Keeley Forsyth: « Debris »

Au début, la voix de Keeley Forsyth est la seule chose que l’on peut entendre. Le titre « Debris » invite immédiatement à la comparaison avec les registres timbraux de Marianne Faithful et Nina Simone et le vibrato caractéristique d’Anohni. La voix de Forsyth est à l’avant-plan de son premier album, soutenue avec grâce et déférence par une mise en scène musicale compacte mais terriblement expressive jouée par Sam Hobbs, Mark Creswell et Matthew Bourne ; ce qui en fait une belle entrée équilibrée et pleine de confiance dans le monde de la musique.

Forsyth est peut-être nouvelle sur cette scène, mais elle travaille comme actrice depuis plus de vingt ans, ayant joué dans un certain nombre de longs métrages et de séries télévisées acclamés, ce qui a eu un impact considérable sur sa musique. « Black Bull » fait allusion à l’instinct naturel de Forsyth pour la musicalité. Construite sur une phrase spartiate de deux notes avec un doux accompagnement au piano et aux cordes, cette chanson est si calme que l’on croit entendre les cordes se pincer, mais c’est l’immédiateté de la mélodie vocale et le lyrisme poétique qui font avancer la chanson et l’amènent à une poignante sublimité.

Forsyth est capable de créer une profondeur incroyable avec des mots et un phrasé simples, en les combinant d’une manière insaisissable tout en établissant un contact émotionnel complet. Dès le troisième morceau, « It’s Raining », sa maîtrise dramatique commence à se révéler plus complètement ; le roulement des « r », les « p » mouillés et la transition entre la voix de la tête et celle de la poitrine qui refuse d’être discrète.

En canalisant le confessionnal narratif de « Both Sides Now de Joni Mitchell, Forsyth oscille entre des chuchotements aigus et des résonances de roseaux, créant d’une certaine manière une chanson pleinement développée à partir de seulement une poignée de paroles curieuses la confirmant comme une maîtresse de son propre matériel. À mi-chemin de l’album, « Lost »s’annonce comme le sommet émotionnel de ce début étonnant. S’élevant et s’effondrant comme un tremblement de terre, éphémère et intense, cette déclaration hymnique bondit dans votre imagination avec des paroles qui mêlent le conceptuel et le concret, donnant lieu à un portrait de l’émotion à la fois fondé et hors de portée : « C’est ça, la folie ? / L’espace lisse après que toutes les frontières aient été dissoutes / Là où il y a du vent, du vent fort / Mais pas de grands arbres pour qu’il puisse se débattre / Pas de seaux pour qu’il puisse fouler la cour / Là où les tables sont vides, où les tables disparaissent / Là où les serveurs sont tombés depuis longtemps dans les montagnes / Et les montagnes se sont effondrées en ruisseaux ». Avec un chœur fantomatique qui chante en arrière-plan, et les cordes de Bourne qui se gonflent d’une mélancolie exaltée, Forsyth fait le pont entre la poésie de performance et la chanson, invitant l’auditeur à ressentir avec elle, la douleur exquise d’être en vie.

Si le single « Debris » a été choisi, ce n’est pas le meilleur morceau de l’album – peut-être parce qu’on a l’impression que Forsyth se retient et que la qualité de son timbre puissant est un peu distrayante. Le dernier morceau semble être un choix plus naturel. Le titre « Start Again » est un morceau autonome, accessible sur le plan stylistique, dont la structure est plus conventionnelle et qui est le seul morceau du disque à contenir un rythme percutant, ce qui lui donne un élan tranquillement irrésistible.

La transition peut être délicate lorsqu’un acteur décide de se lancer dans la musique. Si un profil élevé peut se prêter à une sortie rapide, il s’avère difficile de se dégager du facteur de nouveauté pour permettre de juger la musique uniquement sur son mérite. Le saut disciplinaire de Forsyth est cependant distinctement authentique et, ironiquement, c’est à cause de son expérience dramatique. L »actrice de Harrogate travaille avec les artistes/réalisateurs Iain et Jane Pollard pour l’aider à « visualiser la performance à plus grande échelle ». Les Pollard ont travaillé avec un large éventail d’artistes, d’interprètes et de musiciens britanniques, dont Nick Cave, Florence Pugh, Elena Tonra, George MacKay et bien d’autres, dans des films, des installations et des expositions dans tout le Royaume-Uni.

Il n’est pas fréquent qu’un musicien cite des chorégraphes comme ayant une influence directe sur sa musique, mais Forsyth a nommé la danseuse allemande Pina Bausch comme une source d’inspiration majeure et son travail avec le directeur de mouvement britannique Imogen Knight comme une force contributive à sa musique et à la performance associée. « Je ne cherche pas à faire des mélodies ou des chœurs et je me fiche que ma musique soit inaudible », déclare Forsyth, qui soutient qu’elle ne sert que le but de la musique, « le corps est le même. Je bouge d’une manière particulière quand je joue et jamais pour le plaisir de bouger ».

La physicalité et l’aspect performatif s’entendent tout au long de l’album, à travers les choix de Forsyth ; le souffle et le rythme, ainsi que la distance qui la sépare du micro, sont tous propres à un style vocal qui s’annonce avec assurance dès le départ. La familiarité et la confiance de Forsyth avec le matériel peuvent être entendues à travers chaque inflexion et récitation. C’est un début audacieux, honnête et surprenant.

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