Interview de Mothers: « Gestations »

La musique de Kristine Leschper est déconnectée de l’époque moderne. C’est une bonne chose. Son groupe de Philadelphie-via-Athènes, Mothers, a fait des vagues avec When You Walk A Long Distance You Are Tired, une collection de guitare-rock bizarrement encadrée, leurs signatures temporelles dispersées datant de 2016. Le contenu lyrique de Leschper ressemble plus à de la poésie littérale qu’à n’importe quelle forme d’écriture de journal intime. Elle trouve un terrain d’entente avec l’intime et l’abstrait, et la majeure partie des chansons de Mothers, le groupe qui expérimente ces mêmes idées.

Alors que When You Walk A Long Distance You Are Tired est emprunté à des playbooks anti-folk et à des méthodes de traçage de guitare tranchantes mais finalement dispersées, leur dernier album, Render Another Ugly Method, trouve Leschper et compagnie s’en tenant à l’abstrait. La prose de Lescpher est encore très viscérale et tendue, mais le savoir-faire instrumental du groupe se retrouve plus que jamais dans cet étonnant assemblage de compositions. La poésie de Lescpher est toujours au centre de l’attention, mais son chant s’est éloigné, s’intégrant là où le groupe lui laisse de la place, agissant comme un instrument tout à fait singulier, tout aussi vital que la guitare, la basse ou la batterie. Render Another Ugly Method est une crise d’angoisse de près d’une heure, plus frénétique et plus énergique que n’importe quel disque de guitare-rock de l’année. Leschper évoque ici le nouvel album de Mothers ainsi que sa conception de l’écriture, poétique mais aussi musicale.

Vous avez récemment déménagé d’Athens, en Géorgie, à Philadelphie. Comment s’est déroulée cette transition d’une ville relativement petite à une ville beaucoup plus grande ?

Kristine Leschper :En réalité, je voulais juste déménager dans une ville, comme un défi personnel, parce que je n’ai jamais vraiment vécu dans une ville avant. Athens est une ville, mais c’est une petite ville – je veux dire qu’elle compte environ 150 000 habitants. J’ai eu l’impression que c’était quelque chose que je voulais essayer. Cela a été relativement facile dans le sens où j’avais déjà plusieurs amis qui vivent ici, qui ont pu me présenter à des gens et me parler de spectacles. Je n’utilise pas Facebook, et je me rends compte qu’en déménageant dans une grande ville et en ne connaissant personne là-bas, il peut être vraiment difficile de savoir ce qui se passe, s’il n’y a pas de publication qui publient des informations sur ces spectacles, ou si vous n’avez pas de gens qui vous en parlent. Heureusement, j’avais un groupe de personnes qui ont pu me présenter rapidement à d’autres personnes qui m’ont parlé des expositions, des vernissages et d’autres choses de ce genre.

C’était vraiment intéressant de déménager dans une ville qui connaît tant de changements. C’est quelque chose que je ne connaissais pas vraiment et auquel je ne m’attendais pas à Philadelphie. Le quartier de la ville où je vis s’appelle South Kensington. C’est juste à la limite d’un quartier appelé Fish Town, qui connaît une croissance vraiment explosive en ce moment, donc c’est un peu comme si chaque fois que vous tournez dans un nouveau quartier, il y a une sorte de construction en cours. On parle beaucoup en ce moment de logements abordables, et de ce que cela signifie dans le contexte actuel d’embourgeoisement. J’imagine que j’ai été très conscient de ce phénomène en venant ici, parce qu’il est évident que je suis un jeune artiste qui s’installe dans une ville qui connaît déjà un grand nombre de ces déplacements de population locale. C’est donc un peu un défi de s’installer ici, de déterminer quelle est ma place dans la communauté, et comment je peux être une personne qui ne se contente pas de prendre de la place ici, ou de déplacer ceux qui vivent ici depuis longtemps.

C’est une chose à laquelle j’ai pensé avant de m’y installer mais c’est très visuel quand on arrive ici. Il y a tellement de constructions et il y a beaucoup de maisons modernes qui sont en train d’être construites.Ey quand on y est, on ne peut pas vraiment l’oublier, c’est tout le temps sous vos yeux.

Vous étudiiez auparavant la gravure, mais vous avez arrêté de le faire, n’est-ce pas ?

Oui, je ne fais plus de véritable gravure, en grande partie parce que je n’ai pas accès à ces installations. J’ai choisi de travailler visuellement de manièr à pouvoir les exécuter depuis chez moi. Donc oui, je ne participe plus vraiment à la gravure ces derniers temps, mais je suis toujours assez active dans les arts visuels. Je le garde en quelque sorte pour moi, comme si je ne créais pas vraiment d’œuvres que j’aimerais montrer en ce moment. J’ai consacré beaucoup plus de temps à la musique, mais je pense que ma pratique artistique va rester interdisciplinaire pour le reste de ma vie. Il me manque vraiment du temps pour le travail visuel et la création d’écrits qui n’impliquent pas de chansons. Il est donc toujours difficile de savoir ce que je suis censé faire à un moment donné. (rires)

Avez-vous conçu vous-même la couverture de Render Another Ugly Method ?

Non. Je l‘ai réalisée en jouant dans un groupe qui a eu un certain succès, ou dans un groupe qui a un label, qui a des ressources, qui gagne de l’argent en tournée. C’était bien de pouvoir demander à des amis de faire des choses pour moi, et de pouvoir les payer pour leur travail, c’est vraiment bien. J’ai chargé une de mes amies, Alessandra Hoshor, de faire ce travail. Ils sont d’Atlanta et ils vivent maintenant à Philadelphie, et leur travail est vraiment incroyable. C’est aussi une artiste interdisciplinaire dont le travail va de l’animation, de la vidéo, du net art, au dessin et à la peinture. Ils écrivent également de la musique, ils sont compositeurs électroniques et s’appellent Pamela and Her Sons. C’est donc ce que je recommande.

En lisant les paroles de Render Another Ugly Method, on a la sensation de lire des poèmes. C’est un sentiment de liberté mais il s’accorde parfaitement avec votre musique, qui est en grande partie composée de signatures temporelles bizarres, et la façon dont vous associez vos paroles au groupe est très organique. Vous êtes-vous déjà mise à l’écriture créative avant Mothers, ou est-ce quelque chose qui est venue naturellement avec la composition de la musique ?

Je dirais que la poésie a été mon premier amour, ou plutôt la première chose qui m’a intéressée, bien avant l’art visuel, bien avant la musique – j’ai réalisé que je m’intéressais à la poésie, ce qui s’explique, je pense, par le fait que ma sœur était passionnée de poésie et que j’ai emprunté beaucoup de ses livres pendant le lycée. Quand j’étais jeune, j’étais vraiment attirée par ces poètes très confessionnels comme Anne Sexton et Sylvia Plath. Et puis en même temps, j’ai commencé à découvrir ces musiciens qui étaient, aux aussi, sur le registre de la confession et ils étaient avant tout des poètes J’ai adoré Bright Eyes et Neutral Milk Hotel, et c’était un peu comme mon introduction à la poésie et aussi à la musique. Je pense que j’ai développé cette forte sensibilité poétique, et d’une certaine manière, c’est ce qui est le plus important pour moi, mais je ne pense pas que ce soit la seule chose qui compte. La poésie est le fondement de mon travail, mais, à mesure que je progresse en tant que musicienne, en écoutant plus de musique et en comprenant différents styles de musique, je sens que je suis mieux à même d’appliquer ces connaissances pour faire avancer le poème.

J’ai lu William Carlos Williams parler de la poésie, où il parle d’un poème comme d’un champ d’action, et j’aime tellement ça. Surtout dans le contexte de la musique, parce que si vous visualisez le texte comme une action qui peut être partagée entre l’écrivain et le lecteur, et non comme un objet inactif – comme quelque chose qui bouge, quelque chose qui peut être découvert – je pense que cela s’applique totalement à la musique. Quand j’écris de la poésie, j’essaie d’écrire de cette façon qui est active, qui va d’une observation à l’autre, et je pense que c’est ce qui est différent du premier album de Mothers et du second. Le premier disque est de la poésie avec un peu de musique dedans, un peu comme une représentation précoce de ce qui m’intéressait, c’était très privé, les paroles avant tout. Je pense que ce qui fait que le nouveau disque, Render Another Ugly Method, est différent du premier, c’est le procédé que j’ai utilisé et qui ressemblait beaucoup plus aux cut-ups (technique) des dadaïstes et de William Burroughs, il a été assemblé beaucoup plus comme un collage que le premier disque.

MOUNTAIN VIEW, CA – JUNE 25: Kristine Leschper of Mothers performs during the ID10T Festival at Shoreline Amphitheatre on June 25, 2017 in Mountain View, California. (Photo by Tim Mosenfelder/Getty Images)

On peut le percevoir dans les nouvelles chansons, mais ce qui est intéressant dans votre discographie, c’est que la structure des chansons et votre écriture sont toujours différentes. Parfois, on a l’impression d’être complètement libre – ces méthodes sont-elles conscientes ?

Je pense que je ne fais qu’expérimenter et que j’ai toujours beaucoup à apprendre sur mon propre processus, mais je pense que c’est juste le produit de mes essais et de mes observations. Mon processus d’écriture a beaucoup changé depuis que j’ai commencé à écrire des chansons, et je pense qu’il va probablement continuer à évoluer. Pour Render, je me suis intéressé à ces structures très linéaires, ce qui m’a toujours intéressé, et c’était aussi présent sur When You Walk, mais c’est un peu plus évident et exagéré sur Render.

J’ai réfléchi à ces structures longues et linéaires qui contiennent beaucoup de moments différents, qui sont en quelque sorte assemblées et fragmentées, et c’était en quelque sorte mon principal objectif. C’est intéressant parce que, maintenant que j’écris des choses post-Render, je suis beaucoup plus intéressé par la mélodie d’abord, comme la mélodie sur la structure. Les chansons que j’écris maintenant sont encore assez linéaires, elles sont d’une certaine manière beaucoup plus directes et moins fragmentées, plus concises et plus sentimentales. Je penche maintenant aussi vers ce nouveau style sentimental, alors qu’auparavant je m’étais toujours intéresse à un style plus cynique, sarcastique, une sorte de post-modernisme. Je pense donc qu’il va continuer à évoluer, en expérimentant et en essayant ces différents chapeaux. (rires)

Il est vrai que, si quelque chose a pu fonctionner pour vous il y a un an ou trois ans, vous avez certainement changé pendant ce laps de temps. Cela fait quelques années que vous n’avez pas fait de sortie complète, et je me demande, en tant qu’artiste, s’il vous arrive d’avoir ces moments où vous vous retournez sur votre travail passé et pensez « j’aurais dû changer ceci, ou modifier cet arrangement », ou, une fois que c’est fait, est-ce que c’est complètement derrière vous ?

Je crois qu’il est le plus sain d’aller de l’avant, de pouvoir se séparer en quelque sorte des œuvres passées. Je pense que c’est vraiment ce que ressentent beaucoup d’artistes du disque, ce qui est important, c’est ce sur quoi on travaille actuellement. C’est ce que j’ai toujours ressenti, je ne me suis jamais trop attachée à des œuvres plus anciennes. Cela ne veut pas dire que je n’aime pas l’interpréter, mais une fois que quelque chose est enregistré, c’est enregistré, et c’est un peu comme « quelle est la prochaine chose qui peut être faite, et comment puis-je utiliser ce que j’ai appris là-bas ? Cela ne veut pas dire que je ne regarde pas en arrière et, vous savez, que je regrette peut-être les petites décisions que j’ai prises, mais je ne veux pas être une personne qui fait cela. J’essaie toujours activement de ne pas me préoccuper des erreurs que j’ai commises dans le passé ou des choses que j’aurais faites différemment, parce que maintenant j’ai le pouvoir d’utiliser ce que j’ai appris grâce à ces expériences.

Dans le contexte de l’écriture ou des interviews. Je ne vais pas revenir en arrière et lire les interviews que j’ai faites, en grande partie parce que j’ai l’impression que, lorsque j’ai commencé à faire des interviews, je ne crois pas avoir établi un langage dans ma façon de parler de mon travail. Elle est devenue beaucoup plus facile avec le temps, mais c’est quelque chose avec lequel je lutte encore vraiment. La raison pour laquelle je fais de l’art est que je peux présenter des idées de manière abstraite, n’est-ce pas ? Je n’aime pas toujours en parler, mais il est difficile de se souvenir de ces anciennes interviews et j’ai l’impression de trébucher sur moi-même sans vraiment savoir ce que je ressens par rapport à mon travail, ou ce qui est important pour moi.

 

Vous êtes sur le point de partir en mini-tournée après la sortie de Render Another Ugly Method après avoir été entassé dans le studio pendant des mois. Etes-vous excitée de voir le travail que vous avez réalisé pour le nouvel album se traduire en live tous les soirs ? Comment vous préparez-vous à une telle éventualité ?

Eh bien, j’aime vraiment partir en tournée . Je n’aurais probablement pas dit cela il y a un an, ou un an et demi J’ai beaucoup appris sur la façon de prendre soin de soi dans le contexte de mes déplacements constants. Quand nous avons commencé à tourner, je ne comprenais vraiment pas comment rester en bonne santé, vous savez ? Ce n’était pas une de mes priorités, ou quelque chose à quoi je pensais. C’est certainement quelque chose qui a changé avec le temps. Je pense que la façon dont vous mangez en tournée est incroyablement importante. Si je mange mal, je serai juste émotionnellement désemparée (rires) parce que mon corps n’est pas en bonne santé, et il en va de même pour l’exercice. Nous avons appris qu’il faut vraiment essayer si l’on veut faire de l’exercice en tournée, et pour nous cela signifiait simplement apporter un ballon de foot, ou, comme personne ne fait vraiment de course à pied dans mon groupe. Certaines personnes le font, et c’est génial, mais nous avons trouvé des moyens de jouer (rires) en tapant dans un ballon de foot ou en nageant.

En ce qui concerne la préparation émotionnelle et mentale de la tournée, j’essaie de m’assurer que j’ai prévu beaucoup de lectures. Je pense que la lecture en tournée est très productive, ou pour moi, elle l’est, parce qu’il y a tellement de temps dans une voiture, et on ne peut pas toujours faire grand-chose. C’est assez limité quant à ce que vous pouvez accomplir à l’intérieur d’un véhicule en mouvement.

Récemment, nous avons fait ce truc où nous essayons d’écrire des chansons dans la voiture, avec cet outil qui se nomme Ableton ; nous l’avons tous beaucoup utilisé Ableton, pour construire des idées. Je suis assez novice dans l’utilisation de ce procédé comme outil initial d’écriture de chansons, et pour construire des arrangements et autres. Nous avons donc fait cela dans la voiture et nous avons tenté de faire une chanson en une journée, ou en un seul trajet en voiture, en mixant en direct et en branchant l’ordinateur sur la stéréo de la camionnette, et nous enregistrons des échantillons voix de de gens qui parlent dans la voiture ou des instruments logiciels, et nous essayons de construire un morceau dans la voiture. C’est un moyen très rapide de faire un tour en voiture.

Ainsi tout le mondé était impliqué.

Oui, il est important que nous soyons tous en bonne santé mentale. C’est quelque chose que nous avons tous envisagé récemment, pour nous assurer que tout le monde est vraiment pris en charge, ou simplement pour se sentir bien, quoi que cela signifie pourchacun ou tout le monde.

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