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Interview de Foals: « Perdu & Sauvé »

Les piliers du rock indie britannique que sont Foals continuent d’amorcer leur retour avec un nouvel album, Everything Not Saved Will Be Lost – Part 2. Il s’agit de leur deuxième dans même année, après Everything Not Saved Will Be Lost – Part 1. Les deux volumes du double album ont été autoproduits, et, après avoir déjà entendu deux titres de cette deuxième partie ( le lead « single » « Black Bull » et « The Runner ») le combo avait tranché et situé situé très haut dans les marée des prétendants au trône de meilleurs esporis du rock indé britannique. Le statut, ils l’ont soigneusement cultivé depuis leur formation en 2005 à Oxford, eujourd’hui le fruit semble être plus que mûr.

En tant que corps entier, la partie 2 ressemble à une méditation sur ce qu’il faut faire avec les reliques esthétiques qui ont laissé les fans au bord de la falaise métaphorique de la partie 1. Passant du prêt à danser, ils ont décidé d’enrôler un guitariste pesant et chargé pour apaiser leurs angoisses et se diriger vers l’avenir d’ici la fin de la deuxième partie. La force habitée et durable qui sous-tend une grande partie de cette énergie agitée est le paysage actuel : destruction du climat, inégalité et turbulence pure et simple. Ces deux parties offrent un refus de cette ruine normalisée tout en se matérialisant simultanément comme un repos ou une pause pour l’après-guerre.

A l’occasion de sa sortie, Yannis Philippakis, le frontman de Foals, fournit ici une analyse de ce que le groupe représente pour lui et se prête à ce jeu des considérations qui en sont issues.

 

Ce qui a éclairé la perspective de l’album.

C’est un peu flou quand je repense à l’époque où nous faisions le disque. J’ai l’impression qu’on l’écoutait vraiment parce qu’on s’autoproduisait. J’étais totalement immergé dans le processus. Même depuis et vers le studio, j’écoutais juste les morceaux sur lesquels nous travaillions. Au début, l’idée qui m’a enthousiasmé était un disque, musicalement, qui était optimiste, énergique et même euphorique par moments, et qui mariait cela avec une perspective lyrique plus sombre. J’étais vraiment attiré par ce contraste. Cela a aidé à informer et à guider l’ensemble du disque, comme si l’on considérait les chansons comme des chevaux de Troie. Après une brève écoute, j’ai l’impression qu’il s’agit de morceaux de musique très agréables et gratifiants sur le plan physique. Mais quand on gratte dans les paroles, il y a tout un monde plus sombre qu’on ne pourrait le croire.

Le pessimisme et le sens du mot « perdu ».

Pour ce qui est du compte rendu, et certainement de la partie 2, le message essentiel pour la première moitié est d’essayer de reconstruire l’épave qui a été décrite à la fin de la partie 1 et de trouver un but dans cette épave. J’ai pensé au disque de façon assez narrative, où je pense que vous verrez que j’ai voulu faire un voyage sur la partie 1 qui mène ensuite à la partie 2. Donc, d’une certaine façon, je suppose que la première partie est plus axée sur l’observation et tente d’expliquer le paysage – le paysage étant celui dans lequel j’ai l’impression d’être le plus actuel. Je voulais vraiment profiter des nouvelles actuelles, en particulier en Grande-Bretagne, et probablement de mes propres inquiétudes internes à ce sujet.

Je suppose que, d’une certaine façon, pour relayer le mot « perdu », la perspective de la deuxième partie est celle où l’on est en quelque sorte libéré de certaines de ces choses parce que la destruction a eu lieu. Il y a moins de poids pour toi. Il y a moins de ces choses dans le dossier. La dernière chose que je dirai à ce sujet, c’est que j’ai une vision sentimentale du temps qui passe. Je me sens très émotif et senseible à ce sujet, et j’ai toujours été très préoccupée par le fait que les choses sont éphémères et transitoires. Avec l’âge, c’est devenu une obsession imminente. Je suis plutôt préoccupé par la fin et la finalité des choses. C’est en grande partie dans les chansons parce que c’est juste une préoccupation dans mon esprit.

Se faire continuellement demander si « Rock Is Dead ».

Je trouve ça plutôt ennuyeux, je suppose. Depuis que nous sommes un groupe, les gens posent cette question sur la mort du rock. C’est presque une sorte de névrose journalistique. J’ai l’impression que ça n’a jamais eu d’influence. Quand la musique rock est saine, les gens continuent de poser cette question, et quand ce n’est pas le cas, ils continuent de le faire. C’est un flux et reflux. Pour répondre à la question d’un point de vue britannique, je pense qu’il y a beaucoup de groupes de guitares vraiment intéressants en ce moment qui viennent du Royaume-Uni, et c’est de plus en plus politisé et louangé, ce qui est cool. Je pense que c’est un bon endroit. On ne pense pas vraiment que ça a un rapport avec ce qu’on fait, tu sais ? J’ai l’impression qu’on est assez autonomes.

Le climat politique et les artistes « qui restent « dans le droit chemin ».

Je pense que l’idée de rester sur cette voie, c’est des conneries. Attendre des gens parce qu’ils sont des artistes qu’ils gardent leur schtum et que parce que vous êtes un artiste d’un certain genre, alors vous ne devriez pas exprimer votre opinion ou que vous ne devriez pas en avoir une, je trouve ça insultant, simplement. À un moment donné, vous avez certaines opinions parce que vous écrivez des chansons ou parce que vous faites de l’art. Lorsque vous aurez ces points de vue, ils seront imprégnés de ces faits. Quand j’écris une chanson, ça vient de moi. Je ne travaille pas avec des auteurs-compositeurs. C’est ma façon d’aller de l’avant et ma façon d’y réfléchir. Je me passionne pour certaines causes, et pourquoi n’utiliseriez-vous pas votre programme, faute d’un meilleur mot, pour essayer d’amener le dialogue ? Le fait est que tout ce pour quoi vous avez travaillé, c’est d’être entendu. Donc, quand on peut se faire entendre, ne pas s’en servir pour exprimer des idées politiques, ce n’est pas seulement absurde, ce serait un peu lâche. C’est ce que je ressens.

La façon dont le groupe s’est détourné d’une écoute « heavy ».

C’est probablement à double tiroir. Une chose est liée à la raison pour laquelle l’album a été divisé en deux. Nous ne voulions pas qu’il se sente comme un fardeau d’écouter 20 morceaux parce que c’est un peu épuisant et laborieux. Et je suppose que, de cette façon, nous ne voulions pas que cela ressemble à une écoute lourde en temps réel, de sorte que vous puissiez facilement digérer la première partie et vivre avec pendant six mois, puis vous êtes prêt pour la deuxième partie. Et les choses ont le sens des proportions, et il n’y a pas de dévoilement aussi grandiose et aussi énorme de cette chose massive. L’autre aspect serait, comme en musique, que nous avons été plus mélancoliques que le paysage britannique. Nous avons déjà écrit de la musique mélancolique. Ce serait différent de parler de ces choses, et nous n’étions pas attirés par cette direction à l’époque, vous savez. Nous n’étions pas tellement intéressés à écrire de la musique d’une manière morose ou mélancolique. Et nous ne voulions pas avoir l’impression que quelqu’un te récurait. J’aime les disques comme ça, mais on ne voulait pas être comme ça.

L’impact artistique des tendances de la consommation de musique numérique

Avec l’écriture, ca ne nous concerne pas parce que je pense inconsciemment que nous regardons vers l’intérieur dans le sens où nous voulons juste essayer de faire de la bonne musique. D’une part, nous ne comprenons même pas vraiment le paysage parce que nous n’avons pas grandi avec lui de la même façon, vous savez, alors je pense que lorsque nous commençons à essayer de deviner comment faire des stratégies, ce ne serait pas bon. J’aime écrire de la musique parce que c’est une chose purement artistique qui me donne satisfaction loin de cette partie de ma tête qui serait branchée.

Je dirais que d’après l’expérience que j’ai vécue avec les deux albums et la façon dont les choses ont changé au fil des ans – ce qui n’est pas surprenant pour les journalistes musicaux – mais je pense qu’au niveau émotionnel, je me souviens que j’ai eu l’impression que l’on pouvait sortir un titre avec une photo promo et une vidéo, et tant que tout était bien fait et avait une forte identité, on pouvait essentiellement mettre son drapeau sur la montagne et cela serait visible pendant plusieurs mois sinon même un an. Vous aviez de l’oxygène, et c’est plus une métaphore, mais j’ai l’impression qu’il est plus difficile d’avoir de l’oxygène de nos jours, car nous en produisons beaucoup plus, pour utiliser le mot sale, le contenu. Nous publions beaucoup plus de photos, beaucoup plus de représentations esthétiques par album. Et tout est battu, et les choses sont enterrées un peu plus vite.

Sans avoir l’air d’un vieil homme grincheux, il y a quelque chose de troublant là-dedans. Les grandes archives du passé, auraient-elles prospéré et survécu dans ce paysage ? Et pas seulement avec ces disques, mais ces artistes qui sont devenus des figures emblématiques pour de bonnes raisons, survivraient-ils dans ce paysage ? Vont-ils percer ou seront-ils aussi submergés sous ce torrent d’information et de musique et quoi encore ? Ouais, je ne sais pas. On pourrait en parler toute la journée. Je pense que c’est formidable que la créativité puisse être consommée plus rapidement et plus librement, et il y a beaucoup d’aspects de cela qui sont excellents. Mais il y a aussi quelque chose de durable, pour le ramener dans le titre de l’album. Ce qui dure, et ce qui n’est qu’une nouvelle d’hier, et ce qui m’inquiète, c’est que nous jetons ce qui devrait durer. Il n’y a pas vraiment de bon processus pour décider ce qui doit durer et ce qui est plus temporaire.

La chanson préférée à jouer à partir du double album

Une chose qui a été très enrichissante cette année, c’est que nous avons une chanson sur la première partie intitulée « Sunday » ; nous n’avons rien joué de vraiment hors de la deuxième partie, mais une chanson comme « Sunday’ dont je me souviens avoir espéré avec une sorte de fierté en tant que parent. Je voulais qu’il communique avec les gens, et je voulais qu’il offre une fonction pour être la bande sonore de ce moment que nous avons tous eu avec nos amis lors d’une soirée ou d’un préjeu à la maison ou d’un festival. Quand vous avez cette mélodie qui vous rapproche vraiment de vos amis et vous fait vous sentir vivant et courageux. En jouant « Sunday », j’ai vu des gens chanter avec moi, et je peux dire que c’est devenu cette chanson pour les gens. C’est à ce type de réactions que je m’adresse.

2 novembre 2019 - Posted by | Conversations

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