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Girl In Red: « Beginnings »

Girl In Red a, jusqu’à présent, un parcours fulgurant. Il y a un an et demi quasiment personne n’avait entendu parler de cette jeune norvégienne qui enchaîne désormais les concerts à guichets fermés dans des salles de plus en plus grandes. Avec ses chansons composées dans sa chambre, elle a séduit à une vitesse fulgurante grâce aux réseaux sociaux un public de grands ados qui se sont retrouvés dans ses textes, mais pas seulement.

Beginnings est la synthèse de ses deux premiers EPs ; on remarque d’ailleurs une évolution sonore dans la seconde moitié du disque, mais aussi des titres de plus en plus forts, « Dead Girl In The Pool » et « I’ll Die Anyway » en tête. Comme quoi parfois l’authenticité ça paie.

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2 novembre 2019 Posted by | Chroniques "Flash" | , | Laisser un commentaire

Interview de Foals: « Perdu & Sauvé »

Les piliers du rock indie britannique que sont Foals continuent d’amorcer leur retour avec un nouvel album, Everything Not Saved Will Be Lost – Part 2. Il s’agit de leur deuxième dans même année, après Everything Not Saved Will Be Lost – Part 1. Les deux volumes du double album ont été autoproduits, et, après avoir déjà entendu deux titres de cette deuxième partie ( le lead « single » « Black Bull » et « The Runner ») le combo avait tranché et situé situé très haut dans les marée des prétendants au trône de meilleurs esporis du rock indé britannique. Le statut, ils l’ont soigneusement cultivé depuis leur formation en 2005 à Oxford, eujourd’hui le fruit semble être plus que mûr.

En tant que corps entier, la partie 2 ressemble à une méditation sur ce qu’il faut faire avec les reliques esthétiques qui ont laissé les fans au bord de la falaise métaphorique de la partie 1. Passant du prêt à danser, ils ont décidé d’enrôler un guitariste pesant et chargé pour apaiser leurs angoisses et se diriger vers l’avenir d’ici la fin de la deuxième partie. La force habitée et durable qui sous-tend une grande partie de cette énergie agitée est le paysage actuel : destruction du climat, inégalité et turbulence pure et simple. Ces deux parties offrent un refus de cette ruine normalisée tout en se matérialisant simultanément comme un repos ou une pause pour l’après-guerre.

A l’occasion de sa sortie, Yannis Philippakis, le frontman de Foals, fournit ici une analyse de ce que le groupe représente pour lui et se prête à ce jeu des considérations qui en sont issues.

 

Ce qui a éclairé la perspective de l’album.

C’est un peu flou quand je repense à l’époque où nous faisions le disque. J’ai l’impression qu’on l’écoutait vraiment parce qu’on s’autoproduisait. J’étais totalement immergé dans le processus. Même depuis et vers le studio, j’écoutais juste les morceaux sur lesquels nous travaillions. Au début, l’idée qui m’a enthousiasmé était un disque, musicalement, qui était optimiste, énergique et même euphorique par moments, et qui mariait cela avec une perspective lyrique plus sombre. J’étais vraiment attiré par ce contraste. Cela a aidé à informer et à guider l’ensemble du disque, comme si l’on considérait les chansons comme des chevaux de Troie. Après une brève écoute, j’ai l’impression qu’il s’agit de morceaux de musique très agréables et gratifiants sur le plan physique. Mais quand on gratte dans les paroles, il y a tout un monde plus sombre qu’on ne pourrait le croire.

Le pessimisme et le sens du mot « perdu ».

Pour ce qui est du compte rendu, et certainement de la partie 2, le message essentiel pour la première moitié est d’essayer de reconstruire l’épave qui a été décrite à la fin de la partie 1 et de trouver un but dans cette épave. J’ai pensé au disque de façon assez narrative, où je pense que vous verrez que j’ai voulu faire un voyage sur la partie 1 qui mène ensuite à la partie 2. Donc, d’une certaine façon, je suppose que la première partie est plus axée sur l’observation et tente d’expliquer le paysage – le paysage étant celui dans lequel j’ai l’impression d’être le plus actuel. Je voulais vraiment profiter des nouvelles actuelles, en particulier en Grande-Bretagne, et probablement de mes propres inquiétudes internes à ce sujet.

Je suppose que, d’une certaine façon, pour relayer le mot « perdu », la perspective de la deuxième partie est celle où l’on est en quelque sorte libéré de certaines de ces choses parce que la destruction a eu lieu. Il y a moins de poids pour toi. Il y a moins de ces choses dans le dossier. La dernière chose que je dirai à ce sujet, c’est que j’ai une vision sentimentale du temps qui passe. Je me sens très émotif et senseible à ce sujet, et j’ai toujours été très préoccupée par le fait que les choses sont éphémères et transitoires. Avec l’âge, c’est devenu une obsession imminente. Je suis plutôt préoccupé par la fin et la finalité des choses. C’est en grande partie dans les chansons parce que c’est juste une préoccupation dans mon esprit.

Se faire continuellement demander si « Rock Is Dead ».

Je trouve ça plutôt ennuyeux, je suppose. Depuis que nous sommes un groupe, les gens posent cette question sur la mort du rock. C’est presque une sorte de névrose journalistique. J’ai l’impression que ça n’a jamais eu d’influence. Quand la musique rock est saine, les gens continuent de poser cette question, et quand ce n’est pas le cas, ils continuent de le faire. C’est un flux et reflux. Pour répondre à la question d’un point de vue britannique, je pense qu’il y a beaucoup de groupes de guitares vraiment intéressants en ce moment qui viennent du Royaume-Uni, et c’est de plus en plus politisé et louangé, ce qui est cool. Je pense que c’est un bon endroit. On ne pense pas vraiment que ça a un rapport avec ce qu’on fait, tu sais ? J’ai l’impression qu’on est assez autonomes.

Le climat politique et les artistes « qui restent « dans le droit chemin ».

Je pense que l’idée de rester sur cette voie, c’est des conneries. Attendre des gens parce qu’ils sont des artistes qu’ils gardent leur schtum et que parce que vous êtes un artiste d’un certain genre, alors vous ne devriez pas exprimer votre opinion ou que vous ne devriez pas en avoir une, je trouve ça insultant, simplement. À un moment donné, vous avez certaines opinions parce que vous écrivez des chansons ou parce que vous faites de l’art. Lorsque vous aurez ces points de vue, ils seront imprégnés de ces faits. Quand j’écris une chanson, ça vient de moi. Je ne travaille pas avec des auteurs-compositeurs. C’est ma façon d’aller de l’avant et ma façon d’y réfléchir. Je me passionne pour certaines causes, et pourquoi n’utiliseriez-vous pas votre programme, faute d’un meilleur mot, pour essayer d’amener le dialogue ? Le fait est que tout ce pour quoi vous avez travaillé, c’est d’être entendu. Donc, quand on peut se faire entendre, ne pas s’en servir pour exprimer des idées politiques, ce n’est pas seulement absurde, ce serait un peu lâche. C’est ce que je ressens.

La façon dont le groupe s’est détourné d’une écoute « heavy ».

C’est probablement à double tiroir. Une chose est liée à la raison pour laquelle l’album a été divisé en deux. Nous ne voulions pas qu’il se sente comme un fardeau d’écouter 20 morceaux parce que c’est un peu épuisant et laborieux. Et je suppose que, de cette façon, nous ne voulions pas que cela ressemble à une écoute lourde en temps réel, de sorte que vous puissiez facilement digérer la première partie et vivre avec pendant six mois, puis vous êtes prêt pour la deuxième partie. Et les choses ont le sens des proportions, et il n’y a pas de dévoilement aussi grandiose et aussi énorme de cette chose massive. L’autre aspect serait, comme en musique, que nous avons été plus mélancoliques que le paysage britannique. Nous avons déjà écrit de la musique mélancolique. Ce serait différent de parler de ces choses, et nous n’étions pas attirés par cette direction à l’époque, vous savez. Nous n’étions pas tellement intéressés à écrire de la musique d’une manière morose ou mélancolique. Et nous ne voulions pas avoir l’impression que quelqu’un te récurait. J’aime les disques comme ça, mais on ne voulait pas être comme ça.

L’impact artistique des tendances de la consommation de musique numérique

Avec l’écriture, ca ne nous concerne pas parce que je pense inconsciemment que nous regardons vers l’intérieur dans le sens où nous voulons juste essayer de faire de la bonne musique. D’une part, nous ne comprenons même pas vraiment le paysage parce que nous n’avons pas grandi avec lui de la même façon, vous savez, alors je pense que lorsque nous commençons à essayer de deviner comment faire des stratégies, ce ne serait pas bon. J’aime écrire de la musique parce que c’est une chose purement artistique qui me donne satisfaction loin de cette partie de ma tête qui serait branchée.

Je dirais que d’après l’expérience que j’ai vécue avec les deux albums et la façon dont les choses ont changé au fil des ans – ce qui n’est pas surprenant pour les journalistes musicaux – mais je pense qu’au niveau émotionnel, je me souviens que j’ai eu l’impression que l’on pouvait sortir un titre avec une photo promo et une vidéo, et tant que tout était bien fait et avait une forte identité, on pouvait essentiellement mettre son drapeau sur la montagne et cela serait visible pendant plusieurs mois sinon même un an. Vous aviez de l’oxygène, et c’est plus une métaphore, mais j’ai l’impression qu’il est plus difficile d’avoir de l’oxygène de nos jours, car nous en produisons beaucoup plus, pour utiliser le mot sale, le contenu. Nous publions beaucoup plus de photos, beaucoup plus de représentations esthétiques par album. Et tout est battu, et les choses sont enterrées un peu plus vite.

Sans avoir l’air d’un vieil homme grincheux, il y a quelque chose de troublant là-dedans. Les grandes archives du passé, auraient-elles prospéré et survécu dans ce paysage ? Et pas seulement avec ces disques, mais ces artistes qui sont devenus des figures emblématiques pour de bonnes raisons, survivraient-ils dans ce paysage ? Vont-ils percer ou seront-ils aussi submergés sous ce torrent d’information et de musique et quoi encore ? Ouais, je ne sais pas. On pourrait en parler toute la journée. Je pense que c’est formidable que la créativité puisse être consommée plus rapidement et plus librement, et il y a beaucoup d’aspects de cela qui sont excellents. Mais il y a aussi quelque chose de durable, pour le ramener dans le titre de l’album. Ce qui dure, et ce qui n’est qu’une nouvelle d’hier, et ce qui m’inquiète, c’est que nous jetons ce qui devrait durer. Il n’y a pas vraiment de bon processus pour décider ce qui doit durer et ce qui est plus temporaire.

La chanson préférée à jouer à partir du double album

Une chose qui a été très enrichissante cette année, c’est que nous avons une chanson sur la première partie intitulée « Sunday » ; nous n’avons rien joué de vraiment hors de la deuxième partie, mais une chanson comme « Sunday’ dont je me souviens avoir espéré avec une sorte de fierté en tant que parent. Je voulais qu’il communique avec les gens, et je voulais qu’il offre une fonction pour être la bande sonore de ce moment que nous avons tous eu avec nos amis lors d’une soirée ou d’un préjeu à la maison ou d’un festival. Quand vous avez cette mélodie qui vous rapproche vraiment de vos amis et vous fait vous sentir vivant et courageux. En jouant « Sunday », j’ai vu des gens chanter avec moi, et je peux dire que c’est devenu cette chanson pour les gens. C’est à ce type de réactions que je m’adresse.

2 novembre 2019 Posted by | Conversations | Laisser un commentaire

Men I Trust: « Oncle Jazz »

L’album a beau s’appeler Oncle Jazz, il sera avait tout question ici de pop moelleuse et sensuelle avec le trio québécois Men I Trust qui propose là son 3e album en 5 ans.

Rien à jeter parmi 24 titres qui constituent ce disque. Mieux que ça, malgré sa durée de 71 minutes, ce double album ne se révèle jamais lassant, bien au contraire ! Il aurait plutôt tendance à nous envelopper dans un confort absolu. Avec son groove léger, ses sonorités bien rondes et la voix sublime et charmeuse la chanteuse guitariste Emma Proulx, Oncle Jazz est un vrai délice… quelque part entre Mac DeMarco, Beach House et Chromatics…

En effet, Men I Trust partage des points communs avec Johnny Jewel et ses groupes, notamment dans cette manière de faire sonner la reverb ou de développer des ambiances electro pop 80’s tendance « fin de soirée »… mais avec ce petit truc en plus à aller rechercher du côté du jazz peut-être, dans ce petit groove qui rend cet album qui ferait le même effet qu’une couette bien douillette.

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2 novembre 2019 Posted by | Chroniques "Flash" | , | Laisser un commentaire

Josh Homme: « Desert Sessions Vol 11 & 12 »

En attendant un nouveau disque des Queens Of The Stone Age, Josh Homme a décidé de rempiler pour deux Desert Sessions qui, en plus d’être d’excellente facture, ont le chic de nous envoyer un shoot de nostalgie.
Les deux derniers volumes des Desert Sessions (
I See You Hearing Me et I Heart Disco) dataient de 2003… Une éternité. A cette époque, tout le monde était sur Myspace, les Queens Of The Stone Age étaient au sommet de leur art (et n’était pas loin d’être le meilleur groupe de rock) avec Songs For The Deaf. A cette époque les invités étaient PJ Harvey, Nick Oliveri, Jesse Hughes, Mark Lannegan et Josh Freese. Le Rancho de La Luna était une sorte de club de rencontres pour gens tatoués qui pouvaient s’acoquiner après avoir travaillé avec Homme. La preuve avec Mark Lanegan qui ne quitta pas PJ Harvey et Alain Johannes pour enregistrer l(excellentissime Bubblegum en 2003 et 2004.

On s’échangeait les Desert Sessions sous le manteau et on était en admiration devant Homme qui envoyait du rock pur jus avec un son hallucinant.

Aujourd’hui, on écoute les Desert Sessions sur Spotify et on a quand même pris un petit coup de vieux. Les invités de Homme ont changé eux aussi. On retrouve au hasard de cette dizaine de morceaux Billy Gibbons des ZZ Top, Stella Mozgawa, Warpaint, Mike Kerr (Royal Blood) ou encore Matt Sweeney (Chavez). La capacité de Josh Homme de tirer le meilleur de ses invités est quant à elle intacte. Pour la première fois de sa carrière, Mike Kerr chante sur un morceau bien enregistré et Libby Grace nous ferait presque oublier PJ Harvey.

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2 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire

Fly Pan Am: « C’est Ça »

Fly Pan Am… Un nom lointain qui nous rappelle le début des années deux mille, moment de l’explosion du post-rock. Mais vous ne rêvez pas, le quartette montréalais reprend du service quinze ans après la parution de N’écoutez Pas, leur dernier effort discographique ! Des signes avant-coureurs d’un retour étaient tout de même visibles, puisque le combo s’était reformé pour un concert il y a un an. La muse créatrice a soufflé à leurs oreilles et son charme est évidemment irrésistible…

C’est Ça reprend clairement les choses là où elles avaient été laissées en 2004. On retrouve cette folie, cette puissance à la fois destructrice et bienfaitrice. Si l’électronique prend de l’importance, on navigue en terrain connu, mais gare aux turbulences ! Les neuf morceaux s’enchaînent en dévoilant chacun une personnalité différente.

On perçoit des influences diverses, allant du punk, à la noise, en passant par le shoegaze, le krautrock, la techno et une veine expérimentale pleinement assumée. « Avant-gardez  vous » déboule de façon fracassante. Titre tendu, anarchique, une divagation noisy difficile. Cet aspect se raréfie par la suite, mais donne le ton d’une partie du disque : sauvage, violent. Nous relevons d’ailleurs pour illustrer ceci les hurlements black metal imposants (sur « Bleeding Decay », « Each Ether », « One Hit Wonder », « Discreet Channeling », Interface your shattered Dreams »), une marque de fabrique qui affirme les contrastes de la musique de la formation.
Car, si le bruitisme est important, il ne faut pas non plus négliger les élans mélodiques, parfois éthérés, qui sont distillés. Fly Pan Am mue en Stereolab sur « Each Ether » et » »Interface your shattered Dreams » mais ce schéma serein est de courte durée.
C’est Ça est un opus touffu, au charme certain et aux nombreux éléments sonores qui en font une œuvre qui ne deemande qu’à être plus resserrée.

***1/2

2 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire

Hotel Pools: « Constant »

Il y a comme un plaisir coupable d’écouter de la musique Chillwave et/ou Vaporwave. L’une et l’autre on la particularité de me plonger dans un état de semi sommeil conscient. Je ne parle pas, évidemment, de la fatigue venue de l’ennui, qui est une des pires qui soit, mais de cet état de veille consciente ou tout parait plus lent et plus beau. Ici il fait froid, mais je suis au chaud dans mon gros pull en laine et mes chausson fourré. Le soleil se couche dehors, le bleu nuit se mêle à l’éclat gazeux orange des réverbères. De la fenêtre de mon appartement, on devine la ville qui se couche dans une brume légère qui donne un coté exponentiel au panorama.

 

Si vous avez déjà ressenti ce genre de moment hors du temps, et que vous comprenez ce que je vient de dire, alors nul doute que Constant, de Hotel Pools, est fait  pour vous. Rythmes lents et métronomiques, hypnotiques, plage de synthés vintages à gogo, ambiances feutrées pour un instant de pause bien mérité.

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2 novembre 2019 Posted by | Chroniques "Flash" | | Laisser un commentaire

L.A. Salami : »Walkabout »

Bienvenue dans la tête de Papalious Stokely. Ce personnage désabusé — un hétéronyme cousu et enfilé il y a longtemps par L.A. Salami lui-même pour se cacher derrière sa fiction — est en effet au cœur de Walkabout, un microalbum sous la forme d’une dissertation en sept parties du subconscient sur la vie, la mort, le temps et la déchéance. Dans une grande ville sans nom de ce monde où la joie est une vraie rareté, Papalious erre, attentif au particulier comme à l’universel.

Comme d’habitude, L.A. Salami frappe fort et bien : ces courtes séquences en spoken word sur une trame expérimentale aux motifs répétés (jazz, blues, rap) forment une poésie noire extrêmement dense, éloquente et perspicace. Divertissante, même. Arriver à traduire ainsi l’absurde et l’amertume de notre époque en un rire jaune, alors qu’on pourrait très bien pleurer, témoigne d’un talent certainement unique.

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2 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire

Kim Chrurchill: « Forgetting »

Presque six mois après I AM, Kim Churchill dévoile le deuxième de ses quatre microalbums moulés sur son exploration du monde. Forgetting, légèrement plus court, écrit et enregistré dans les forêts denses de l’île de Vancouver, est peut-être le plus hybride des albums du musicien australien — qui n’en est pas à ses débuts, aussi jeune soit-il encore. Ses séquences cinglantes et ses airs pop font un pas de côté pour accueillir un folk dépouillé et mélodieux souvent percussif, un héritage de ses premiers temps.

Comme si la grandeur de l’Ouest canadien avait forcé Kim Churchill à une réflexion qui ne concernerait pas seulement sa place dans l’univers, mais la fatalité de ses rapports aux autres, à la douleur, à la possibilité d’amour. Pour une rare fois, sa voix puissante est au premier plan — surtout sur « See You Soon, » une remarquable reprise de Coldplay. Plus qu’une confirmation de sa progression mélodique, Forgetting révèle que la voix de Kim Churchill est le meilleur porte-parole de sa liberté.

***1/2

2 novembre 2019 Posted by | On peut se laisser tenter | | Laisser un commentaire