Dan (The Automator) Nakumara et l’actrice Mary Elizabeth Winstead se sont rencontrés sur le tournage d’un film, Pilgrim Vs. The World dans lequel le logo de la Universal n’est pas le seule chose rétro qui les a réunis : en effet ils partagent tous deux un amour le pop française des années 60, époque où celle-ci était encore gauche et naïve.

I Love You But I Must Drive Off This Cliff Now est le premier album qui sort de cette rencontre et il est assez délectable, y compris dans l’ironie qui semble percer dans le long titre du disque.

Il n’est pas nécessaire de connaître (voire d’aimer) la « French Pop » autant que ce duo pour être séduit par le disque. Dès le « single » qui ouvre l’album, « Did We Live Too Fast » nous sommes entraînés dans un monde délicat où la joliesse est reine (« Je suis sûr qu’elle est charmante, mais je le suis tout autant », et ce, jusqu’au final ,« Heavenly », un univers qui ne peut que nous captiver.

Les accroches aiguës de « There’s A Revolution » et les cordes dramatiques de « ThingsWill Never Be The Same » sont tout aussi revigorantes d’autant que la production de Nakamura à cette impeccable croustillance qui éclate aux oreilles et que la voix de Winstead nous sur^rend agréablement par l’étendue de son registre.

Celle-ci demeure magnétique et confiantes, y compris dans le malicieux titre façon pnnk rock « Da Da Da » alors qu’on pourrait très bien la soupçonner de s’auto-plagier sur les textes de la romance dramatique qu’est « I’ll Never Hold You Back ».

On pouvait ne pas attendre grand chose d’un tel opus si ce n’est une resucée où les deux artistes se faisaient plaisir ; il s’avère qu’ils ont également capable de nous le faire partager. Raison de plus pour ne pas le bouder.

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Le « début album » des Sugar Stems se nommait Sweet Sounds et tout au mon de leurs 3 albums il ont été pourvoyeurs d’une power-pop affichant sans peine des accroches addictives et instantanées un peu comme le premier goût d’une barre de chocolat pouvait aiguiser notre gourmandise.

Le groupe originaire du Milwaukee pouvait néanmoins aligner des titres plus sombres comme le prouve ici l’ouverture de Only Come Out At Night, « Baby Teeth ». Soniquement, ce morceau sonne comme une joyeuse célébration de tout ce que le combo a été capable de faire jusqu’à présent mais n y trouve une mélancolie douce amère dans ses références aux « erreurs passées » et au fait de devenir plus adulte.

Il s’agit bien ici de l’album le plus abouti des Sugar Stems ; avec des tonalités familières (des guitares qui étincèlent, une basse caoutchouteuse, des accroches mémorables et les vocaux au gazouillis frais de Betsy Heibler) mais on y trouve un son qui doit moins au garage rock des 60’s grâce, en particulier, à la participation de Andy Harris (ex-Goodnight Lovin et Jaill) aux claviers.

Les titres peuvent se lire alors comme des tentatives réussies à véhiculer des morceaux évocateuu$rs des « radio hits » des 80’s avec un « Tell The Truth » dont l’orgue n’est pas sans rappeler Springsteen.

Reste bien sûr le « bubblegum » : « Radio Haerthrob » qui comiquement évoque cette quête impossible du rêve rock and roll, « I Know Where I’ »m Going », « The One » ou « Sun Rise, Sea Changes » aux chorus impeccables.

Only Come Out At Night se termine sur « Million MIles », une chanson d’amour à vous fendre le cœur, sans doute le plus belle jamais écrite par Sugar Stems. Une guitare acoustique, un orgue et les vocaux terriblement affectés de Heibler, il s’agit d’une mélodie berceuse qui n’a pas son pareil pour accompagner nos oreilles la nuit et nous faire prendre conscience de l’intensité du manque amoureux. Tout comme le reste du disque, c’est un morceau qu’on aura du mal à oublier résumant assez bien toutes les émotions qui se figent entre amertume et douceur.

***1/2

Rx Bandits a toujours été un groupe associé au ska même si, depuis 2001 et Progress, ils ont commencé à expérimenter pour se tourner vers des atmosphères jouant avec l’espace et le temps, une tendance qui s’est prolongée sur The Resignation et …And the Battle Begunoù ils ils ressemblaient plus à un groupe de rock progressif doté d’une section de cuivres. Ceux-xi ont disparu avec Mandala en 2009 et Gemini, Her Majesty les voit, il semble, endosser cette étiquette, où, comme tant de musiciens, le fait de ne se reconnaître dans aucun genre.

C’est chose compréhensible dans la mesure où ; si nous avons tendance à trouver des dénominations, celles-ci n’ont plus aujourd’hui beaucoup de valeur. En même temps, il est important de souligner que Rx Bandits ont toujours parlé de Gemini dans leurs premières œuvres d’autant que les meilleurs passages de l’album sont indubitablement enracinés dans leur passé ska et pop punk. « Wide Open » et « Stargazer » prennent vie non pas dans des imbrications musicales mais dans des chorus doucereux, équilibrant et limitant avec efficacité les penchants du groupe pour une expérimentation emphatique.

La voix de Mathhew Embree continue d’être une arme redoutable ; il est un des rares chanteurs à simuler un chant en Espagnol sans sonner de manière irritante et ses textes ambigus contiennent toujours de subtiles allusions politico-lyriques.

L’espace sera un thème omniprésent on s’en doute mais il est mêlée à des questions sur les relations humaines (en particulier la tentation) pour délivrer ainsi des notules plus personnelles (« Star Gazer » où une personne est à la fois une star et une esclave de la mode).

Au niveau de l’instrumentation, grand effort sera accordé au cosmique, et ceci n’est pas toujours du meilleur effet en particulier à la fin de l’album. Les harmonies célestes de « Will You Be Tomorrow » s’embourbent tr ès vite dans l’incohérence et «  Meo !! Meow ! Space Tiger » mouline interminablement sur fond de reggae et de bruits de jeux vidéos. « Penguin Marlin Brando » sera sans doute une faute d’orthographe volontaire, exemple d’un disque qui se veut « trippy » et excentrique mais ne décolle que partiellement.

**1/2

King Creosote est un artiste de Glasgow dont le véritable patronyme est Kenny Anderson. Sus ce nom ou avec d’autres musiciens il a sorti de nombreux CDs tous aussi divers les uns des autres. Sa démarche s’apparente à celle de Gruff Rhys (Super Furry Animals) et son dernier disque a été indirectement réalisé à la demande des autorités célébrant les Jeux du Commonwealth.

C’est donc un album d’autant plus intéressant car il est inspiré d’évènements sportif mais surtout parce que From Scotland With Love est, indépendamment se son contexte, un disque jalonné de pièces musicales assez remarquables.

La première écoute ferait penser à un la bande-son d’un documentaire émanant d’une « art school » et consacré à l’Écosse et ayant pour but de rendre hommage à un certain mode de vie. Le précédent, Diamond Mine, était la bande-son, d’un film imaginaire ; ici le procédé reste identique. Le film de Virginia Heath créé pour ces jeux présente des archives exclusives des évènements passés, pour King Creosote c’est une façon de mettre en valeur son mode de production favori : l’esquisse de vignettes personnelle et emphatiques.

Musicalement, on reconnaîtra sa voix en falsetto douce-amère, vectrice de tristesse et de douceur et les arrangements cinématographiques dont il est coutumier. La vie quotidienne sert de toile de fond avec quelques exceptions notables, « Largs » qui est une ville de plage accueillant les épreuves d’escrime et dont la pulsation évoque un rythme de carnaval. À l’autre bout de l’échelle musicale, on trouvera «  For One Night Only » , exercice indie si lo-fi qu’l pourrait passer pour un morveau de Belle & Sebastian.

Le sommet du disque sera un exaltant « Pauper’s Dough », un regard en arrière sur les luttes pour une vie meilleure qui ont jalonné le siècle dernier. Le film est muet, mais les textes de Anderson parviennent à lui donner une certaine éloquence grâce à la puissance de ses mots. Et si, rien dans From Scotland With Love n’égale la brillance de son chef d’oeuvre Diamond Mine, rien non plus n’en est très éloigné.

***1/2

La Hell Gang: "Thru Me Again"

Publié: 26 août 2014 dans Quickies
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Inspiré par la psychedelia et le garage rock des sixties, La Hell Gang est un trio chilien dont le premier opus, Just What Is Real, développait un son imprégné de poussière et de panache. Son originalité ? Avoir été ré-enregistré avec une production analogique et vintage.

La tradition psychédélique du Chili n’est pas nouvelle, ne serait-ce que par le « acide western » de Alejandro Jodorowsky, El Topo et, sur un autre registre, le psychiatre Claudio Naranjo un des pionniers de l’usage du MDMA (l’ecstasy) dans la psychothérapie.

Plus récemment de nombreux groupes « cosmiques » se sont développés à Santiago sous le giron du label Blow Your Mind (sic!) tout comme La Hell Gang.

Thru Me Again regorge de pédales wah wah qui éclatent comme des bulles, d’un boogie très terrien et de vocaux qui semblent sortis des profondeurs de la gorge. Ce deuxième album est le premier pour le label de Brooklyn Mexican Summer et il vous enfonce dans cette immersion sonique durant quarante minutes, un peu comme si, à son issue, on s’en sorte à la fois imprégné et soulagé.

Tout comme certains autres groupes (Wooden Shjips par exemple), Thru Me Again parvient à véhiculer habilement un climat à la fois détendu et lourd. Les huit minutes de « The Beginning Remains The End » est emblématique de cette fan de travailler : une entame lente évoluant progressivement vers un rythme semblable à celui d’un moteur bien huilé avant d’exploser en des fracas troglodytes accompagnés de riffs blues imbibés dans une fournaise.

Ajoutons qu’il s’emploient à merveille à nous balancer un rock and roll à vous secouer le postérieur (« Last Hit ») pour délivrer, au final, un disque qui sent bon la chaleur des solos hurleurs et de distorsions comme si le ciel en regorgeait.

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Giana Factory: "Lemon Moon"

Publié: 25 août 2014 dans Quickies
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Giana Factory, Lisbet Fritze (guitare), Sofie Johanne (basse et synthsés) et Loui Foo (vocaux et percussions sèches), sont finalement de retour après Save My Youth retentissant en 2010 produit par Anders Trentemøller.

Les Danoises ont choisi une atmosphère plus élevée qui semble mieux leur convenir ; ainsi l’ouverture, « Rigt Or Wrong » mélange habilement boîte musicale enfantine et sons plus effrayants et légère distorsion. Les choeurs vont vers l’harmonieux et le céleste élevant ainsi les tonalités sinistres de la basse vers le soleil.

Cette ambiance aura cours tout au long de Lemon Moon avec un Trentemøller dont les beats se font à la fois calmes et « dancey ». Le son-même est élaboré avec lui, ce qui donne une fluidité dynamique à l’ensemble, schéma où il n’occulte rien de ce qui est l’ouvrage de nos musiciennes.

La manières dont les compositions sont construites ne varie effectivement pas : un peu de basse, un peu de guitare et de légers vocaux qui vont se mêler pour créer un style à la fois grandiose, sentimental et propice à une certaine frénésie « dance ».

« Walking Mirror » se distinguera par son contraste entre beats électronique appuyés et vois mesurée, il en sera de même avec « Don’t Fall In Love » , « Head Up High » et « It’s Your LIfe ». Ce sont des morceaux essentiels pour comprendre comment faire fonctionner ensemble des contraires : un passage « dance friendly » se muant tout à coup en ballade qui vous plonge dans la tristesse.

La chanson titre semble être, quant à elle, la préfiguration d’une orientation vers une musique plus industrielle tout en conservant cette ambiance « spacey » ; pour un « sophomore albim » celui-ci est excellemment bien troussé et saurait agrémenter ces moments où se se sent à la fois agité et porteur de vague à l’âme.

***1/2

Avec un nom comme The Ghost of a Saber Tooth Tiger on se dit qu’on a affaire à un groupe de néà-pto adepte de mythologie comme l’étaient certains. Quand on sait qu’il est avant tout constitué du duo Sean Lennon (le fils de…) et de Charlotte Kemp Mulh (un mannequin à succès ayant 8 ans de plus que Sean) n s’interroge sur la direction qui sera celle de leur musique.

Pour Sean tout comme pour son demi-frère Julian Lennon, cet héritage a toujours été un frein dont Midnight Sun (titre et ochette on ne peut plus emblématiques également) va s’employer à te,ter de dissiper les idées préconçues. En fait, le patronyme que s’est choisi GSTT va assez bien entériner la première impression qu’il suscite.

On a droit à un rock aux compositions assez longues, chaloupées pour certaines et visant à créer une atmosphère à grands renforts de mellotrons et d’harmonies.Les tempos sont moyens pour la plupart Mulh intervient aux backing vocals et les climats ne peuvent s’empêcher certains groupes « prog » ou « post prog » en particulier les trop méconnus City Boy.

Cette fixation rythmique quelque peu downtempo privilégie certes un environnement dans laquelle il est aisé de renter mais elle est également source d’uniformité. Ce ne sont pas les quelques touches gothique apportée par Mulh ou les rares éclairs psychédéliques que la guitare de Sean va s’aspirer à émettre pour apporter des variations susceptibles de nous faire sentir des variations qui font rebondir ; Midnight Sun est, certes, un album bien conçu et agréable à écouter mais il demeure au final lassant et quelque peu monotone ce que le passage du groupe à Rock en Seine n’a fait que confirmer durant leur show malgré une reprise, habituelle chez eux, du « Long Gone » de Syd Barrett.

**1/2

Giana Factory est une trio féminin danois dont le deuxième album, Lemon Moon, vient de sortir et se situe toujours dans la même mouvance – à la fois gothique et électronique – que le précédent, Save The Youth. Les climats sont hantés et mélancoliques mais les jeunes femmes, en la personne de la chanteuse Loui Foo, sait se montrer enthousiaste pour nous parler de leur musique qui évoque sans la singer Sigur Rós et Röyksopp.

Comment peut-on se sentir à la veille de le sortie  d’un second album ?

Très bien mais un peu effrayées quand on se pose dans la perspective de Lemon Moon. C’est un peu comme avoir eu un enfant et attendre son anniversaire tout en étant anxieux par rapport à la façon dont la fête d’anniversaire va se dérouler.

Il s’est passé trois ans depuis Save The Youth, qu’est-ce que le groupe a fait durant cet intervalle ?

Beaucoup de concerts et de festivals dans le monde entier et nous avons aussi sorti une série de microsillons de 7 pouces avec des reprises de Save The Youth interprétées par Veto, Autolux, Trentemøller et Glasvegas. On s’est aussi beaucoup détendu en nageant, en mangeant des fraises et en écrivant de nouvelles compositions dont certaines figurent sur Lemon Moon. On a beaucoup fait d’expérimentations sonores et aussi exploré une nouvelle instrumentation.

Quel a été le processus qui a conduit à Save The Youth ?

C’était notre premier disque et on avait la sensation d’être des détectives cherchant des preuves et des indices pour nous aider à façonner ce que devait être notre son. On avait cette vision d’en trouver un qui soit vraiment unique et on a passer énormément de temps en studio à expérimenter avec les tonalités, les textes et l’art du « songwriting ». Ren fait on se sentait comme une usine (« factory ») à innovation qui devait nous permettre de fabriquer une sorte de vaisseau spatial que personne n’aurait jamais vu auparavant. La seule spécificité est que notre méthode d’usinage s’apparentait à du bricolage.

Quelles ont été vos influences ?

Des tas de choses ; le cinéma, la philosophie, l’art et l’architecture. Et puis il y a la vie dans toutes ses composantes. La musique devient alors la somme de tout ce qui se passe dans nos trois têtes. Quand on a fait Save The Youth, on avait une sorte d’image qui pendait contre un mur, presque comme un miroir à idées, et on se dirigeait vers lui quand on se sentait coincées en plain milieu de la conception. C’était presque une cérémonie rituelle et ça nous a beaucoup apporté.

Vous avez une composition que vous affectionnez particulièrement ?

Non, pas vraiment . Ça change au fur et à mesure qu’un titre s’insinue dans notre esprit. Quand on a fini d’enregistrer, on a commencé à répéter pour les jouer « live ». C’est dans ces moments que les morceaux acquièrent un nouvel éclairage, une nouvelle vie et une signification différente. Quand d’autres artistes font des « remix » c’est un peu comme si ils transforment les compositions. On aime penser que la musique n’est jamais totalement finie mais a plutôt un élément dynamique et qui est toujours source d’inspiration. Quand quelqu’un écoute un morceau, sa perception sera différente d’un autre ; c’est en ce sens que la musique ne peut pas être figée.

Et le nom de Giana Factory est venu de quoi au juste ?

Comme je vous le disais, notre sensation initiale quand on a commencé à faire de la musique était d’être dans une sorte d’usine car on testait des tas de choses en studio. On aime le nom « Giana » car il est plus doux que « Factory ». À l’origine on a été influencées par un vieux jeu sur ordinateur, The Great Giana Sisters, et on y jouait toutes les trois quand on était gamines. C’était une histoire de sœurs super cools qui mangent des diamants, tuent des dragons et sautent dans les airs.

Que pouvez-vous dire sur Lemon Moon ?

Avec le précédent, il était important de construire notre univers. Sur ce disque on a voulu décortiquer chaque morceau en peaufinant suffisamment les mélodies et les textes pour qu’ils sonnent comme nus. L’album est, en ce sens, beaucoup plus dépouillé et notre producteur, Anders Trentemøller, nous a énormément aidées car il a une super oreille pour faire que chaque son adhère aux autres.

Qu’avez-vous écouté ces derniers temps ?

Du blues africain comme Tinariwen, Nick Cave, de la soul style Denitia et Sene. Mais on aime toujours les « classiques » comme Nick Drake, Nico et le Velvet Underground ainsiq que des choses plus récentes comme Anna Calvi.

Et avec quel artiste aimeriez-vous collaborer ?

J’aimerais beaucoup travailler avec Tinariwen, ils sont Maliens et font des choses très intéressantes en combinant la musique africaine et le blues du désert. Il y aurait aussi Portishead ; on aime leur musique, leurs textes et leur façon de produire.

Clean Bandit est un quartet, ou plutôt un quatuor, de Cambridge dont la musique est une intéressante combinaison de « beats » élaborés et d’arrangements à cordes complexes. C’est un groupe qui fabrique une musique de chambre pour dancefloors où se mêlent des moments de mélancolie glaçante. Formés en 2009, ils sont entrés dans le Top 20 en 2013 avec « Mozarts’ House ». Grace Chatto (cordes) évoque rapidement cet alliage entre electronica et musique classique.

Parlez-moi de son de votre « ensemble ».

Il y a des violons, un violoncelle, un saxophone électrique, des percussions et des boîtes à rythme et des tas de voix différentes. Si je devais nous décrire, je dirais que nous somme un groupe « dancey ».

Et comment vous êtes-vous rencontrés ?

En ce qui me concerne et Jack (Patterson, vocaux, basse, saxo et électronique), nous nous sommes connus à l’université. Mais j’avais beaucoup travaillé avec Neil (Amin-Smith, cordes) auparavant. Quant à Luke, à la batterie, il est le frère de Jack. Voilà ! (En Français dans le texte.)

Que pouvez-vous nous dire sur votre tout nouveau single ?

Il se nomme « Dust Clears » et il parle de la renaissance et de l’amour. La vidéo raconte l’histoire d’un homme qui est malheureux dans son travail à l’usine et qui rêve d’un monde qui serait une piste de patinage artistique où il serait le Révérend Robert Walker (titre d’un tableau du peintre écossais Henry Raeburn montrant un révérend dansant sur de la glace).

Et quels sont les artistes qui vous inspirent ?

Ace of Base, Man Like Me, Hudson Mohawke.

Vous avez fait beaucoup de festivals ; un moment phare ?

Monter sur scène avec Chic au moment de leur dernier morceau au Festival de Beatherder.

Vous avez également un EP en préparation ; à quoi peut-on s’attendre ?

Deux de nos compositions originales (« Dust Clears » et « Rihanna ») et trois remixes de Thom alt-J, Jack de Friendly Fires et Russ Chimes. Notre compositiopn «  Rihanna » comportera un passage du quatuor à cordes en ré mineur de Mozart avec un « beat » assez accrocheur et détonnant.

Anderlin: "Lowborn"

Publié: 22 août 2014 dans Quickies
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Si il faut partir autant que ce soit avec style ; c’est peut-être ce que se sont dit les membres de Anderlin au moment où ils ont enregistré leur septième et ultime album, Lowborn. De retour sur leur label initial, Tooth And Nail, il semble que ça a été l’intention d’un groupe qui, tout au long de ses douze années d’existence, s’est efforcé de maintenir une certaine attitude rock, à mi chemin entre la new wave et le screamo.

Le titre d’ouverture, « We Are Destroyer », a d’ailleurs cet héritage mais le groupe sait, graduellement, s’en défaire pour aborder des territoires plus calmes et subtils dès « Strange Ways » dont la cadence, plus mesurée, permet à celui qui s’en imprègne de s’approprier l’humeur de la composition (invariablement celle d’un être épris se mourant de se rappocher de son objet d’amour) et de faire coïncider tonalité et textes.

C’est ainsi que doit être perçu Lowborn, un aller-retour entre colère (un « Stranger Ways » explosif) et climats apocalyptiques impossibles à contrôler comme sur le bien nommé « Armageddon » ou « Losing It All » qui, tous deux, ambitionnent de nous rappeler qu’iil y a une fin à tout. On ne peut s’empêcher de penser alors que, passant de la déclamation théorique à quelque chose de plus personnel, le groupe fait le constat de ces douze années de perdues puisqu’il a décidé de se séparer.

Concrètement, chacun de ses membres a accepté un défi : celui de s’enregistrer lui-même comme pour faire un pied de nez au destin. Le résultat est à la hauteur puisque textes et vocaux se mêlent avec fluidité sans qu’on ait la sensation de subir un discours didactique. Chaque morceau entraîne l’envie d’accéder au suivant ce qui n’est pas une mince affaire quand on s’essaie à conceptualiser une œuvre.

Il n’y aura rien ici qui décevra les fans de la première heure, si ce n’est le regret que l’aventure se termine, quant aux autres, ile ne pourront que regretter amèrement s’arriver si tardivement à une « farewell party » en forme de doigt d’honneur parce que jamais elle n’aurait eu lieu d’exister.

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