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Interview de Jack Tatum (Wild Nothing): « Le Tout & Le Rien »

Jack Tatum fait une courte pause après les dernières dates de la tournée de son groupe de dream-pop, Wild Nothing. Originaire de Virginie, sa femme et lui y sont retournés il y a environ un an après avoir vécu quelques années à Los Angeles. « J’ai encore de la famille ici, et j’aime vraiment ça, dit-il. « C’est tellement plus doux. Là où je suis en ce moment, c’est ce dont j’avais besoin. Je me sens assez calme la plupart du temps. » Mais pas à ce moment précis, où il est momentanément surpris d’apprendre qu’il y a une tempête de grêle soudaine devant sa fenêtre. « C’est vraiment bizarre », dit-il, avant de revenir sur l’évolution de Wild Nothing qui dure depuis une décennie. A l’origine, Wild Nothing était juste Tatum, écrivant et enregistrant toute la musique par lui-même. Après la sortie d’un premier album, Gemini, qui a attiré les critiques et l’intérêt des fans, Tatum s’est rendu compte qu’il devait engager d’autres musiciens pour rendre la tournée possible. Par la suite, il a fait venir d’autres membres du groupe pour jouer sur trois autres albums studio, trois EP et, en septembre dernier, leur premier album live, Live from Brooklyn Steel. Malgré tout, Tatum est resté l’auteur-compositeur principal du groupe. Mais même aujourd’hui, alors qu’il s’apprête à mener Wild Nothing d’une décennie de succès en succès, Tatum semble encore surpris de se retrouver dans ce rôle de « musicien professionnel » d’autant qu’il envisage le prochain album et au-delà.

Comment les gens ont-ils reçu votre nouveau matériel lors de vos dernières dates de tournée?

Nous sommes à un peu plus d’un an de la sortie du dernier album Indigo, donc c’est cool. Vous remarquez les changements : quand vous commencez à interprétez certains itres, il y a toujours une petite courbe d’apprentissage qui fait que le public s’y habitue. Donc, les fans vivent avec ce disque depuis un certain temps et ils le connaissent vraiment bien. Mais nous n’avons jamais vraiment été le genre de groupe à asséner notre nouveau matériel. J’ai toujours pensé que le groupe avait ici considérémon catalogue dans son ensemble. Plus vous jouez de concerts, plus vous le faites longtemps – et je le fais maintenant depuis près de dix ans – vous savez par conséquent ce que les gens veulent et attendent. C’est ainsi que j’aborde les concerts. Je fais ces disques pour moi-même, puis je tourne pour d’autres personnes. Ce n’est pas comme si je n’aimais pas ça, mais je le fais parce que je veux avoir cette relation avec les gens qui écoutent la musique. Ils ont une relation très différente de la mienne avec notre matériel. Donc, nous aimons aussi jouer beaucoup de vieux trucs. J’ai l’impression que les gens sont parfois surpris quand ils nous voient jouer, juste parce que le concert a toujours été très centré sur le rock. Je pense que c’est un stéréotype que la musique de Wild Nothing est très froide.

Et maintenant, vous allez bientôt avoir du nouveau matériel enregistré studio ?

Oui, il y a des choses en route dont je n’ai pas encore vraiment parlé publiquement. J’ai un EP que nous allons probablement sortir en 2020 et je travaille toujours dessus en ce moment. J’ai l’impression d’être dans une position intéressante, après 10 ans dans ce groupe. J’ai la sensation d’avoir déjà eu cette très longue carrière, mais en même temps, je n’ai que 31 ans et j’y ai longuement réfléchi. J’essaie de comprendre ce que je veux faire avec Wild Nothing pour le prochain album, mais je suis aussi très intéressé dans le fait d’essayer d’être plus collaboratif dans le travail de production au cours de l’année prochaine pour voir où cela me mène. Quand j’ai commencé ce groupe, je n’avais vraiment aucune idée de ce que je faisais. Quand on a 20 ans et qu’on se retrouve avec ce petit succès inattendu, c’est une position bizarre, parce qu’il faut suivre ce qui se passe sans vraiment être capable d’y faire face. Avec chaque disque et chaque tournée que j’ai faite, c’est comme si on gagnait un peu plus de confiance et de compréhension de ce on est en train de faire. C’est assez bizarre.

Comment avez-vous réalisé que vous vouliez devenir musicien ?

C’est vraiment la seule chose qui m’a toujours passionnét. J’ai grandi dans une famille de musiciens – mon père joue de la guitare. On ne me l’a jamais imposé mais on a en quelque sorte compris que j’aurais pu y avoir accès si je choisissais de prendre cette direction. C’est ainsi que j’ai commencé à apprendre la guitare et à m’intéresser à la composition dès mon plus jeune âge. J’ai toujours été une personne très pratique, à bien des égards, donc quand j’étais à l’université, je ne pensais pas vraiment que la musique en tant que carrière était une option, même si j’étais en même temps absorbée en elle elle. J’étudiais les communications. Je me considère toujours davantage comme un fan de musique que comme un musicien parce que ma vie est évidemment consacrée à jouer de la musique, mais elle est aussi consacrée à une obsession presque académique pour la musique. J’ai toujours pensé que je me devais d’en écrire et, quand mon premier disque est sorti, je me suis dit : « OK, je suppose que je suis musicien maintenant, . », Mais il m’a fallu un certain temps pour m’y faire ; je ne me sentais vraiment pas à l’aise pour accepter ce statut et cela a duré longtemps.

Est-ce pour cette raison que, quand vous avez commencé, vous avez utilisé un nom de groupe, au lieu d’utiliser votre propre nom en tant qu’artiste solo ?

Oui, je pense que oui. Surtout à cette époque, à la fin des années 2000, c’était beaucoup plus la norme que de cacher son identité derrière un nom de groupe. Les gens étaient beaucoup plus intéressés par cette idée d’anonymat en association avec la musique. Alors que maintenant, c’est tout le contraire. Je pense que cela a beaucoup à voir avec le fait que les médias sociaux sont très différents de ce qu’ils étaient il y a dix ans. J’ai l’impression que la majorité des gens que je vois et qui arrivent se disent : « C’est moi, je suis là  » Je trouve ça cool, mais c’est très différent.

Comment avez-vous choisi le nom Wild Nothing ? Je ne me souviens pas avoir lu quoi que ce soit à ce sujet.

Probablement parce qu’il n’y a pas une bonne histoire derrière tout ça ! J’avais juste 20 ans et j’essayais de trouver un nom de groupe. Tout le monde avait des noms de groupe avec deux mots à l’époque, alors je lançais des mots au hasard pour voir ce qui sonnait bien, et Wild Nothing est ce sur quoi je suis tombé. J’aimais que cela me paraissait vague et ouvert, et il semblait y avoir une dichotomie entre les mots « sauvage » et « rien » : l’ouverture de quelque chose qui est sauvage, et puis le néant.

Après avoir commencé à tout faire soi-même, vous avez progressivement fait venir d’autres personnes, en studio et en tournée. Qu’est-ce que cela fait d’ouvrir son travail à d’autres ?

Ça m’a fait du bien. Je pense qu’en fin de compte, la collaboration est un élément vraiment essentiel pour avoir une vie créative saine. C’est quelque chose qui m’a pris du temps à intégrer sans que cela ne me perturbe. Pendant longtemps, j’ai vraiment eu l’impression que si je ne pouvais pas tout faire moi-même, je n’étais pas assez talentueux. Je me donne tellement de poids pour contrôler tous les aspects de ma musique. Parfois, c’est une bonne chose : on entend dire que les gens font les choses par eux-mêmes et souvent, c’est mieux d’une certaine façon parce qu’il y a une intention plus définie, une vision claire parce que c’est une vision unique. Mais, en même temps, on entre dans les choses très pratiques qui interviennent dans la composition de la musique – c’est beaucoup de travail et c’est très difficile. Intégrer tout cela sur soi est un peu fou. En outre, vous passez à côté de certaines idées et opportunités lorsque vous n’autorisez pas la collaboration. Avec le premier disque, où j’ai tout fait, jpar exemple. En écoutant mes autres disques, je peux identifier les endroits où c’était l’idée de quelqu’un d’autre, c’est-à-dire les endroits où ils ont changé et façonné ce que j’essayais de faire. J’aime bien ça. J’aime pouvoir le reconnaître dans ma propre musique.

Vos albums sont connus pour être soignés, contrairement à l’approche lo-fi adoptée par tant de vos pairs. Pourquoi aimez-vous cultiver cette démarche ?

Je considère mes disques comme des disques pop, à bien des égards. Je deviens vraiment obsédé par la production, et j’ai tendance à vouloir que les choses sonnent plutôt propres et impeccables. J’aime les disques qui ont l’air vraiment polis. Ce n’est pas le seul genre de disque que j’aime – il y a plein de disques décousus que j’apprécie et avec lesquels j’ai des liens profonds – mais en général, j’aime vraiment les disques brillants. Cela peut être difficile, car cela implique beaucoup de microédition et de gestion des détails. C’est gratifiant de permettre à mon produit de devenir plus important que d’autres choses. Toutefois, chaque fois que j’y pense, je dois m’éloigner de cette tendance à l’autocritique. Après avoir sorti un disque, je continue de l’écouter pendant des mois en me disant : J »’aurais aimé qu’on travaille un peu plus sur cette caisse claire ! » C’est tellement stupide.

Pourquoi vous infligez-vous cela ?

Je ne sais pas ! Je vis sans doute avec la notion de torture créative. Mais c’est en partie parce que, aussi dur que ça puisse être, c’est l’une de mes plus grandes forces créatrices. C’est ce qui me pousse à vouloir faire de la musique, cette poursuite de la perfection, à essayer d’arriver à un endroit que je connais de façon réaliste et que je n’atteindrai jamais. Ainsi, quand j’ai l’impression que j’aurais pu faire mieux, j’écris, je travaille sur des disques et je m’améliore.

15 novembre 2019 - Posted by | Conversations |

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