Cory Wells: « The Way We Are »

The Way We Arest un premier album comme beaucoup le sont. On pourrait le qualifier d’emo rock mais l’instrumentation est presque exclusivement acoustique ce qui lui donne sa singularité. Wells a décidé sur ce projet solo de mettre à nu sentiments lui qui, autre singularité, a grandi en écoutant et jouant du metal. Et cela s’entend, au moins da par les gros accents emocore qui parsèment les 12 titres de ce disque.

Ce sont ces mêmes accents qui constituent le principal obstacle à l’adoption de la part de la majorité du public. Pas sur que les amateurs de pop adhèrent en masse à ce style en équilibre instable entre deux univers. Parce que, en effet, certains titres peuvent bien évoquer un Bayside, mais les mélodies à la six cordes sont assez bien troussées, classiques et pop. L’émotion semble trop souvent convenue et les titres sonnent déjà entendus. L’ensemble un peu artificiel, y compris de par sa singularité.

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Interview de Juliana Hatfield: « Reprises & Recréation »

Juliana Hatfield s’est d’abord fait connaître en tant qu’auteur-compositeur-interprète alors qu’elle faisait partie de Blake Babies, le groupe basé à Boston qui est devenu le chouchou du rock alternatif lorsqu’ils ont sorti leur premier album en 1987, Nicely, Nicely, Nicely. Son statut d’icône de la scène indie ne s’est pas affaibli lorsque le groupe s’est séparé en 1991 – elle a rejoint The Lemonheads, puis The Juliana Hatfield Three, où elle a continué à montrer son talent pour écrire des chansons intelligentes et entraînantes. Le plus grand « single » de ce groupe, « My Sister » » sorti en 1993, est arrivé en tête du palmarès du Billboard Modern Rock Tracks et a reçu une largeappbrobation (même Kurt Cobain, dans une lettre à Juliana qu’elle a rendue publique, a fait l’éloge de cette chanson). Il est donc surprenant, compte tenu de ses talents d’auteur-compositeur, que Hatfield ait récemment consacré deux albums à la couverture d’autres artistes : en 2018, elle a sorti Juliana Hatfield Sings Olivia Newton-John, plus récemment, Juliana Hatfield Sings The Police. Elle explique, à côté de ses propres véritables album ,comment ces reprises l’ont aidée à relancer sa créativité et lui permettent de d’étoffer son répertoire dans un avenir prévisible.

 

Comment décidez-vous de l’œuvre que vous allez couvrir ?

Je suis sensible à l’idée de couvrir une musique qui n’est pas considérée comme « cool ». Quand j’étais dans mon premier groupe dans la spère du rock indie, j’ai compris qu’il y avait certains groupes et albums qu’on était obligés d’aimer et de citer comme influences, et j’ai toujours eu l’impression que c’était complètement absurde. Mon premier groupe, Blake Babies, s’est séparé parce que j’aimais beaucoup Wilson-Phillips et ils ne l’aimaient pas. Je veux dire, ce n’est pas la seule chose qui nous a séparés. Mais je ne sais plus ce qui est cool. J’aime choisir des artistes qui sont un peu discutables ou controversés sur le plan de leur coolness, comme si les hipsters ne donnaient même pas le temps à Olivia Newton-John. Je pense « cool » et « branché », ce sont des mots qui veulent dire « fermé d’esprit ». Ou trop fiers ou trop peu sûrs d’eux pour admettre ce qu’ils aiment vraiment. Pour moi, il n’y a pas de plaisir coupable, seulement des plaisirs.

Il semble que certaines choses deviennent moins cool si elles deviennent vraiment populaires.

Oui, a popularité de masse dérange vraiment certaines personnes. Je pense que The Police est controversé à cause de ce que Sting a fait après avoir quitté le groupe – le consensus général est qu’il a un côté prétentieux, ou qu’il est devenu un peu hautain après son départ. Sting est un personnage qui divise vraiment, mais je pense que The Police n’a rien à voir avec Sting en solo solo. Je veux dire, ça faisait partie de leur histoire, qu’ils se détestaient, mais qu’ils s’aimaient aussi. Vous pouvez sentir la tension dans la musique, et c’est ce qui rend la musique géniale. On voit bien qu’ils se tapaient beaucoup la tête lmais qu’ils étaient aussi très solidaires.

D’où vous est venue l’idée de faire un album entier avec un seul artiste, au lieu de plusieurs chansons d’artistes différents comme c’est généralement le cas ?

Il y a quelques années, j’ai vu qu’Olivia Newton-John était en tournée, et une de mes amies nous a acheté des billets pour la voir au lieu le plus proche – c’était dans un autre état ; elle ne venait même pas au Massachusetts. On se préparait à faire un petit voyage mais c’est à ce moment-là qu’elle est tombée malade à nouvea, qu’elle a eu une récidive du cancer et qu’elle a annulé les spectacles. Ses chansons circulaient dans mon cerveau. C’est là que j’ai pensé à l’idée : « Pourquoi ne pas exprimer mon amour pour les chansons et pour elle dans un album ? » »Puis elle a reprogrammé un tas de rendez-vous, alors mon amie et moi avons eu des billets à nouveau. Et le concert le plus proche qu’elle faisait était près de Pittsburgh. Nous sommes donc allées à Pittsburgh et je l’ai vue pour la première et la seule fois. Je suis si contente de l’avoir fait, parce qu’il semble maintenant qu’elle ait à peu près cessé de tourner. Quand je l’ai enfin vue en concert, je pense que c’était après avoir fini de faire l’album qui couvrait ses chansons, donc ça m’a semblé être le moment parfait pour aller la voir jouer.

Sait-elle que vous avez enregistré ce disque ?

Oui, les miens étaient en contact avec les siens parce que nous voulions donner un dollar de la vente de chaque album au Olivia Newton-John Cancer Wellness & Research Centre en Australie. On a mis leur logo sur mon album, et c’était vraiment cool. Puis elle m’a tweeté quelques fois à ce sujet, elle a été très gentille et gracieuse de me dire merci. Et il y avait des nouvelles de l’album sur son site web. C’était tellement gentil de sa part de le reconnaître, et de reconnaître qu’une partie des profits allaient à sa fondation. Je me sentais vraiment bien, non seulement de partager mon amour pour elle, mais aussi de donner quelque chose de tangible à une œuvre de charité à laquelle elle tient beaucoup.

Comment savoir quand il est temps de faire un album de reprises ou un album de vos propres chansons ?

Après avoir fait l’album d’Olivia Newton-John, j’ai eu envie d’écrire plus de chansons. Et quand mon album Weird a été finalisé, j’ai voulu faire plus de reprises parce que le projet Olivia Newton-John avait été très gratifiant pour moi. Et maintenant que j’ai terminé le dossier de The Police, j’ai envie d’écrire de nouveau des chansons. Donc je pense que mon plan, pour aussi longtemps qu’il durera, sera de faire un disque de reprises tous les deux albums. Ce truc des « covers » va donc devenir une série. Cela m’aide vraiment à m’éloigner de mes propres habitudes d’écriture de chansons. J’ai certainement des techniques que je répète encore et encore. Devoir apprendre les chansons des autres me force à sortir de ma zone de confort, ce qui m’est utile.

Vous avez donc déjà commencé à travailler sur votre prochain album d’originaux ?

En fait, je fais une petite pause. J’écris d’autres trucs, je travaille sur une forme plus longue en prose. Je voulais m’éloigner de la musique pendant quelques mois, juste pour écrire d’autres choses, et ensuite je reviendrai à l’écriture de chansons au début de l’année prochaine. Je dois être créatif : Je dessine et peins aussi. Je dois faire quelque chose tout le temps ou je deviens folle.

Allez-vous faire des dates de tournée pour cet album de reprises de Police ?

Oui, nous allons tourner en janvier et février, environ un mois aux Etats-Unis. Ça va commencer à Chicago, puis dans l’Ouest et tout autour, et ça va finir à New York autour de la Saint-Valentin. Nous finalisons toujours les dates, mais nous les publierons dès qu’elles seront toutes fixées.

Savez-vous déjà qui vous allez couvrir ensuite ?

Oui. Je ne veux pas encore dire qui c’est, au cas où je changerais d’avis. J’ai fait un groupe australien, puis un groupe anglais, alors je pense que la prochaine fois je devrais faire un groupe américain.

Vous avez produit cet album et joué beaucoup d’instruments vous-même. Quand vous avez autant de contrôle sur le processus, comment savez-vous quand arrêter de travailler sur une chanson ?

Je suis vraiment douée pour mettre fin aux choses. J’ai toujours été bonne à ça. En fait, il y a eu un moment dans le studio où j’ai pris du plaisir à travailler sur quelque chose. Et je suis sorti de moi-même et je me voyais aller de plus en plus loin dans ce trou infini et perdre la tête. C’est cette partie sur laquelle je travaillais, la fin d’une chanson qui est devenue cet outro qui n’en finissait plus. Pour moi, c’était là un exemple de la façon dont les gens créatifs deviennent fous lorsqu’ils travaillent sur quelque chose. Je suis conscient des possibilités infinies, et si je me laisse aller dans cet univers infini d’idées, je vais perdre la tête. Je suis donc douée pour me maîtriser et mettre des limites aux choses. Je choisis de m’arrêter après un certain point et de travailler avec ce que j’ai. Mon mantra dans le studio est : « C’est bon, passons à autre chose. » Je m’arrête, parce que je réalise que la perfection n’existe pas, et si j’essaie de viser la perfection, je n’y arriverai jamais et je vais devenir fou.

Qu’est-ce qui vous a donné envie de devenir musicien ?

J’ai toujours eu la musique en moi, d’aussi loin que je me souvienne. J’ai toujours inventé des chansons, chantant sur mon environnement. Quand j’étais dans la voiture de ma mère, je chantais sur ce qui passait devant les fenêtres. Et j’ai pris des leçons de piano dès mon plus jeune âge. Mes deux parents jouaient du piano dans la maison. J’ai toujours été attiré par ce genre de choses, je suppose. Ma mère allait devenir pianiste de concert – elle a étudié le piano classique, puis elle est devenue étudiante en journalisme parce qu’elle s’est rendu compte que la vie d’une pianiste de concert allait être trop difficile et compétitive. Elle a donc obtenu un métier plus pratique. Je pense que c’est amusant pour elle de me voir choisir ce qu’elle n’a pas choisi. Mais je pense que mes parents aussi s’inquiètent toujours pour moi parce qu’il n’y a pas de sécurité dans ce métier. Ils ne m’ont jamais dit de ne pas le faire, parce qu’ils savaient que j’allais le faire de toute façon, je me fichais de ce qu’ils disaient. Mais je suis sûr qu’ils s’inquiétaient. Ma mère l’a probablement encore ; mon père n’est plus là. Mais elle aime en parler à ses amis, ses amis viennent voir[mes spectacles] parfois. Elle est fière, mais je pense qu’elle s’inquiète encore de mon avenir.

Vous jouez aussi en plus de faire de la musique, de la peinture et de l’écriture. Comment pouvez-vous exceller dans tous ces domaines ?

Je ne sais pas si j’excelle dans tous les domaines. Je pense que je suis juste agité. J’ai juste l’impression que je ne veux pas me limiter à faire de la musique, parce que je sens que c’est un piège de ne faire qu’une chose. J’ai plus d’énergie à brûler. Vous savez, historiquement, il y a l’archétype de l’homme de la Renaissance ? Je me considère comme une femme de la Renaissance. Je pense qu’il y a beaucoup de gens qui peuvent faire beaucoup de choses, mais les gens sont formés pour se concentrer vraiment. Mais j’aime expérimenter avec différentes formes d’art, comme beaucoup de gens, je crois. Il y a beaucoup de musiciens qui dessinent et peignent, mais on ne voit pas toujours leurs œuvres.

Comment peut-onavoir une telle éthique de travail ? Beaucoup de gens mettent deux ou trois ans entre la sortie de projets, mais vous ne le faites pas.

Eh bien, en partie je pense que c’est parce que je travaille plus vite que certaines personnes. Certaines personnes ont besoin de plus de temps pour écrire et enregistrer, et je peux travailler assez vite par rapport à d’autres. De plus, je ne peux pas me permettre de prendre beaucoup de temps libre parce que c’est mon travail, alors je ne peux littéralement pas me permettre d’arrêter trop longtemps. Je n’ai pas le luxe, financièrement – mais si c’était le cas, je serais toujours en train d’écrire, de peindre, de dessiner ou quelque chose comme ça, parce que je dois le faire pour ma propre santé mentale.

Underground Lovers: « A Left Turn »

Les Underground Lovers sont de retour avec leur dixième album studio, leur troisième depuis leur réactivation après une pause au cours de la première décennie du 21e siècle. Ce retour montre qu’ils sont toujours en pleine forme avec leur mélange d’indie-rock psychédélique et d’electronica et qu’ils ont de nouveau produit un album fort qui réunit ces éléments dans une parfaite harmonie hypnotique.

Leur dernier album Staring At You Staring At Me s’est concentré sur le son de guitare du groupe, lui donnant une touche plus rock. Cette fois-ci, ils ont relancé les explorations électroniques, rapprochant l’album du travail qu’ils avaient produit sur Cold Feeling à la fin des années 90.

Dès le début, Bells vise le cœur de l’esprit et, tout aussi viablement, le dancefloor. Son Krautrock bourdonnant s’étend sur plus de six merveilleuses minutes. Ils ont la capacité – comme Spiritualized et Wooden Shjips – de trouver le sweet spot d’un groove et de lec hevaucher sans fin. Hooky fait monter la barre du rock, tout en restant chaleureux avec les mélodies de la guitare de Glenn Bennie et les incantations vocales de Vincent Giarrusso. Shoegaze a toujours été un autre pilier du son du groupe et sur Dunes and Lusher, Philippa Nihill sonne comme une sœur de rêve pour My Bloody Valentine et Cocteau Twins. La musique scintille, brille et frémit doucement derrière elle. Le single Seven Day Weekend est un hymne dans son rythme à la batterie et ses guitares à bascule déformées. Giarrusso voyage en mode Shaun Ryder sur l’ode à la socialisation insouciante.

Au moment où nous arrivons à la conclusion de l’épopée épique de neuf minutes de « Rocky Endings (A Left Turn) », on aura un sentiment d’exaltation dans le sillage des pics propulsifs de l’album et dde ses vallées flottantes. La chanson serpente pendant quatre minutes avant de s’envoler dans la stratosphère pour une mission spatio-rock interstellaire de guitares carillon, de basses pulsées et de percussions métronomiques qui s’étirent et s’amplifient magnifiquement. A Left Turn est un autre joyau sonore de l’une des plus belles merveilles psychédéliques d’Australie.

***1/2

Flying Lotus: « Flamagra »

Depuis l’apparition du projet Flying Lotus (2006), Steven Ellison n’a cessé de brouiller les pistes dans un débordement aussi imaginatif que créatif. Souvent renversant, des fois inquiétant, touchant presque à la métaphysique tout en devenant avec les années une mythologie en vase clos, un objet de pop culture (fallait voir le lancement de l’album à Time Square), Flying Lotus séduit autant les vieux de la vielle du hip-hop (école Madlib) que les défricheurs de nouvelles sonorités urbaines. Un pied dans le passé (rappelons que Ellison est le petit neveu d’Alice Coltrane) et un autre en suspension, ne sachant pas choisir entre la marche présent ou futur, Steve Ellison a su créer un véritable univers aux références diverses (soul, funk, jazz, rap, electro, glitch, abstract) copulant aussi farouchement que gentiment pour des mises en orbite auditives frôlant l’expérimentation la plus totale et la perte de repères concis. Si, au début, le nom Flying Lotus a souvent été comparé, comme argument de vente, à celui d’Alice Coltrane et de son psychédélisme, le projet vole dorénavant par la seule présence de Steven Ellison orchestrant multiples invités parsemant ses disques (Thom Yorke, Kendrick Lamar, Thundercat, Kamasi Washington etc..). Si You’re Dead, le précédent, et le plus « cauchemardesque », opus de l’américain traitait de la Mort, du passage vers l’au-delà, des rêves avec ses visions surréalistes et gores renvoyant à un imaginaire graphique japonisant, Flamagra, nouvel album en cinq années (Ellison s’étant lancé entre temps dans l’expérience cinématographique avec le perturbant Kuso), prend ici comme thématique le feu, son entretien (artistique) et à sa représentation (philosophique). Et quoi de mieux pour s’attaquer à ce concept ? David Lynch, ami(e)s cinéphiles !! Il est étonnant de voir ce nouvel album comme une sorte de décalque de Twin Peaks mais passé à la moulinette d’abstract hip-hop, de funk cosmique, d’instrumentaux lo-fi enivrants, de soul fantomatique et de jazz hallucinogène très Sun Ra, c’est à dire pas de notre monde astral. Et j’oublie de mentionner la quantité d’invités allant de Shabazz Palaces à l’inamovible Thundercat et sa voix de velours entre George Clinton et David Lynch.

David Lynch, justement, voit dans le feu un passage vers une autre dimension, une réalité distordue et comme disait l’agent Dale Cooper : « Nous vivons dans un rêve ». Flamagra a tout du rêve, de l’inquiétante étrangeté. Il est distordu, prend des directions inédites, n’hésite pas à laisser l’auditeur en chemin pour qu’il se démerde un peu et navigue de manière aussi fluide que perturbante de style en style avec le pot-pourri mentionné plus haut. S’il est plus facile d’accès et dansant que Until The Quiet Comes ou You’re Dead, le nouvel opus de l’ami Ellison ratisse large, languissant et euphorique à la fois pour un résultat tout de même barré, sans être excessif, et torturé, tout en restant smooth. À la fois plus coordonné et maîtrisé dans sa structure, Flamagra est composé de pas moins de 27 rigoureux morceaux s’imbriquant dans un puzzle en 3D nécessitant nombre d’écoutes pour en découvrir les passages cachés et les détails distillés par le beatmaker au milieu d’un groove iodé entre monde des rêves, Akira, Métal Hurlant et un sentiment de lâcher-prise bien enfumé propre au jazz. Et si cela ne suffisait pas, l’écoute de ce perturbant spoken word de monsieur Lynch himself en milieu d’album donne tout son sens à Flamagra, un objet en mutation, s’amusant des codes, n’ayant aucune crainte de briser les frontières qui nous relie à une « réalité ».

La richesse du macrocosme de Flying Lotus est que celui-ci regorge de pépites et, qu’avec le temps,on se doit apprendre à aimer cette « esthétique » du fragment, de ces courts morceaux, instrumentaux ou pas, de ces miniatures presque qui trouvent leur place accompagnées d’un lever de sourcils admiratif.

Ayant toujours un coup d’avance, Flamagra est dense, inventif. Coincé entre mysticisme et connaissance, Ellison relance une machine à récit, universelle et étrange. À chacun d’emprunter le chemin concocté par ce sorcier de l’ère électronique et d’y trouver sa flamme et de la raviver…

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10 000 Russos: « Kompromat »

Troisième album des Portugais psycho-kraut 10 000 Russos, Kompromat s’inscrit tout entier dans la continuité de Distress Distress (2017) : les morceaux décrivent des trajectoires toujours concentriques où la guitare abrasive et les boucles industrielles rebondissent contre le caoutchouc transcendantal de la basse. La voix narquoise, noyée dans la masse, est robotique. Le beat l’est aussi (la batterie sonne de plus en plus comme une boîte à rythmes).
Et puis ça dure. Un peu plus de dix minutes pour l’introductif (et très hypnotique)« 
It Grows Under» , un peu moins pour les suivants (bloqués autour des sept minutes). C’est extrêmement répétitif, c’est complètement jusqu’au-boutiste. Une idée par morceau malaxée jusqu’à son épuisement. L’ossature reste inflexible quand les bruits divers qui l’habillent mutent, eux, en permanence. Du coup, on reste coincé dans la musique, brinquebalant et zigzagant contre ses murs capitonnés. Quand elle s’arrête, tout s’évapore et quand elle reprend, on redevient instantanément prisonnier de ses méandres.
On n’en retient pas grand chose de prime abord si ce n’est son côté très immersif et bizarrement spectral alors que le paysage est majoritairement hirsute et plombé. Ce qu’on retient aussi, c’est le groove singulier qui tapisse chaque morceau. Un groove rigide et mécanique mais très communicatif. Dès qu’il percute les neurones, le corps se sent obligé de bouger. Bien plus que ses deux aînés,
Kompromat exsude une vibration dansante et on a parfois l’impression de se retrouver sous une boule à facettes disco et dégénérée quand tout autour, c’est la guerre. On danse donc, mais les mouvements sont désordonnés, pour soi et on demeure sur le qui-vive sans vraiment se laisser aller car le propos reste sombre et concerné.

Et la vision de 10 000 Russos est loin d’être guillerette : rien de positif, Kompromat (du nom de ces dossiers compromettants utilisés à des fins politiques) agit comme une intraveineuse plantée dans un flux dans lequel on n’est jamais tranquille à son écoute.


L’énorme « 
It Grows Under » d’ouverture plante le décor. Oui, ça groove, oui, c’est séduisant mais il y a un je-ne-sais-quoi là-derrière qui crée une réelle tension. La boucle est certes hypnotique mais n’en demeure pas moins inquiète. Le psychédélisme du trio reste sombre et laboure un terreau d’idées noires, glauques, qui ne rassurent pas. « Runnin’ Escapin’ »’est légèrement moins rond. La guitare est plus abrasive et le kaléidoscope motorik s’enferme encore un peu plus en lui-même si bien qu’après deux morceaux, c’est mort : on sait qu’on ira jusqu’au bout du disque.
Le reste n’est que la déclinaison du début : une voix légèrement plus heurtée sur l’insurrectionnel « 
The People », une batterie qui ressemble un peu plus à une batterie sur « Quite A Charade » et une vibration orientale sur l’ultime « The Wheel » : peu ou prou la même formule déclinée sur tous les morceaux, les variations reléguées à la marge (mais bel et bien présentes). On avait prévenu : 10 000 Russos est jusqu’au-boutiste.
Et puis, peu importe puisque l’ensemble happe complètement. Reprenant à son compte un peu de
Neu ! en le grimant d’huile de vidange, réactualisant de loin Suicide via le souffle moribond qu’il inocule à ses morceaux, 10 000 Russos demeure ce drôle de truc tout à la fois dense et indéterminé. On le croit inoffensif et toute sa densité saute au visage, on démêle ses strates et c’est sa simplicité qui remonte à la surface, on l’envisage comme papier peint sonore et on se rend compte qu’on n’arrête pas de l’écouter.

Rien à faire, Kompromat se dérobe sans cesse et c’est peut-être pour ça que l’on revient régulièrement se perdre dans les motifs enchevêtrés de sa classieuse pochette pourvoyeuse d’hypnoses.

***1/2