alors ça a marché. Elle et moi avons vraiment collaboré de façon magnifique sur le livre. Je n’avais pas prévu que ce serait ce genre de livre, mais elle a eu une vision. Elle l’a prise et en a fait un livre, j’en suis très, très fier.

C’est un livre très convaincant. En voyant que ces lettres ont été écrites sur une période de plus de trois décennies, comment était-ce de revenir sur ces moments très personnels que vous avez partagés avec votre mère ?

J’ai eu des sentiments variés à ce sujet. Tuija a choisi la plupart des lettres ; il y avait des lettres très personnelles, j’avais des sentiments mitigés. Certaines d’entre elles me rappelaient de très bons souvenirs, mais il y avait aussi des périodes vraiment difficiles, des moments difficiles dans cette industrie. Je n’étais qu’une enfant de Montréal, qui commençait à 13 ou 14 ans, et je n’avais même pas prévu de devenir musicienne ; j’aimais juste jouer de la batterie et écrire. Dans le livre, je pense que Tuija a pris les pensées les plus substantielles et les plus poignantes que j’avais et elle a fait en sorte que cela fonctionne en embrassant d’autres pensées en cours de route. J’avais des sentiments variés et mélangés ; je dois vous dire que certains d’entre eux étaient très doux-amers.

C’est vrai, et en vieillissant, nos opinions et nos pensées changent ; nous changeons en tant que personnes.

Tout change, même les changements changent. La dernière moitié du siècle dernier a connu tellement de changements, surtout dans le domaine de la musique. Il suffit de penser aux différents formats qui sont venus et sont partis. À ce stade, tout est jetable.

Malheureusement, cela semble être le cas. Au-delà du livre, vous êtes toujours là à jouer en direct. Qu’est-ce que ça fait de jouer en live ?

C’est une joie, une joie absolue. À ce stade, j’ai laissé toute la paranoïa et la névrose dans les chansons/albums du passé. Je profite vraiment de la liberté que j’ai maintenant. J’ai l’impression que la seule chose que j’ai à prouver, c’est à moi-même, je n’ai rien à prouver à personne d’autre en ce qui me concerne. Je me considère assez critique à cet égard.

À ce stade, mon public se compose en partie de grands-parents, en partie de personnes qui font la sieste, mais certains nouveaux publics sont très intéressés. C’est presque une chose historique. En Europe, ils considèrent cela comme un mode de vie ; c’est une leçon d’histoire culturelle des 40 à 50 dernières années. La seule chose qui reste claire dans ma vie, c’est la musique – le downbeat, le backbeat, le début et la fin. C’est une vie simple et je profite de cette partie de ma vie.

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